Por um punhado de imagens

Blankets finalmente em português

2012-01-29T23:58:00.000Z

Quase ao mesmo tempo que "Habibi", o seu último livro saia nos Estados Unidos, chegava finalmente às livrarias nacionais, a edição de “Blankets”, a obra que deu fama a Craig Thompson, aquando da sua publicação original em 2003.
Como mais vale tarde do que nunca, Blankets aqui está em português, numa bela edição em capa dura da Devir, que assim abre da melhor maneira a colecção “Biblioteca de Alice”, dedicada à Banda Desenhada de Autor.

Belíssimo livro de quase 600 páginas, “Blankets” é uma história de amor e um relato autobiográfico sincero de uma infância vivida no Wisconsin, no seio de uma família fundamentalista cristã, em que o peso da religião e a noção de pecado estão sempre presentes, condicionando a vocação artística do autor, que chegou a queimar todos os seus desenhos de infância, por achar que a sua arte o afastava de Deus e da salvação…
Mas, mais do que a infância de Thompson num meio ultra-conservador, na América profunda, “Blankets” gira em torno da sua história de amor com Raina, uma rapariga que conheceu numa colónia de férias e que lhe oferece a manta de retalhos (blanket) dá nome ao livro. É esse primeiro amor, sempre inesquecível, que Thompson recorda em belíssimas sequências, muito bem contadas e magnificamente desenhadas. Mais do que um grande narrador, Thompson é um formidável desenhador, que alterna com elegância entre os registos realista e caricatural, explorando muito bem todas as potencialidades do preto e branco, através de um traço de grande dinâmica e elegância.

A vontade de homenagear Deus e as suas criações (pois como bem lembra, Roger Vadim, num filme com Brigitte Bardot, “Deus criou a mulher”…) fazem com que Thompson gaste quase 600 páginas a contar uma história que podia perfeitamente contada em menos de 100, caso se abdicasse do ritmo contemplativo e da hábil gestão dos silêncios que ajuda a que nos concentremos na contemplação do desenho. E a verdade é que estas quase 600 páginas se lêem de um fôlego e com grande prazer! Vencedor de vários Prémios Eisner e Harvey nos Estados Unidos, aquando da sua publicação original, “Blankets” é, (a par com “Emigrantes”, de Shaun Tan) o melhor livro de BD publicado em Portugal em 2011 e, naturalmente, um livro altamente recomendável para todos os leitores.
(“Blankets”, de Craig Thompson, Devir, 594 pags, 35 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 28/01/2012
PS - Para terminar, aqui fica o belo desenho que Craig Thompson me fez no Festival de Beja de 2009.

Miguelanxo Prado na TV espanhola

2012-01-26T23:54:00.000Z

Miguelanxo Prado, o genial autor galego esteve em destaque no programa Ofícios de Cultura da TVE, com uma reportagem em que explica a um jovem desenhador o seu método de trabalho. Esta reportagem, além de revelar algumas pranchas e a capa do novo álbum de Prado, Ardalén,uma novela gráfica de 180 páginas, e nos dar a descobrir o estúdio onde o artista trabalha, tem também várias cenas filmadas na última edição do Festival Viñetas desde el atlântico, de que Prado é um dos directores.
Mesmo para quem não percebe o espanhol, vale muito a pena pelas imagens e pela oportunidade de ver Miguelanxo Prado (mas também Emile Bravo e Carlos Pacheco) a desenhar ao vivo.

Cartografias da Memória e do Quotidiano inaugura hoje em Guimarães

2012-01-21T01:06:00.002Z

Na programação da Capital Europeia da Cultura, Guimarães 2012, também há espaço para a BD e a ilustração, através da exposição Cartografias da Memória e do Quotidiano, que hoje inaugura. Esta exposição, coordenada pela ESAP-Guimarães para a Capital da Cultura conta com trabalhos de 6 ilustradores, 3 portugueses (João Fazenda, Marco Mendes e Nuno Sousa) e 3 estrangeiros, que regressarão a Portugal para o Festival MAB Invicta (Denis Deprez, Anke Feuchtenberger e Ulli Lust) realizados no âmbito de uma residência artística na cidade de Guimarães. As imagens (da terra, das gentes, da memória de Guimarães) resultantes destas residências foram ampliadas e espalhadas por vários espaços da cidade, em outdoors e na fachada dos prédios, mas os originais e os estudos preparatórios dos seis autores estão desde hoje expostos na Sociedade Martins Sarmento, até dia 4 de Março.
No dia 3 de Março, haverá uma mesa redonda com os autores presentes e será lançado o catálogo bilingue, que conta com um texto deste vosso escriba sobre a exposição. Mas até lá, aqui fica a sugestão para passarem por Guimarães, uma bela terra, onde nunca faltam motivos de interesse, especialmente nesta altura, como podem ver aqui

As 10 Melhores BDs que li em 2011 - Parte II

2012-01-17T01:04:00.000Z

6 - Parker: The Outfit, de Darwyn Cooke e Richard Stark, IDW

Segunda adaptação feita por Darwyn Cooke dos romances de Richard Stark (pseudónimo usado por Donald Westlake quando escrevia policiais) com o personagem Parker, The Outfit mostra um Cooke cada vez mais à vontade com o universo de Stark e sem qualquer receio de fazer experiências. Vejam-se as sequências do livro 3, apresentadas como um artigo numa revista, ou como um desenho animado da UPA, bem demonstrativas do talento narrativo de Cooke. Graficamente, mantêm-se a estilização e a elegância a que Darwyn Cooke nos habituou, com um trabalho bitonal que assenta como uma luva ao tom "retro" da história, passada nos anos 50.

7 - Polina, de Bastien Vivès, Casterman

Depois do magnífico Dans Mes Yeux, Bastien Vivés assina outro grande livro com Polina, a história da relação de uma jovem bailarina com o seu mestre, contada com um traço a preto e branco de extraordinária leveza, que parece flutuar na página, graças a um inteligente uso dos fundos cinzentos.Tão novo como talentoso, Vivès afirma-se cada vez mais como a grande revelação da BD franco-belga dos últimos anos.

8 - Portugal, de Cyril Pedrosa, Dupuis

Ficção autobiográfica sobre um autor que descobre as suas origens, Portugal tem conquistado a unanimidade da crítica e dos leitores franceses. O último trabalho de Cyril Pedrosa, autor francês de ascendência portuguesa, é uma belíssima viagem (a portugal, mas também interior) de quase 300 páginas, que se lêem de um fôlego. Integrando de forma harmoniosa os croquis do seu caderno de viagem, no meio das páginas de BD, Pedrosa constrói um belo livro, cheio de sensibildade e humor, mas que, infelizmente, dificilmente teremos oportunidade de ler em português...

9 - Stargazing Dog, de Takashi Murakami, Nbm

Esta bela capa transmite uma imagem de felicidade enganadora, pois esconde a história mais triste que li nos últimos anos. Os japoneses têm tradição nas histórias de fazer chorar as pedras da calçada (basta pensar num filme como Grave of the Fireflies, de Isao Takahata) e este Stargazing Dog é um bom exemplo. Uma história tão bela quanto triste, que Murakami conta de uma forma rigorosa, conseguindo (quase sempre) evitar cair na lamechice.

10 - Tex: Na Trilha do Oregon, de Manfredi e Gomez, Mythos Editora

Mais do que uma agradável surpresa, este Na Trilha do Oregon é, provavelmente o melhor "Texone" que já li. Para além de uma história interessante, muito bem construída por Gianfranco Manfredi que dá às personagens femininas um destaque pouco habitual numa história de Tex, há o desenho espectacular de Carlos Gomez. Verdadeira estrela em Itália, graças à série Dago, mas praticamente desconhecido no resto da Europa, este argentino é um desenhador de mão cheia, com um traço tão dinâmico como pormenorizado e que dá aos rostos uma grande expressividade que faz lembrar Buzzelli, embora o traço de Gomez seja mais elegante.

As 10 Melhores BDs que li em 2011 - Parte I

2012-01-13T12:45:00.000Z

Nesta altura do ano, é quase inevitável fazer as listas das melhores leituras do ano que terminou, e eu, mais uma vez, não fujo à tradição. Como das outras vezes, o critério de escolha foi os livros que li pela primeira vez em 2011, independentemente do local, ou data de publicação original. Daí que as mais importantes edições nacionais de 2011, Blankets e Emigrantes, não estejam nesta lista, pois já as tinha lido na edição original, há já alguns anos. O mesmo se aplica às excelentes reedições que estão a ser lançadas no mercado francês, de séries como Philemon, de Fred, Jerry Spring, de Jijé, Theodore Poussin, de Frank Le Gal e La Dynastie Donald Duck, de Carl Barks, que teriam certamente entrado nesta lista, caso as tivesse lido em 2011 pela primeira vez. Do mesmo modo, fica fora desta lista o Agência de Viajes Leming de José Carlos Fernandes, pois embora só em 2011 tenha sido publicado em livro pela Astiberri, tive ocasião de o ler pela primeira vez em 2006, ainda em fotocópia e, mais tarde, cheguei a ver provas da edição da Devir que nunca chegou a ser publicada.
Explicados os critérios de escolha, aqui vai a primeira parte da lista, ordenada por ordem alfabética:

1 - 36-39: Malos Tiempos, de Carlos Gimenez, De Bolsillo

Este livro, previamente publicado em 5 volumes pela Glenat España é mais uma viagem de Carlos Giménez ao seu passado, na linha de Paracuellos. Uma ficção autobiográfica, que mistura momentos vividos pelo próprio, com depoimentos recolhidos por Gimenez. O retrato que Giménez traça da vida em Madrid durante a Guerra Civil espanhola, é impressionante e a forma como o conta, mostra todo o talento de um grande autor de BD, que há muito atingiu a maturidade.

2 - Criminal: The Last of the Innocent, de Ed Brubaker e Sean Philips, Marvel/Icon

Com a série Criminal, Ed Brubaker e Sean Philips assinaram alguns dos melhores policiais negros dos últimos anos, com personagens à beira do abismo, diálogos afiados como um bisturi e um desenho de uma eficácia extraordinária, que recria no papel a ambiência do melhor film noir. Neste The Last of the Innocent, Brubaker e Philips arranjaram um processo narrativo tão simples como genial para tratar os flash-backs da adolescência de Riley Richards, apresentando-os num estilo gráfico diferente, que remete para as revistas da Archie Comics, estabelecendo assim um óbvio contraste entre um passado tranquilo e feliz e um presente sombrio. Brubaker diz que este livro é capaz de ser a melhor coisa que ele já fez e não sou eu que o vai desmentir!

3- Dog Mendonça na Dark Horse, de Filipe Melo e juan Cavia, Dark Horse Presents nºs 4 a 7

A estreia de Dog Mendonça no mercado americano deu-se com estas quatro histórias de 8 páginas publicadas na revista Dark Horse Presents com o intuito de apresentar o lobisomem português aos leitores americanos, antes da Dark Horse lançar o primeiro álbum da série. Na realidade, estamos perante uma história em 3 partes, que relata a origem de Dog Mendonça e que termina precisamente onde começa o primeiro livro, e uma 2ª história solta,com os nossos heróis num Festival de BD. Para além do humor e das referências cinematográficas que são habituais na série, estes episódios introduzem uma nova dimensão metalinguística, ao colocar os personagens a falar directamente com os leitores, perfeitamente conscientes de que estão nas páginas da revista. Também em termos gráficos, é evidente o progresso de Juan Cavia, com as cores de Santiago Villa a serem reproduzidas, pela primeira vez, na perfeição. Um óbvio passo em frente para a mais popular BD portuguesa dos últimos anos.

4 - Dylan Dog: La Pequeña Muerte, de Sclavi, Ruju e Roi, Aleta ediciones

Desde que a Mythos deixou de publicar a série Dylan Dog, tenho tido grandes dificuldades em manter o contacto com o peculiar detective criado por Tiziano Sclavi. Até que descobri as edições espanholas da Aleta Ediciones, impressas no formato original e com um papel bastante superior ao usado pela Mythos. Entre as mais de 20 aventuras de Dylan Dog que li em 2011, La Pequeña Muerte, história desenvolvida por Pasquale Ruju a partir de uma ideia de Tiziano Sclavi, foi um dos melhores. O facto da história ser desenhada por Corrado Roi, o meu desenhador favorito de Dylan Dog e um grande desenhador em qualquer parte do mundo, como se pode ver por aqui, claro que também ajudou à escolha...

5 - Habibi, de Craig Thompson, Pantheon

Sete anos depois de Blankets, o tão aguardado novo livro de Craig Thompson aí está. E graficamente, não há qualquer dúvida que valeu a espera, com o magnífico traço de Thompson cada vez mais apurado e com um excelente uso das potencialidades decorativas da caligrafia árabe. Obra monumental e de grande ambição, Habibi acaba por ser um pouco vítima desse excesso de ambição, pois a necessidade de abordar tantos temas (a escravatura, a ecologia, o amor, a religião, etc) acaba por perturbar um pouco o fluir da narrativa. O que não impede que Habibi seja um livro belíssimo e uma leitura altamente recomendável!

Continua...

Palavras para quê?: Os Emigrantes, de Shaun Tan

2012-01-08T23:40:00.000Z

Apesar da crise, 2011 foi um bom ano no que se refere à edição em português de obras fundamentais que permaneciam inéditas no nosso país há demasiado tempo. Para além de “Blankets”, de Craig Thompson, que será brevemente objecto de análise neste espaço, foi também lançado “The Arrival”, o mais emblemático trabalho de Shaun Tan, editado em Portugal pela Kalandraka, com o título “Emigrantes”.
Editado originalmente em 2006 e vencedor do Prémio da Melhor Banda Desenhada no Festival de Angoulême de 2007, “Emigrantes” é uma obra difícil de classificar, uma história sem palavras, na fronteira entre a Banda Desenhada e o livro ilustrado, supostamente dirigido a um público infantil, mas que possui vários níveis de leitura e é uma fabulosa metáfora sobre o drama de quem tem de deixar a sua terra para procurar uma vida melhor noutro lugar, com uma língua e uma cultura diferentes. No fundo, um cenário que nestes tempos difíceis se depara a muitos (demasiados) portugueses…

Inspirando-se na própria experiência do seu pai, que emigrou da Malásia para a Austrália, misturando-a com histórias e imagens dos emigrantes europeus que chegaram aos Estados Unidos para fugir à fome e à guerra, na primeira metade do século XX, Tan constrói uma belíssima fábula, onde as palavras são supérfluas e a comunicação se faz através do desenho, com os desenhos que o anónimo protagonista desta história utiliza para comunicar com os habitantes do país para onde emigrou, a funcionarem como espelho da comunicação de Shaun Tan com os leitores.

Apesar dos elementos fantásticos, tanto arquitectónicos, como animais, e uso de símbolos que não correspondem a nenhuma linguagem conhecida, é fácil para o leitor estabelecer uma ligação com a realidade concreta dos judeus fugidos ao nazismo em finais dos anos 30, ou dos emigrantes irlandeses e italianos que chegavam a Nova Iorque de barco, tendo a Estátua da Liberdade (aqui substituída por duas estátuas que se cumprimentam) a recebê-los. O tom sépia usado nos (fabulosos) desenhos de Shaun Tan, que remete para as fotografias amarelecidas pelo tempo, também contribui para essa identificação.

Além de ser um livro belíssimo, maravilhosamente desenhado a grafite, “Emigrantes” é também um belo exemplo de como é possível contar uma história complexa sem palavras. Veja-se a imagem que escolhi para ilustrar este texto, em que o emigrante ao abrir a mala, vê não as roupas que lá estão, mas a família que deixou para traz. Em termos narrativos, Shaun Tan também dá cartas alternando imagens espectaculares de dupla página, ou página inteira, com pequenos quadrados cheios de pormenores, criando diferentes ritmos de leitura.

Lido “Emigrantes”, há que descobrir outros trabalhos de Tan, também editados em Portugal, como “A Árvore Vermelha” (também pela Kalandraka) ou “Contos dos Suburbios”, editado pela Contraponto, com a capa invertida em relação à edição original, sem que se perceba muito bem porquê…
Agora, só falta editar em português o fabuloso “Lost Thing”, cuja adaptação cinematográfica valeu a Shaun Tan o Óscar de Hollywood para a melhor curta de animação em 2011.
(“Emigrantes”, de Shaun Tan, Kalandraka,136 pags, 22 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 7/01/2012

Vítor Péon, o Desenhador Incansável

2012-01-06T00:05:00.001Z

Se os nomes de E.T. Coelho e de Fernando Bento funcionam quase como símbolos das revistas Mosquito e Diabrete, em cujas páginas deixaram o grosso da sua produção, a carreira de Vitor Péon caracteriza-se pela ubiquidade. Nascido em Angola em 1923, Péon foi um dos mais versáteis e indiscutivelmente o mais produtivo autor de BD que este país conheceu, espalhando o seu talento por milhares de histórias feitas ao longo de uma carreira que durou mais de 40 anos, repartida entre a Inglaterra, França e Portugal, de onde partiu e aonde acabou por regressar.
Tendo descoberto a BD aos 13 anos através da revista O Mosquito, seria nas suas páginas que Vitor Péon, que trabalhava na aplicação de cor nas chapas litográficas, se estrearia como autor de BD 6 anos depois, em 1943, com Falsa Acusação, um movimentado western em que o seu desenho acompanha um texto palavroso onde se detecta a mão de Raúl Correia.

Dois anos e algumas histórias como Flibusteiros e o O Neto de Cartouche depois, dar-se-ia um encontro que iria marcar toda a sua carreira. Roussado Pinto, um jovem de 18 anos que se estreava na edição de BD, funda o Pluto, uma revista semanal claramente inspirada no Mosquito, indo buscar o seu mais jovem desenhador. Péon aceita o desafio e sozinho desenha quase toda a revista, adequando o seu traço às características de cada história, dando a ideia de que de diferentes desenhadores se tratava. Do seu lápis saem as ilustrações para os contos de Orlando Marques, uma construção de armar com o pseudónimo de Thomas Deerfoot, para além de BDs dos mais variados géneros, dos westerns como Três Balas e Traidor em Fuga, ao polícial Roubo e Crime, histórias humorísticas (Fitas Sonoras, As Aventuras do Pluto, Felizardo, o Rei do Azar e Aventuras de Zé Nabo e Zé Bolota) e Dick, Terry e Tom no Reino Selvagem, um exemplo da aventura em estado puro, bem na linha do inglês Reg Perrot, em que Péon se mostra tão à vontade a desenhar os aviões como os animais selvagens e uma natureza enfurecida. Mas para além de todas estas séries em que as ilustrações eram acompanhadas por texto didascálico corrido (que no caso de Três Balas corria muito mais devagar do que os desenhos de Péon...), o desenhador faria ainda O Segredo do Oceano e Toyat o Rei dos Macacos, histórias que, para além de serem cópias descaradas de Flash Gordon e Tarzan, mostram que Péon também sabia usar os balões sem que isso afectasse o enorme dinamismo das suas pranchas.

Com o Pluto a ter de fechar as portas ao fim de 25 números, Péon, que nos últimos tempos da revista colaborava simultaneamente com o Diabrete, vai passar a trabalhar mais intensamente para a revista dirigida por Adolfo Simões Muller, publicando inúmeras histórias dos mais variados géneros em três anos de ritmo diabólico, capaz de fazer inveja a um Jack Kirby, o que não o impediu de colaborar também no Papagaio, novamente ao lado de Roussado Pinto, e ainda na Lusitas, revista da Mocidade Portuguesa destinada a um público feminino. Sendo obrigado a desenhar uma média de 40 páginas por mês para poder sustentar a família, Péon viu-se forçado a simplificar o seu estilo, conseguindo ainda assim níveis muito razoáveis de qualidade, bem reveladores do seu talento inato.

Mas seria com o seu regresso ao Mosquito em 1949 que teria lugar um dos pontos mais altos da sua imensa obra de BD. Violenta história de traição e vingança, A Casa da Azenha traduz uma ruptura com a temática habitual da BD portuguesa da época, insuflando-lhe um realismo e uma violência característicos dos romances políciais do outro lado do Atlântico. Na melhor tradição dos romances de Hammett, Chandler e Spillane, esta BD contém todas as características dos romances negros publicados nos "pulp magazines", incluindo gangsters sem escrúpulos, um empresário corrupto e uma "mulher fatal".
Em termos de desenho e planificação das imagens, são bem patentes as influências de Will Eisner e de Alex Raymond, sem que com isso o traço de Péon perca personalidade, dramatismo e eficácia, apesar de algumas falhas em termos de composição das vinhetas. E o desenhador chega mesmo a tentar uma incursão pelo campo do surrealismo, na fabulosa sequência do sonho, em que, como bem assinala A. Dias de Deus, os cenários de Dali para o filme Spellbound de Hitchcock e as capas de Candido Costa Pinto para a colecção Vampiro (onde foram publicados muitos dos romances policiais que Péon homenagea neste álbum) funcionaram como referência.

Mesmo um aspecto claramente datado, como o recurso a uma narração didascálica, em que o texto está separado da imagem, em vez do uso de balões para contar a história, acaba por resistir ao desgaste do tempo. Embora o texto de Raúl Correia que enche as vinhetas seja muitas vezes reduntante (como de resto era habitual no principal argumentista do Mosquito), limitando-se a descrever o que a imagem mostra, adequa-se perfeitamente aos cânones do romance policial "negro" que pretende homenagear, especialmente nos momentos em que é usado para nos transmitir os pensamentos de Ted Kirk, que narra a história na primeira pessoa.
Péon continuará no Mosquito produzindo excelentes trabalhos como o western A Vingança do Jaguar, ao mesmo tempo que se estreia na pintura expondo dois óleos no salão de Outono da Sociedade Nacional de Belas Artes. Em 1950, respondendo a mais um chamamento de Roussado Pinto, contratado pela Agência Portuguesa de Revistas para relançar o Mundo de Aventuras, vai passar a colaborar nessa revista contribuindo decisivamente para a sua fase de maior sucesso.

As páginas do Mundo de Aventuras enchem-se com as ilustrações e histórias de Vítor Péon, a maioria com argumento de Edgar Caygil (um dos vários pseudónimos de Roussado Pinto), abarcando todos os géneros de aventura, incluindo a BD de temática histórica. O traço maduro e dinâmico revelado nestas histórias, valorizado pelos enquadramentos judiciosamente escolhidos mostram um autor com um perfeito domínio da linguagem da Banda Desenhada. No Mundo de Aventuras, para além de heróis como Zama e Frank Savage nascerá o mais célebre personagem de Péon, o cowboy Tomahawk Tom, criado em colaboração com Roussado Pinto, que lhe permitia dar asas ao seu talento para desenhar cavalos, desenvolvido durante o serviço militar cumprido na cavalaria. Um dos pontos altos da colaboração da dupla na publicação da Agência Portuguesa de Revistas, é a história S.O.S. na Idade da Pedra de 1954, em que os próprios autores participam activamente da aventura, viajando no tempo para ajudarem um homem pré-histórico.

Quando em 1954 Roussado Pinto deixa o Mundo de Aventuras, para criar duas revistas de efémera duração; Titã e Flecha, Péon continua a seu lado, desenhando histórias e ilustrações para o Titã e ilustrações e uma construção de armar que ficaria incompleta, para o Flecha. Para a seguinte aventura editorial fracassada de Roussado Pinto, a revista Valente, Péon homenageará em 1956 o seu autor favorito, Reg Perrott, redesenhando um dos seus maiores êxitos, A Flecha de Ouro, publicada no Mosquito, em finais da década de 30. Apesar do empenho e do talento de Péon, que imita na perfeição os enquadramentos arrojados de Perrott, alternando plongées e contra plongées, esta nova versão não consegue atingir o esplendor e o rigor arquitectónico da história original de Perrott.
Como as imposições da censura às publicações juvenis reduzem praticamente a BD realista portuguesa às séries de temática histórica, restringindo drasticamente o campo de trabalho. Péon vê-se assim obrigado a seguir os conselhos de E.T. Coelho, então já a trabalhar em França, e tentar também ele a sua sorte no estrangeiro.
Depois de uma passagem por Dundee, fixa-se em Londres com a família, enquanto produz anonimamente histórias aos quadradinhos para as editoras D.C. Thompson e Fleetway e se começa a interessar seriamente pelo cinema de animação. As séries como Simon Crane e The Laughing Pirate só muito mais tarde seriam parcialmente conhecidas em Portugal, quando, a partir da década de 70, o Mundo de Aventuras reedita essas histórias antigas de Péon.

Durante a sua estadia em Inglaterra, apenas Nos Mares da China é publicado em Portugal, em 1962. Único álbum do Cavaleiro Andante feito por um autor português, esta aventura de temática histórica terá sido feita uns anos antes, quando Péon ainda se encontrava em Portugal, de acordo com A. J. Ferreira.
No regresso a Portugal em 1965, trocará temporariamente a BD pelo cinema de animação e pela pintura, com uma exposição individual na Sociedade Nacional de Belas Artes de grande sucesso crítico, como o demonstram as palavras de Almada Negreiros, que o aconselhou a nunca deixar de pintar.
Em 1968, surge a versão portuguesa da revista Tintin onde as suas histórias, que se incluem nos seus melhores trabalhos de sempre, são as únicas a quebrar a hegemonia franco-belga, mas como o trabalho não era suficiente e o cinema de animação não se revelava economicamente viável, volta a partir, agora para França onde se ocupará dos desenhos da série Yataca, um sub-Tarzan, na linha de Tayat e Zama, de que desenhará uma vintena de episódios.
Acabará por voltar definitivamente a Portugal em 1974 e à BD, ressuscitando para o efeito Tomahawk Tom, o seu mais célebre personagem num álbum inédito, prejudicado por um desenho apressado e por uma péssima cor que empastela completamente o seu traço inimitável. O fracasso comercial de O regresso de Tomahawk Tom compromete outros projectos de auto-edição, impossibilitando os leitores de conhecerem as anunciadas aventuras de Sax, o Flibusteiro e do reverendo Benedict Jr... Mas Péon, que entretanto se envolveu na política, apoiando a candidatura à presidência da República do Almirante Pinheiro de Azevedo, para a qual desenhou alguns cartazes, não desiste e editará em 1976 o Vitor Péon Magazine. Esta revista, onde o autor recuperaria uma série de histórias produzidas nos anos 50 para o Mundo de Aventuras, incluindo pelo menos um episódio de Tomahawk Tom que tinha ficado por publicar, só conseguirá resistir durante três números num mercado já pouco atreito à aventura clássica.

Em Agosto de 1979 voltará ao Mundo de Aventuras para ilustrar O Rei dos Lobos, uma história escrita por Jorge Magalhães que é um dos melhores trabalhos do desenhador, que livre da pressão dos prazos apertados, que sempre condicionaram a sua obra, provou ainda ser capaz de inovar e surpreender. Publicada em formato italiano o que permite a reprodução dos desenhos num tamanho bastante próximo do original, esta lenda viking mostra um desenhador extremamente detalhado e exímio na composição e no tratamento negro dos fundos que ajudam ao clima fantástico da história, do mesmo modo que o realismo com que trata as rudes feições dos personagens as torna reais e credíveis. Nesta última fase, o seu estilo ganha um barroquismo e um pormenor que o aproxima de Burne Hogarth, autor com quem sempre partilhou o dinamismo e agitação das figuras, sempre em permanente tensão.
Se o talento do artista era já abundantemente conhecido, a sua capacidade de reflectir e de transmitir os seus conhecimentos sobre a Banda Desenhada ficaram bem patentes em História da Banda Desenhada e A Banda Desenhada como Arte, dois livrinhos notáveis pela concisão, que não consegue esconder uma grande erudição e amor à BD, editados pelo F.A.O.J., e no curso sobre BD que dará em 1980 no I.A.D.E.

A partir daqui, com excepção de algumas capas para a revista Selecções do Mundo de Aventuras, a sua carreira virar-se-á definitivamente para a BD de temática histórica e para a investigação historiográfica, realizando uma série de trabalhos de grande qualidade. São dessa fase os álbuns Gesta Heróica e A Epopeia dos Descobrimentos Portugueses (livro ilustrado que daria origem a uma colecção de cromos), trabalhos em que o estilo tão característico da fase final de Péon está ao serviço de um argumento bem documentado, onde abundam os arcaismos de linguagem.
Em 1985, pouco depois de ter sido galardoado pelo Clube Português de Banda Desenhada, Péon é acometido por uma trombose que lhe rouba a voz e o movimento da mão direita, vendo-se assim obrigado a renunciar definitivamente à BD. Acabaria por falecer em 5 de Novembro de 1991, ainda a tempo de assistir à justíssima homenagem que lhe foi prestada pelo Clube Português de Banda Desenhada, em Dezembro de 1990 no 9º Festival de Banda Desenhada de Lisboa, onde faz a sua última aparição pública.

Texto originalmente escrito em 1997, para um projecto de um História da BD Portuguesa, coordenado pelo João Paulo Cotrim, que não chegou a bom porto.Publicado pela primeira vez no BD Jornal nº 28, de Outubro de 2011, com algumas pequenas correcções sugeridas pelo Jorge Magalhães, a quem agradeço a leitura atenta.

London Caling: O regresso do Menino Triste

2012-01-02T22:13:00.000Z

Depois de ter falhado os Festivais da Amadora de 2010 e 2011 por motivos vários, eis que chega finalmente às livrarias "Punk Redux", a tão aguardada aventura punk do Menino Triste
Alter-ego do seu criador, João Mascarenhas, o Menino Triste, apesar do nome e da própria imagem da personagem (num registo caricatural cada vez mais próximo do mangá na estilização), não é propriamente o herói de histórias dirigidas ao público infantil, mas antes o nosso guia para as memórias e reflexões de Mascarenhas. Depois de em “Os Livros” ter partilhado com os seus leitores as obras que o influenciaram, enquanto homem e enquanto artista, e ter-nos feito reflectir sobre os mecanismos da criação artística, numa viagem simbólica entre Coimbra e Veneza., no álbum "A Essência", Mascarenhas transporta-nos agora até à cidade de Londres nos meados dos anos 70, em pleno despertar da revolução Punk, adaptando para o universo do Menino Triste as memórias de um Verão que o autor passou em Londres, em 1976.

Uma Londres onde os caminhos do Menino Triste (ou Sad Boy, como lhe chamam os seus amigos ingleses) se cruzam com ícones da música e da cultura Punk, como Sid Vicious, Malcon McLaren, Siouxsie Sioux, Vivienne Westwood, ou Soo Catwoman, que assina o prefácio do livro.
A capa do livro, cujas cores e grafismo remetem para "Never Mind the Bollocks", o mítico primeiro disco dos Sex Pistols, dá um ponto de partida perfeito para esta verdadeira viagem no tempo. Um tempo em que se acreditava que era possível mudar o mundo através da música e em que saber cantar ou tocar um instrumento estava longe de ser condição indispensável, ou até necessária, para se formar uma banda.

Conforme refere a editora na nota de imprensa: “O punk foi muito mais do que os clichês dos cabelos em crista, das pulseiras de picos e da obscenidade. Há uma essência criadora e uma energia vital que foram esquecidas e que este livro tenta recuperar: o seu grito inconformista, a sua luta contra o convencional, a ousadia de afirmar...” Grito de revolta de uma geração que contestava os valores tradicionais da sociedade britânica, o Punk estava de longe de ser um movimento homogéneo, como o prova a discussão entre Malcom McLaren e Soo Catwoman, na loja “Sex” da Vivienne Westwood. Uma discusão provavelmente inventada, mas que sintetiza bem o carácter transversal do movimento Punk.
Misturando cenas que viveu, com outras que assistiu ou lhe contaram, Mascarenhas constrói uma ficção autobiográfica muito bem documentada do que foi o movimento punk e do impacto que bandas como os Sex Pistols, ou os Clash tiveram na juventude da época. Colocando o grafismo ao serviço da história, o registo mais “Linha clara” dos livros anteriores, dá aqui lugar a um profuso uso de tramas (em mais uma aproximação ao mangá) para criar efeitos de sombra, e a própria disposição dos quadrados na página não podia ser mais punk, com vinhetas coladas com fita-cola, ou presas por alfinetes, numa bem conseguida tradução visual do espírito “do it yourself” que caracterizou o Punk.

Regressado a Portugal depois destas férias inesquecíveis, o Menino Triste deparou-se com a realidade bem diferente do Portugal pós-25 de Abril. Mas, apesar em vez de cristas e pulseiras de picos, haver cabelos compridos e barba, a música também era importante. Não por acaso, numa das últimas imagens do livro vemos o Menino Triste defronte de uma parede onde estão um grafitti do Zeca Afonso e um cartaz do FMI, do José Mário Branco. Uma boa maneira de Mascarenhas nos lembrar que, também neste país de brandos costumes, a cantiga é uma arma.
(“O Menino Triste: Punk Redux”, de João Mascarenhas, Qual Albatroz, 48 pags, 10 €.
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 30/12/2011

Recordando José Abel (1948-1992?)

2011-12-29T02:33:00.004Z

Nome maior do cinema de animação nacional, com uma carreira construída em França e nos Estados Unidos, onde trabalhou em filmes como Les Maitres du Temps, Poltergueist e Heavy Metal José Abel, falecido provavelmente em 1992, foi também autor de Banda Desenhada. Um facto ignorado pela maioria do historiadores de BD nacionais, sendo praticamente inexistentes as referências ao seu trabalho no campo da Banda Desenhada, por oposição ao seu trabalho na animação, consagrado no prémio José Abel atribuído anualmente pelo Cinanima, ao melhor filme internacional a concurso naquele Festival de cinema de animação.

O facto de José Abel ter feito toda a sua carreira longe de Portugal, desde a licenciatura em La Cambre, a célebre escola de cinema de animação em Bruxelas, e de os trabalhos de BD que Abel fez para a editora Humanoides Associés nunca terem sido reeditados, ajuda a perceber esses esquecimento, mas a qualidade do trabalho de José Abel, justifica plenamente que aqui o recorde. Um trabalho que se resume a dois álbuns e uma história curta, publicados entre 1984 e 1992, pela editora Humanoides Associés.
Os dois álbuns constituem os dois únicos volumes de uma série, Aux Mains des Soviets, escrita por Frederic Charpier e ilustrada por José Abel, que leva dois aventureiros europeus, Brian e Alves (este último presumivelmente português, a avaliar pelo apelido...) numa arriscada viagem pela Rússia dos Sovietes, em busca de uma expedição perdida.

O ambiente da série lembra um pouco o Corto Maltese na Sibéria, de Hugo Pratt (e o próprio Alves tem alguma parecenças com Corto, embora use as patilhas mais curtas) mas o tom geral é bastante mais folhetinesco e delirante do que o livro de Pratt. Há sociedades secretas, militares sanguinários, mulhers fatais, um corcunda saído não se sabe de onde e que funciona como "comic relief", muita acção, um toque de fantástico, outro de humor, mas a história acaba por não avançar muito ao longo dos dois álbuns e o pretexto inicial, a extraordinária descoberta feita pela expedição liderada por Leon Maximov, desaparecida na Ásia Central, cujo resgate funcionaria como Mcguffin da história, rapidamente é esquecida... Mas mais do que o argumento de Charpier, o que nos interessa aqui é o desenho de José Abel. Um desenho minucioso, usando uma técnica de "achures" que lembra Moebius e com uma atenção ao pormenor verdadeiramente obsessiva, não deixando um um único espaço por desenhar.

Com um traço de grande expressividade, tão à vontade no registo realista como no caricatural, Abel tem também uma óptima noção do movimento, dando um grande dinamismo a toda a acção.
Embora as cores não sejam más, especialmente no segundo álbum, La Conspiration de l'Etoile Blanche, colorido por Nadine Voillat, numa paleta que lembra o Bilal de álbuns como As Falanges da Ordem Negra, ou A Caçada, o trabalho de José Abel merecia uma edição a preto e branco em grande formato, de modo a podermos apreciar devidamente a inacreditável quantidade de detalhe que o desenhador português punha em cada prancha.

É interesante também ver a forma como Abel concilia momentos de puro delírio visual, típicos da animação, com uma cuidada pesquisa visual, de que é exemplo a reprodução rigorosa de dois cartazes da época, conforme podemos ver aqui:

ou no cabeçalho do 4º Capítulo de La Conspiration de L'Etoile Blanche, cuja estética remete para as ilustrações infantis de Ivan Bilibin, um fabuloso ilustrador russo da época.

Infelizmente, a forma como a editora tratou a série, editando o segundo volume 5 anos depois do primeiro, noutra colecção, com um design diferente, sem se dar ao trabalho de reeditar o primeiro volume, fez com que a série não passasse do segundo volume. Em Portugal, apenas o primeiro volume foi publicado, em 1985, no Jornal da BD, com uma impressão e um papel que não faziam minimamente justiça ao fabuloso trabalho de Abel.

Posteriormente, em 1992, voltamos a encontrar o desenhador José Abel no álbum colectivo Transports Fripons, ilustrando Une Nuit au Cirque uma história curta, com argumento de Seudebias, num estilo mais solto, em que o pontilhado a tinta da china dá lugar à cor directa, num registo próximo do usado no seu último trabalho de animação para o filme Opera Imaginaire. Essa história foi a sua última incursão pela BD e um dos seus últimos trabalhos pois o filme Opera Imaginaire, de 1993, é-lhe dedicado, o que significado que o realizador português faleceu ainda antes de ele estrear.
Curiosamente, a sequência realizada por Abel, a partir de um ária da ópera Tosca, de Pucini, que podem ver abaixo, tem o anjo da morte como um dos personagens, em mais um exemplo como, por vezes, a vida imita a Arte...

Feliz Natal... com os bonecos de neve do Calvin!

2011-12-23T00:37:00.001Z

Lembram-se dos fabulosos bonecos de neve que o Calvin fazia? Pois alguém se lembrou de recuperar esse aspecto em particular da genial criação de Bill Waterson e fazer este divertido vídeo, muito apropriado à época natalícia. Aqui fica ele, com os meus votos de Feliz Natalpara os visitantes deste blog!

O regresso de The Walking Dead

2011-12-18T21:52:00.001Z

Um ano depois da publicação do primeiro volume, eis que a Devir lança finalmente o 2º volume de “The Walking Dead”, a popular série de zombies de Robert Kirkman, que está conhecer na TV o mesmo sucesso que tem na BD. Não por acaso, o lançamento deste segundo volume coincidiu com a estreia da segunda temporada da série de TV, actualmente em exibição no canal Fox da TV por cabo, tentando aproveitar o impacto que a série de televisão teve no alargar do público da BD, um pouco por todo o lado onde a série passou.

O protagonista principal desta série de zombies diferente das outras é Rick Grimes, um polícia de uma cidadezinha do Kentucky que, depois de ter sido baleado, entra em coma, despertando algum tempo depois numa cama de hospital, para descobrir que foi abandonado à sua sorte, num hospital pejado de zombies famintos. O ponto de vista do leitor é o mesmo de Rick, que nunca chega a saber o que motivou o aparecimento dos zombies, ou até que ponto se trata de um problema que afecta apenas os Estados Unidos, ou se estamos perante uma pandemia a nível mundial.

A dinâmica do grupo de sobreviventes que Rick acaba por liderar, e a forma como a personalidade dos seus membros vai evoluindo face a uma realidade hostil e dramática, acaba por ser o fulcro da série, que pega num grupo de pessoas normais sujeitas a circunstâncias excepcionais e analisa as suas reacções num mundo em que confortos como a televisão, telemóveis, ou Internet são apenas recordações. Apesar da constante presença ameaçadora dos zombies, que provocam várias baixas no grupo, a que se vão juntando novas personagens que vão encontrando pelo caminho, a maior ameaça acaba sempre por vir do próprio homem, disposto a tudo para sobreviver e liberto de quaisquer restrições legais e morais.
Neste segundo volume, o grupo de sobreviventes parece encontrar um abrigo seguro na quinta de Hersel Greene, um veterinário de província, mas mais uma vez as coisas não correm como o previsto e o que parecia poder ser um porto seguro, acaba por se revelar o palco de conflitos que vão pôr em causa a estabilidade do grupo. Para quem segue a série de televisão, não deixa de ser curioso ver a forma diferente como as coisas vão evoluindo em relação à Banda Desenhada, seja pela criação de novos personagens que não estão na BD original, seja pela decisão de manter Shane (que na BD morre no fim do primeiro volume) vivo na série de televisão, com as alterações que isso provoca na dinâmica do grupo.

Neste 2º volume, o desenho da série passa de Tony Moore para as mãos igualmente competentes de Charlie Adlard, que se ocupa do desenho da série desde então. Com um traço mais realista do que o de Moore, Adlard está igualmente à vontade a desenhar zombies, mas é mais talentoso do que Moore no tratamento das feições das personagens, transmitindo melhor as emoções.
Com 14 volumes já publicados nos EUA, a série prossegue com sucesso crescente. Esperemos que o mesmo suceda em Portugal, embora se apostasse num ritmo de publicação mais sustentado, de 2 a 3 volumes por ano, a Devir teria mais facilidade em manter os leitores presos a este série “viciante”.
(“The Walking Dead Volume 2: Um Longo Caminho”, de Robert Kirkman e Charlie Adlard, Devir, 136 pags, 14,99 €)
Versão integral do texto publicado no "Diário As Beiras" de 17/12/2011

G Floy: uma editora dinamarquesa em Portugal

2011-12-11T17:25:00.000Z

Para além de prosseguir com a edição nacional do Hellboy, de Mike Mignola, iniciada pela Devir, a editora dinamarquesa G Floy acaba de lançar nas livrarias portuguesas outra novidade assinada por nomes de prestigio dos comics americanos: a novela gráfica "Fel: Cidade Selvagem", que reúne o argumentista Warren Ellis com o desenhador Ben Templesmith, que os leitores portugueses conhecem da série "30 Dias de Noite".

Duas interessantes novidades que este espaço não podia deixar de assinalar, começando por "Fell", regresso do argumentista britânico ao drama com um toque de fantástico e de horror, depois da sua passagem pela série “Hellblazer”, da Vertigo. E se o detective Richard Fell tem alguns parecenças (até físicas) com John Constantine, o protagonista de “Hellblazer”, o horror nesta série nasce mais da exploração do lado sombrio da alma humana, numa cidade em total desagregação, do que dos elementos sobrenaturais. Quanto à arte do australiano Ben Templesmith, continua extremamente eficaz, graças a um trabalho de cor bastante conseguido, que disfarça bem as debilidades do seu desenho que, longe de ser o de um virtuoso, se adequa perfeitamente às necessidades de uma história cruel e sombria.

A edição da G Floy recolhe os 8 primeiros números da série “Fell”, publicados de forma algo irregular pela Image, entre 2005 e 2007, no que foi uma tentativa de produzir uma revista mais barata, por ter menos páginas de história do que o habitual (16 em vez das tradicionais 22), mas a agenda muito ocupada de Ellis e Templesmith fez com que a série entrasse num hiato, depois da publicação do nº 9, em 2008, embora Ellis tenha anunciado no seu blog, em Janeiro de 2011, que o nº 10 já estava escrito e entregue a Bem Templesmith. Esperemos que o regresso de “Fell” se concretize, pois esta é uma série muito bem feita, que vale a pena seguir.
O mesmo se pode dizer da série “Hellboy”, de que este “A Bruxa Troll…” é o sétimo volume editado em Portugal.

Recolhendo uma série de histórias curtas do demónio criado por Mike Mignola, este volume tem a particularidade de contar com Richard Corben e P. Craig Russel como desenhadores convidados. Se o traço estilizado de Mignola, com o seu peculiar uso das sombras como uma forma de criar ambiente, continua inimitável, os ilustradores convidados não se saem nada mal ao criarem a sua versão de Hellboy. Entre a corporalidade do Hellboy de Corben, numa história passada em África, à elegância do traço delicado de P. Craig Russel, num conto inédito que revisita as lendas de Praga, cabe ao leitor escolher a sua versão favorita.
O que é sempre de realçar é a presença de três desenhadores deste calibre no mesmo livro, algo que só a popularidade e carisma da personagem criada por Mignola, possibilitou.
(“Fell: Cidade Selvagem”, de Warren Ellis e Bentemplesmith, G Floy Studio, 150 pags, 15,99 €
"Hellboy: A Bruxa Troll e outros contos", de Mignola, Corben e Russel. G Floy Studio, 136 pags, 15,99 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 10/12/2011

Jerry Robinson - 1922 - 2011

2011-12-09T10:58:00.003Z

Jerry Robinson, o criador do Joker, o mais carismáticos dos inimigos de Batman, faleceu na passada quarta-feira, 6 de Dezembro, aos 89 anos de idade. Para além de, desaparecidos Jack Kirby, Bob Kane e Will Eisner, ser um dos últimos representantes ainda vivos da época de ouro dos comics americanos, Robinson foi um estudioso da Banda Desenhada, tendo publicado em 1971 o livro Comics, uma excelente história da Banda Desenhada americana, reeditada este ano pela Dark Horse, numa edição revista e actualizada, e organizado inúmeras exposições de, e sobre, Banda Desenhada, nos EUA e no resto do mundo, incluíndo em Portugal, onde foi, com João P. Boléo, comissário da Exposição dedicada aos Super-Heróis, patente na edição do Festival da Amadora de 2000.
Mas já antes disso, em 1996 e também em 1992, Robinson tinha passado pelo Festival da Amadora, com uma exposição individual sobre o seu trabalho na série "Batman". Foi nessa primeira ocasião que o entrevistei, com o João Ramalho Santos, para o programa Balada do Mar Salgado, da Rádio Universidade de Coimbra e recordo um indivíduo de grande simpatia e inteligência e excelente conversador.

Robinson, que foi também professor na School of Visual Arts, de Nova Iorque, tal como Will Eisner, foi dos primeiros criadores a ter noção da importância dos originais de Banda Desenhada, como documento histórico e objecto artístico, o que lhe permitiu salvar a maioria das pranchas e capas que desenhou, numa altura em que as gráficas destruiam os originais depois de imprimirem os livros, entre as quais a famosa a primeira capa da revista Detective Comics com a primeira aparição do Joker, leiloada o ano passado.
Presidente do sindicato dos cartoonistas americanos durante algum tempo, Robinson bateu-se sempre pelos direitos dos criadores, tendo sido um dos responsáveis pela pensão que a DC Comics atribuiu a Jerry Siegel e Joe Shuster, aquando da estreia do primeiro filme de Superman.
* Agradecimentos ao Pedro Mota, pelas correcções

Os ratos Guerreiros: de Mouse Guard a Mice Templar

2011-12-04T23:10:00.000Z

Dos patos da Disney às Tartarugas Ninja de Eastman e Laird, passando por um clássico como La Bête est Morte, de Calvo, que quase 50 anos antes do Maus, de Art Spiegelman, descreve os acontecimentos da II Guerra Mundial, usando animais antropomorfizados em vez de humanos, até Usagi Yojimbo, o coelho samurai de Stan Sakai e os romances e as BDs protagonizadas por Gerónimo Stilton, não faltam exemplos de histórias de Banda Desenhada protagonizadas por animais antropomorfizados, que em alguns casos, podiam sem grandes alterações ter personagens humanas como heróis. É o caso de The Mice Templar, de Bryan J. L. Glass e Michael Avon Oeming e de Mouse Guard, de David Petersen, duas séries recentes de fantasia medieval, que têm a particularidade de serem protagonizadas por pequenos ratos hábeis com a espada.

Apesar de as duas séries terem chegado às livrarias americanas quase ao mesmo tempo (Mouse Guard em 2006 e The Mice Templar em 2007), isso não passou de uma coincidência, pois Michael Avon Oeming publicou a primeira história dos ratos templários no seu blog em 1997, para só voltar ao projecto em 2003, já com Glass como co-argumentista, enquanto que Petersen começou a trabalhar a ideia durante o liceu, influenciado pelo filme Robin Hood da Disney e pelo universo do jogo Dungeons and Dragons, para voltar a pegar nela já nos seus tempos na universidade, desta vez numa perspectiva "mais próxima das fábulas de Esopo, em que os animais são mesmo animais”.

De qualquer modo nenhum dos autores acusa o outro de lhe ter roubado a ideia. Ideia essa que, como vimos, não é propriamente original e que Bill Willingham (o criador da série Fables, onde, curiosamente, há uma Mouse Police...) no prefácio ao 1º volume de The Mice Templar, remonta a Reepicheep, o ratinho espadachim das Crónicas de Nárnia, de C. S. Lewis. E a comprovar a boa relação de Oeming e Glass, com Petersen, está o projecto de uma cross-over entre Mouse Guard e The Mice Templar, em que participaria também a Mouse Police, de Willingham, numa história curta destinada a ser publicada em alguma iniciativa de apoio à indústria dos comics e aos direitos dos seus criadores.

Mas vejamos um pouco melhor estas duas histórias, tão semelhantes na sua premissa inicial, mas bem diferentes na forma como a desenvolvem, começando pela Mouse Guard, de David Petersen.
Projecto independente, escrito, desenhado e editado pelo próprio David Petersen e distribuído pela Editora Archaia, The Mouse Guard foi inicialmente publicado no formato de mini-séries, antes de cada história ser recolhida em livro. Optando por um pouco convencional formato quadrado, a série não teve dificuldade em sobressair no meio das centenas de comics publicados mensalmente, pois o seu formato diferente trouxe-lhe uma maior visibilidade. Como explica Petersen: “como a maioria das lojas especializadas têm prateleiras e divisórias com formatos fixos, onde a minha revista não cabia, acabaram por a colocar no balcão, ao lado da caixa registadora, ou em mostruários, e isso funcionou muito bem em termos comerciais.(…) “O primeiro número foi lançado a uma quarta-feira, dois dias antes da 1ª New York Comic Con (um dos maiores Festivais de BD americanos, a par com San Diego) e tive vários lojistas que foram ter comigo ao meu stand durante a convenção, para buscar mais comics, pois em dois dias tinham esgotado duzentos e cinquenta exemplares da minha revista. Foi aí que percebi que The Mouse Guard ia ser um sucesso!”

A série relata as aventuras da Mouse Guard, uma ordem militar criada para proteger os ratos durante as viagens entre as diversas cidades escondidas, quando têm que atravessar zonas onde ficam muito mais expostos ao predadores naturais, como corujas, cobras, ou doninhas.
Ou seja, apesar do contexto de fantasia medieval, com ratos guerreiros, cidades escondidas e templos subterrâneos, há uma grande preocupação naturalista na forma como os ratos e os seus inimigos são representados e se movimentam, com Petersen a desenhar a partir de fotografias de animais, ou utilizando animais mortos como referência, como na cena do primeiro livro em que os ratos são atacados por caranguejos à beira-mar, desenhada a partir dos caranguejos que Petersen comprou no mercado.

Depois das duas primeiras mini-séries, Fall 1152 e Winter 1152, a terceira série, The Black Axe, actualmente em publicação, é uma prequela que conta a história de Celanawe e de como ele descobriu o machado negro, uma arma mítica cujo poder os leitores descobriram na segunda série. Pelo meio, ainda houve espaço para Legends of the Guard, uma antologia em que diversos autores, entre os quais o português João Lemos (como já vimos na última Bang!) prestam a sua homenagem aos ratos de Petersen, escrevendo e desenhando uma história passada naquele universo. O ponto de partida de Legends of the Guard, é o mesmo dos Canterbury Tales, ou de World’s End, um arco de histórias do Sandman de Neil Gaiman, com uma série de personagens reunidas numa estalagem, que contam histórias para passar o tempo, encarregando-se Petersen das páginas de ligação entre as várias histórias desta antologia, premiada na última San Diego Comic Convention, com o Eisner (o mais prestigiado prémio da indústria dos comics, uma espécie de Óscar da BD) para a melhor antologia, elevando para três o número de Eisners ganhos pela série.

Mas o sucesso da Mouse Guard não se ficou só pela Banda Desenhada, pois a série deu origem a um premiado jogo de Role Play, criado por Petersen e pelo designer de jogos Luke Crane, que desenvolve o universo da série. Série essa que poderá chegar também ao cinema, pois não faltam estúdios e realizadores interessados nisso.
Se Mouse Guard deu a conhecer David Petersen aos leitores, já Michael Avon Oeming não precisou da série The Mice Templar para isso. Desenhador da popular série Powers, escrita por Brian Michael Bendis, Oeming não é estranho ao género da fantasia, pois foi o argumentista dos primeiros números da nova versão de Red Sonja, a guerreira criada por Robert E. Howard na série Conan. E o mundo em que se movem os ratos templários de Oeming está bem mais próximo do universo de Howard, ou de Tolkien, do que do de Petersen.

Se Mouse Guard é uma obra coral, com o protagonismo a ser dividido por meia dúzia de ratos guerreiros, The Mice Templar tem um herói bem definido, o jovem Karic, cujo percurso iniciático acompanhamos ao longo da série, desde que um exército de ratazanas ataca a sua aldeia, matando ou fazendo prisioneiros os seus familiares. O título do primeiro volume, The Prophecy deixa logo perceber que Karic, apesar da sua aparente fraqueza, é o escolhido pelo Deus Wotan para restaurar a antiga glória da Ordem dos Ratos Templários, que dissenções internas tinham levado à decadência.

Prevista para quatro volumes, a série viu no segundo volume Michael Avon Oeming ceder o lugar ao espanhol Victor Santos como desenhador principal, de modo a conseguir manter um ritmo de publicação regular, algo que não tinha sido conseguido na primeira série, devido aos muitos afazeres de Oeming. Conhecido nos EUA graças à sua colaboração com Brian Azzarello (100 Bullets) em Filthy Rich, uma novela gráfica que inaugurou a colecção Vertigo Crime, Santos não é estranho ao universo da fantasia, tendo criado uma série muito popular em Espanha, Los Reyes Elfos (cujo primeiro volume foi publicado em Portugal pela Polvo) que se move nas mesmas águas. Curiosamente, por estar ocupado a desenhar The Mice Templar, Santos viu-se obrigado a convidar outros desenhadores espanhóis, como Vicente Cinfuentes, para desenhar Los Reyes Elfos…

Passada num universo de fantasia, onde há deuses, demónios e até um gato zombie, The Mice Templar tem uma carga de fantástico que não existe em The Mouse Guard, do mesmo modo que os diálogos e a narração têm um peso muito maior na série de Oeming e Glass do que na de Petersen, em que os diálogos são bastante mais sucintos e não existe um narrador. Do mesmo modo, enquanto a condição de ratos é inerente ao comportamento das personagens da Mouse Guard, já a história de The Mice Templar podia perfeitamente ser contada com recurso a humanos, ou a outros animais, em vez dos ratos estilizados de grandes orelhas, criados por Oeming.
Entre a sangrenta fantasia clássica protagonizada por ratos, de Oeming, Glass e Santos, ou a fábula para todas as idades criada por Petersen, cabe ao leitor escolher qual a que prefere, sabendo que em ambas vai encontrar ratos guerreiros e uma leitura agradável.
Texto originalmente publicado no nº 11 da revista Bang!, de Outubro de 2011

Dog Mendonça: capa da edição americana e novo trailler - ACTUALIZADO

2011-11-29T22:30:00.002Z

Julgo que não será grande novidade que o 1º volume das aventuras de Dog Mendonça, de Filipe Melo e Juan Cavia vai ser editado nos EUA pela Dark horse em 2012. O que é novidade é a capa da edição americana, que vai ser lançada em 23 de Maio de 2012. A capa, que vai ser usada também na edição brasileira da Devir, a editar em Setembro de 2012, começou a ser pensada em minha casa, depois das sessões de autógrafos que Filipe Melo, Juan Cavia e Santiago Villa deram em Coimbra no dia 9 de Novembro, pelo que é com especial prazer que aqui divulgo a versão final.
Também já está on-line o trailler que João Alves, o premiado realizador de Bats on the Bellfry, criou para o 2º volume da série e que conta com Nicolau Breyner (que esteve para fazer de Dog Mendonça quando Filipe Melo ainda pensava contar a história em filme) a dar finalmente a voz a Dog Mendonça, num divertido vídeo, que deve ser visto até ao fim (a não ser que se goste de tunas..)

As Cidades de Ricardo Cabral

2011-11-27T18:33:00.000Z

Depois de “Israel Sketchbook” e “Newborn: Dez Dias no Kosovo” o desenhador viajante Ricardo Cabral regressa às suas histórias de viagens, desta vez com uma recolha de cinco histórias curtas, desenhadas entre Janeiro de 2009 e Janeiro de 2011, tendo diversas cidades como cenário e protagonistas.
São cinco histórias soltas, duas inéditas e três outras feitas originalmente para diferentes locais, mas que resultam num todo orgânico e coerente, que funciona como uma evolução natural dos anteriores livros de viagens de Ricardo Cabral. Ou seja, o método de recolha de imagens e de trabalho é o mesmo, com o autor a fazer o desenho inicial no local, complementado com fotografia, que permite captar pormenores, como as cores, que o esboço inicial não regista e que servem de base ao posterior trabalho de cor digital.

Nesse aspecto, histórias como “5 Jours” e “Barcelona, Kosovo, Barcelona” funcionam como um pouco como making off dos anteriores livros de Ricardo Cabral, que tal como já tinha feito em “Newborn” decompõe as várias fases do seu método de trabalho, com imagens em que o desenho se mistura ostensivamente com a fotografia, ou outras em que apenas as personagens têm cor, deixando os cenários tal com os esboçou na altura no seu caderno Moleskin. Um caderno muito provavelmente semelhante aos acabados de lançar com um desenho seu do Porto de Barcelona, cuja imagem aparece reproduzida na página 74 do livro, e aqui reproduzo, numa óbvia auto-citação.

Num livro essencialmente realista, com uma forte carga autobiográfica, todo ele construído num registo de câmara subjectiva (o rosto do autor nunca aparece nos desenhos e o leitor vê apenas aquilo que o desenhador está ver e a desenhar), não deixa de ser curioso o toque fantástico dado pelas criaturas coloridas que parecem saídas de um filme de Miyazaki, como o elefante côr de rosa de Lodz, ou os deliciosos monstrinhos que invadem o Lisbon Studio durante a noite.

Para além de um livro muito bonito, que tem o mérito de reunir no mesmo sítio a produção dispersa de Ricardo Cabral, "Pontas Soltas – Cidades” é mais um importante passo no trajecto de um autor que, entre a Banda Desenhada e os cadernos de viagens, tem sabido construir uma obra singular e de grande qualidade.
(“Pontas Soltas – Cidades”, de Ricardo Cabral, Edições Asa, 92 pags, 17,95 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 26/11/2011

O Pequeno Deus Cego

2011-11-13T23:33:00.000Z

Embora nos últimos anos se tenha dedicado mais à literatura do que à Banda Desenhada, David Soares viu ainda assim serem lançados no último Festival da Amadora, dois novos livros de BD escritos por si: “É de Noite que Faço as Perguntas” e o “Pequeno Deus Cego”. Se o primeiro já foi objecto de análise neste espaço, é chegada a altura de falar de “O pequeno Deus Cego”, mais um pequeno conto de terror de Soares, que a Kingpin edita, tal como fez com “Mucha”.

A ilustrar esta fábula de terror oriental, escrita por David Soares, está Pedro Serpa, um jovem desenhador que depois de uma participação no álbum colectivo “Sete Histórias em Busca de uma Alternativa”, assina aqui o seu primeiro trabalho de grande fôlego, ilustrando e colorindo uma história de 44 páginas, ambientada numa China mais mítica do que real. E, tal como tinha feito com Daniel Silvestre Silva em “É de Noite…” mais uma vez Soares dá a descobrir um novo desenhador cheio de potencial.

O traço “linha clara” e as cores planas de Serpa, adequam-se estranhamente a esta história cruel, mas o mais interessante é a forma como a história está planificada, com a divisão habitual da página em nove vinhetas, tão cara a David Soares, a dar por vezes lugar a vinhetas panorâmicas, que permitem um outro destaque ao traço de Serpa e a imagens de página inteira e até dupla página, que pontuam momentos importantes da acção, como a primeira vez que vemos o rosto da pequena Sem-Olhos, ou a espectacular imagem de Wang, o Castrador na sua caverna.

Embora o panda, a imagem do dragão e as mutilações dos pés, remetam para a cultura chinesa, o clima desta história cheia de elementos fantásticos, mas onde a verdadeira incarnação do mal é a mãe do protagonista, recorda mais o terror japonês, tanto da BD de Junji Ito, como do cinema de Takashi Miike.
Não sendo do melhor que David Soares já fez em BD, “O Pequeno Deus Cego” é um muito bem conseguido exercício de estilo, que revela em Pedro Serpa um novo desenhador a seguir com atenção.
(“O Pequeno Deus Cego”, de David Soares e Pedro Serpa, Kingpin Books, 84 pags, 10,95€ )
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 12/11/2011

Dia 9, pelas 18h30m, eles vão estar na Dr Kartoon

2011-11-08T23:31:00.000Z

Tal como aconteceu com o lançamento do 1º volume, Filipe Melo, Juan Cavia e Santiago Villa regressam à Livraria Dr Kartoon para uma sessão de autógrafos e lançamento do 2º volume das Aventuras de dog Mendonça e Pizzaboy. Se estiverem por Coimbra, apareçam! Vai ser uma tarde bem passada.
No dia seguinte, às 11h da manhã, os autores de Dog Mendonça vão estar em Guimarães, na ESAP, para uma aula/conferência dirigida aos alunos da Licenciatura de Banda Desenhada e Ilustração, mas aberta ao público em geral, interessado em perceber como se faz BD.

O regresso de Dog Mendonça

2011-11-06T03:18:00.002Z

Lançado com estrondoso sucesso durante o Festival da Amadora, o 2º volume das aventuras de Dog Mendonça, prepara-se para conhecer o mesmo sucesso nas livrarias de todo o país. Orgulhoso representante de uma espécie rara na BD portuguesa, a dos heróis, o carismático detective/lobisomem criado por Filipe Melo, tem desta vez como missão evitar o fim do mundo, num percurso que o leva (e aos seus companheiros habituais) de Lisboa a Fátima, onde tem que enfrentar o anti-Cristo, com a ajuda de uma Bíblia infantil e de um demónio de seis mil anos, que finalmente mostra a sua verdadeira face.

Se a escala é muito mais épica do que no livro anterior, com pragas bíblicas, um monstro de sete cabeças na Rotunda do Marquês de Pombal, zombies e os quatro cavaleiros do apocalipse, a deixarem Portugal (ainda mais) de pantanas, o humor mantém-se em alta, ao serviço de uma história divertidíssima e que se lê de um fôlego. Se na primeira aventura, o destaque maior entre os secundários, ia para a gárgula (cujo verdadeiro nome é finalmente revelado) desta vez é Pazuzul a roubar o protagonismo, mesmo que ainda fique muito por contar sobre este demónio que se esconde no corpo de uma menina. Numa série que joga abertamente com o conhecimento do leitor da cultura pop, desta vez as referências ao cinema já não são tão dominantes, abrindo também espaço a homenagens ao mangá (o anti-Cristo e a sequência final em Fátima evocam o “Akira” de Katshuiro Otomo) e a piscadelas de olho a outros trabalhos de Filipe Melo, de I’ll See You in My Dreams” a “Um Mundo Catita”.

Em termos gráficos, são evidentes os progressos, tanto no traço de Juan Cavia, como nas cores de Santiago Villa, que assinam algumas páginas verdadeiramente espectacularese, a que a impressão do livro nem sempre faz justiça, com algumas páginas demasiado escuras e até, aparentemente desfocadas, o que é uma pena num trabalho com uma qualidade de produção altíssima.
Desde o Jim Del Mónaco de Louro e Simões, nos anos 80, que a BD portuguesa se tem caracterizado por ser uma BD de autor, o que tem dado origem a alguns trabalhos de grande qualidade, mas de impacto comercial bastante limitado. Por isso, são trabalhos como a muito bem conseguida homenagem de Filipe Melo e “sus muchachos” (os argentinos Juan Cavia e Santiago Villa) à BD e ao cinema de terror, que poderão levar o grande público a (re)descobrir a BD nacional. E este sucesso comercial evidente (o primeiro volume já esgotou 3 edições) não parece que vá ficar limitado a Portugal. Além de uma série de 4 histórias inéditas, que desvendam a origem de Dog Mendonça, feitas para a revista americana “Dark Horse Presents”, onde o trabalho de Filipe Melo e Juan Cavia surge ao lado de autores como Mike Mignola, Richard Corben, Neal Adams, ou Dave Gibbons, a preparar o caminho para a edição dos álbuns nos EUA, a Devir já adquiriu os direitos do 1º álbum para o mercado brasileiro.

Este sucesso comercial só é possível porque as pessoas sabem que a série existe, o que nem sempre acontece com muitas outras BDs de igual, ou até superior qualidade, mas que passam despercebidas nas livrarias. E isso deve-se a uma bem orquestrada campanha de divulgação, que engloba uma tournée pelo pais, que passa pela Livraria Dr Kartoon, no dia 9 de Novembro pelas 18h30m, mupis, um novo site e um trailler da BD em que Nicolau Breyner dá a voz a Dog Mendonça, tudo isto suportado pelo próprio Filipe Melo que, como a editora não tinha orçamento para este tipo de divulgação, em vez de se lamentar, decidiu ele próprio deitar mãos à obra, com o mesmo dinamismo e simpatia com que conseguiu convencer George Romero a assinar o prefácio do 2º volume.

Pelo entusiasmo contagiante que trouxe a este projecto de Banda Desenhada, para o qual conseguiu arrastar pessoas de diversas áreas e por ter provado que é possível fazer BD comercial de qualidade no nosso país, com sucesso, Filipe Melo foi, muito provavelmente, das melhores coisas que aconteceram à BD portuguesa nos últimos anos!
(“As extraordinárias Aventuras de Dog Mendonça e Pizzaboy II: Apocalipse”, de Filipe Melo e Juan Cavia, Tinta da China, 112 pags, 16,90 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 5/11/2011

Spielberg leva Tintin ao cinema

2011-10-30T23:01:00.000Z

Pouco menos de trinta anos após os primeiros contactos, eis que se concretiza o sonho de Hergé de ver o seu Tintin adaptado ao cinema por Steven Spielberg. Tudo começou em 1981, quando Spielberg intrigado com as referências a Tintin nas críticas francesas ao primeiro filme da série “Indiana Jones”, decidiu ler os álbuns de Hergé, nascendo logo aí a vontede de levar Tintin ao cinema. Os primeiros contactos entre Hergé e Spielberg remontam a finais de 1982, mas os dois criadores nunca se chegaram a encontrar pessoalmente, pois Hergé morreu em Março de 1983. Mesmo assim, Spielberg adquire os direitos de Tintin em 1984, para acabar por deixar cair o projecto, que só será retomado décadas depois, quando a evolução da tecnologia o permite.

Descartada a opção do filme com imagens reais, a opção recai na animação em stop motion, técnica usada por Robert Zemeckis, um dos colaboradores habituais de Spielberg, com resultados discutíveis, mas que graças ao filme “Avatar”, de James Cameron, evoluiu muitíssimo nos últimos anos. E, apesar da estranheza inicial de ver um tratamento hiperealista a figuras caricaturais e estilizadas (a aparente simplicidade da “linha clara” de Hergé) o resultado final é muito eficaz e convincente. Parafraseando o célebre slogan publicitário de Fernando Pessoa para a Coca Cola, “primeiro estranha-se, mas depois entranha-se”.
Para isso também contribuem as soluções encontradas para fazer a transição entre os dois registos gráficos, começando pelo excelente genérico do filme, que evoca todas as aventuras de Tintin, até à sequência inicial em que vemos Hergé a desenhar Tintin no seu estilo habitual.

Em termos de história, o filme segue o díptico “O segredo do Licorne”/”O Tesouro de Rackham, o Terrível”, juntando-lhe elementos de “O Caranguejo das Tenazes de Ouro”, para introduzir a personagem do Capitão Hadock, Claro que há algumas simplificações da história original, como a supressão do Professor Tournesol, que não aparece de todo no filme, para darem espaço a algumas cenas de acção originais, que oscilam entre o magnífico (toda a cena de perseguição de moto ao falcão, em Marrocos, digna dos melhores momentos de Indiana Jones) e algo ridículo (a luta de guindastes). Mas o combate entre o Cavaleiro de Hadoque e Rackham, o Terrível está absolutamente espectacular, como espectaculares estão as cenas no deserto.
Mesmo que por vezes, esteja mais próximo de “Indiana Jones” do que dos livros de Hergé, este filme é um exemplo perfeito da aventura em estado puro, com tudo para agradar tanto aos fãs de Spielberg como aos leitores de “Tintin”. Que venha depressa o segundo filme, dirigido por Peter Jackson, a partir de “As Sete Bolas de Cristal e “O Templo do Sol”!

Provando a forte aposta em Portugal, país onde a popularidade de Tintin é forte, o filme, para além das versões Digital e 3D, estreou em três dobragens diferentes: a versão original inglesa, uma dobragem em português e, para aqueles que, como eu, consideram que o Tintin deve falar em francês, como na BD original, uma versão dobrada em francês.
(“As Aventuras de Tintin: O secredo do Licorne”, de Steven Spielberg, com Jamie Bell e Daniel Craig, Universal, Columbia Pictures, 2011. Em exibição em Coimbra nos cinemas Zon /Lusomundo Dolce Vita e Fórum Coimbra)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 29/10/2011

Frank Miller regressa com Holly Terror

2011-10-26T00:49:00.000+01:00

Precisamente dez anos depois dos atentados ao World Trade Center de 11 de Setembro de 2001, chegou às livrarias americanas, "Holy Terror", uma novela gráfica de Frank Miller, em que o criador de "Sin City" aborda a problemática do terrorismo islâmico. Reacção visceral de um novaiorquino aos atentados que mutilaram a sua cidade, Holy Terror foi inicialmente pensada como uma história de Batman, mas que surge agora protagonizado por "The Fixer", um novo herói mascarado, cujas semelhanças com o Batman são mais do que mera coincidência...

Segundo declarou em várias entrevistas, Miller decidiu retirar Batman da história, pois a evolução da personagem levou-a a um tipo de comportamento de tal modo violento, que era difícil de encaixar na imagem de Batman, mas quanto a mim, a saída de Bob Schreck da DC Comics, também teve um papel importante e talvez até decisivo. Schreck, que foi editor de Frank Miller na Dark Horse, é um dos seus melhores amigos e foi ele, enquanto editor das revistas do Batman, o responsável pelo regresso de Miller às histórias de Batman, com os polémicos "Dark Knight Strikes Again" e "All Star Batman & Robin". O anúncio de que Holy Terror já não seria uma história de Batman, surgiu quando Bob Schreck já não estava na DC e, não por acaso, a história acaba por ser publicada, não pela Dark horse, editora habitual dos projectos mais autorais de Miller, mas sim pela Legendary Comics, que tem como editor-chefe, adivinharam, Bob Schreck. E "Holy Terror" é o título de estreia de uma nova editora, criada pela produtora cinematográfica que esteve ligada a vários filmes inspirados em BDs, como o "300" de Zack Snyder, a a partir da BD de Frank Miller, ou os Batmans de Cristopher Nolan.

Falando do livro, propriamente dito, Miller continua igual a si próprio e trata a questão do terrorismo islâmico com a subtileza de um elefante numa loja de porcelanas e aqueles que acharam que o Batman de "The Dark Knight Returns" era fascista, vão espumar com este "Holy Terror".
Graficamente, "Holy Terror" é um Batman em Sin City, publicado no mesmo formato italiano (na horizontal) de "300". Usando um preto e branco contrastado, com pequenos apontamentos de cor (as sapatilhas e os olhos de Cat Burgler, por exemplo) Miller alterna as páginas memoráveis, com outras mais "a despachar", mas não faltam imagens espectaculares e sequências muito bem conseguidas, como as cenas no meio da tempestade, ou as caras das vítimas dos atentados que vão gradualmente desaparecendo até dar lugar a páginas cheias de pequenos quadrados brancos.

Pensada como uma história de Batman (Cat Bulgral era obviamente a Catwoman, Dan Donegal era o Comissário Gordon, com cabelo preto e o Robinson Park faz parte da toponimia de Gotham City, aqui transformada em Empire City), parece-me que "Holy Terror" funcionaria melhor como uma história de Batman, do que como uma aventura deste novo herói que Miller nem se deu ao trabalho de desenvolver minmamente.
Embora "Holy Terror", com todos os seus defeitos, virtudes e desiquilibrios, não seja o regresso de Frank Miller aos seus tempos de glória, ainda assim não deixa de ser um prazer ver Miller fazer aquilo que faz melhor, escrever e desenhar Banda Desenhada. Sobretudo depois do verdadeiro desastre que foi a sua estreia a solo no cinema, como realizador de "The Spirit"...
Frank Miller's Holy Terror, Legendary Comics, 120 páginas a 2 cores, 29,95 €

Amadora BD 2011

2011-10-20T01:33:00.000+01:00

É já amanhã que abre o 22º Festival da Amadora, este ano dedicado ao humor. Podem ver a programação e outra informação na página do Festival no Facebook. Mesmo sem grandes nomes internacionais, o Amadora BD merece sempre uma visita. Apareçam! Eu estarei por lá aos fins-de-semana, na Livraria do Festival, gerida pela Dr. Kartoon

Bilal revisita Shakespeare

2011-10-18T00:00:00.001+01:00

Pouco mais de um ano depois de “Animal’Z”, Bilal regressa ao universo pós-apocaliptico do álbum anterior, com “Júlia & Roem”, uma revisitação futurista do “Romeu e Julieta”, de Shakespeare.
Tal como o próprio Bilal referiu numa entrevista, aquando da saída de “Animal’Z”, estes dois últimos álbuns representam uma ruptura com a sua obra anterior. “Uma ruptura narrativa -um one-shot, uma história num único álbum de perto de 100 páginas- mas também gráfica: preto e branco, em vez de pintura, o desenho em estado puro, realçado por ligeiros toques de cor, um traço mais rápido, mais enérgico.”

Ou seja, temos um Bilal longe do fantástico trabalho de cor a que nos habituou, optando por explorar o traço de forma livre, num trabalho executado a grafite e pastel seco, num registo quase monocromático, em que a principal nota de cor é dada pela tonalidade do papel, com o azul dominante de “Animal’Z”, a dar lugar desta vez aos tons castanhos, quebrados por pequenos apontamentos de branco, azul e de vermelho.
Tendo como cenário o mesmo mundo que viu as suas condições climatéricas dramaticamente alteradas pelo “Golpe de Sangue”, uma catástrofe natural que tornou a maior parte do planeta inabitável e a água potável um bem tão raro como precioso, os dois álbuns são igualmente afectados pelo excesso de referências literárias e de citações, neste caso pertencentes à peça de William Shakespeare, que Bilal já tinha tratado numa série de ilustrações soltas.

Mas Shakespeare não é o único a ser citado, pois “Júlia & Roem” está cheio de referências a outros trabalhos de Bilal, em especial no cinema, com o hotel abandonado onde decorre parte da acção, a remeter para “Bunker Palace Hotel, o seu primeiro filme, enquanto que o segundo capítulo abre com uma citação de “Bleu Sang”, o seu último filme.
Resumindo, à parte de um final feliz, e do padre que guia um ferrari electríco e tem tatuados os símbolos de todas as ideologias e religiões, esta adaptação/revisitação do clássico de Shakespeare não traz nada de novo, o mesmo acontecendo no plano gráfico, onde o registo minimalista já perdeu o efeito-surpresa. Um livro só para os incondicionais de Bilal, que não faz esquecer as suas colaborações com Pierre Christin, ou mesmo a “Trilogia Nikopol”.
(“Júlia & Roem”, de Enki Bilal, Edições Asa, 96 pags, 21,90 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As beiras de 15/10/2011

Quando a vida imita a Arte

2011-10-14T00:01:00.000+01:00

Embora o homem tenha mau feitio, conforme dá para perceber por aqui, confesso que sou um fã incondicional de Manu Larcenet. A sua série Le Combat Ordinaire é genial, La ligne de Front e os dois primeiros volumes de Blast são livros notáveis e séries como Bill Baroud e Nick Oumouk são muito divertidas.
Talvez por Larcenet ser apenas o desenhador, nunca dei muita atenção à série Le Retour à la Terre, escrita por Jean-Yves Ferri, o futuro argumentista de Astérix, mas quando a comecei a ler, percebi que tinha feito mal. Le Retour à la Terre é um caso muito curioso de BD semi-autobiográfica, pois com base nas experiências pessoais de Larcenet, que trocou a cidade pelo campo, Ferry constrói uma divertida série, feita de gags de meia página, sobre a adaptação de um citadino à vida no campo.
Recentemente, fiz obras em casa e instalei uma gateira na porta da cozinha que dá para a varanda. A forma pouco cooperante como os meus dois gatos receberam esta inovação tecnológica, recordou-me imediatamente estas tiras de Les Revolutions, o 5º volume de Le Retour à la Terre. Ora vejam:

Está quase a chegar!

2011-10-11T12:54:00.000+01:00

É já no dia 18 que estreia na Fox, também em Portugal, a segunda temporada da série The Walking Dead, só dois dias depois de estrear nos EUA, no canal por cabo AMC. Até lá, aqui fica um trailler, que tem como banda sonora um excelente tema do Johny Cash. Uma mistura perfeita!

A Republica revisitada

2011-10-08T22:30:00.000+01:00

Em termos de exposições, um dos pontos altos da edição de 2010 do Festival de Banda Desenhada da Amadora, foi a mostra dedicada ao livro “É de noite que faço as Perguntas”, projecto inserido nas comemorações do Centenário da República, em que David Soares coordena um grupo de cinco desenhadores, numa viagem plena de simbolismo pelos anos da primeira república. Precisamente um ano depois do inicialmente previsto, eis que o livro chega finalmente às livrarias, numa aposta corajosa (depois da overdose de edições sobre a República em 2010 e inícios de 2011, será que ainda há espaço nas livrarias para mais um livro sobre a República…) da Saída de Emergência, editora que assim se estreia finalmente na BD.

Embora actualmente se dedique mais ao romance do que à Banda Desenhada, David Soares tem trabalho feito (e muito bem feito) na BD, como argumentista e como autor completo, pelo que o convite da Amadora para escrever este livro, fez todo o sentido. A história, cuja acção decorre em Lisboa, em meados do século XX, sob um regime autocrático indefinido, mas cujas semelhanças com o Estado Novo salazarista são mais do que pura coincidência, parte das memórias da primeira república que um pai lega ao filho, numa carta que nunca chegará a enviar.
Se as sequências, inicial e final, são ilustradas por Richard Câmara num estilo quase esboçado, em contrate com o estilo realista dos restantes desenhadores, os diferentes episódios narrados pelo pai, são ilustrados cada um por diferentes desenhadores.

Assim, Jorge Coelho ilustra o período antecedente à implantação da República, desde o ultimato inglês de 1890 até ao assassinato do Rei D. Carlos, João Maio Pinto fica com o período da República, André Coelho com a 1ª Guerra Mundial e Daniel da Silva com o episódio final, em que os ideais da república dão lugar à realidade sombria do regime salazarista.
Embora nem todas as referências sejam facilmente perceptíveis para quem não conheça bem a história do período em causa (nesse aspecto, uma cronologia e umas notas de enquadramento no final do livro seriam de grande utilidade), a história está muito bem construída e revela o rigor da pesquisa habitual em David Soares, que soube muito bem escolher os seus colaboradores. Há sequências especialmente bem conseguidas, em que os autores jogam na perfeição com a repetição de alguns motivos, como o bacio com a forma de John Bull no episódio inicial, desenhado por Jorge Coelho, ou o eléctrico (que não por acaso, está na capa do livro) no episódio final, desenhado por Daniel da Silva.

Um excelente álbum, pelo qual valeu bem a pena esperar um ano e que, para além de confirmar o talento de David Soares, Richard Câmara, Jorge Coelho e João Maio Pinto, dá a descobrir dois desenhadores muito promissores, como André Coelho e (especialmente) Daniel da Silva.
(“É de noite que faço as Perguntas”, de David Soares e vários desenhadores, Saída de Emergência, 64 pags, 18,00 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 8/10/2011

Evocando Sérgio Bonelli

2011-10-01T23:36:00.000+01:00

Faleceu no passado dia 26 de Setembro, em Milão, o nome mais importante da BD italiana da actualidade. Falo não de um autor, como Manara, Toppi, Liberatore, ou Giardino, mas sim de um editor, Sérgio Bonelli, que soube construir um verdadeiro império editorial, que não se limita apenas à série “Tex”, criada pelo seu pai Gian Luigi Bonelli e por Galep, o seu título mais popular.
O segredo dos “fumetti” (nome dado em Itália à BD) da Bonelli, consiste em fornecer aos leitores edições baratas, em pequeno formato, com muitas páginas, lançadas a um ritmo mensal. Essa receita, que consegue aliar uma produção quase industrial, com capacidade de lançar mais de mil páginas por mês, a uma qualidade muito razoável, nasceu como reacção ao boom da TV privada nos anos 70, que veio provocar uma crise no mercado da BD. Face a uma televisão que oferecia programas gratuitos para todos os gostos, Bonelli optou por propor aos seus leitores verdadeiras novelas gráficas de quase cem páginas, capazes de prender a atenção do leitor durante uma hora, ou mais, que vivem muito da notável capacidade produtiva de uma série de argumentistas de talento, aliado a um leque mais alargado de desenhadores.

A reacção dos leitores italianos a esta nova forma de BD foi entusiástica, com algumas revistas de Bonelli a atingirem tiragens próximas do meio milhão de exemplares, para além das constantes reedições de títulos antigos, o que leva à impressionante média de 25 milhões de exemplares vendidos por ano, algo que só é possível graças a um público heterogéneo, que não se restringe aos adolescentes habituais e que engloba também quadros médios e universitários, e até intelectuais como Umberto Eco.
Embora seja um fenómeno marcadamente italiano, as séries de Bonelli também têm procurado o sucesso internacional, estando igualmente presentes nos mercados, americano (através da Dark Horse), espanhol, francês e brasileiro. E é precisamente via Brasil que nos chegaram uma série de títulos bem representativos da qualidade e diversidade dos fumetti de Bonelli, actualmente reduzidos aos Westerns “Tex”, “Mágico Vento” e “Zagor”, e ao policial “J. Kendall”, cancelados que foram títulos como “Dylan Dog”, “Martin Mystere” e “Dampyr”.

Mas o contributo de Bonelli para a BD italiana, não se fica só pelas revistas mensais que editou, que mostram que BD de qualidade não tem que ser necessariamente luxuosa e cara. Além do seu trabalho de argumentista em “Mister No”, com o pseudónimo de Guido Nolitta, dos famosos “Texones”, as edições anuais que são uma referência habitual neste espaço, assinados por nomes como Buzelli, Magnus; Bernet, ou Joe Kubert, Sérgio Bonelli promoveu projectos como a série “Un Huomo, una Aventtura”, por onde passaram os maiores nomes da BD italiana, como Pratt, Manara, Crepax; Battaglia, Toppi e Buzzelli, além de ter dado a desenhadores como Victor De La Fuente, Esteban Maroto, José Ortiz, Alfonso Font, ou Manfred Sommer, a possibilidade de prosseguirem uma carreira na BD de acção e aventura.
Com a morte de Bonelli, desaparece um dos últimos cultores da Banda Desenhada de aventuras de grande público. Agora resta esperar para ver se a editora que criou consegue sobreviver ao desaparecimento do seu fundador.
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 1/10/2011

1ªs Conferências de Banda Desenhada em Portugal

2011-09-21T17:05:00.000+01:00

É já amanhã, no Instituto Franco-Português, na Avenida Luís Bivar, em Lisboa. Eu vou andar por lá. Se quiserem, apareçam!
Aqui fica o programa:

Programa das 1as Conferências de Banda Desenhada em Portugal

Dia 22 de Setembro, Quinta-Feira
9h30
Apresentação das Conferências e Convidados
Discursos dos convidados internacionais
David Kunzle, “Rodolphe Töpffer, Diletante” (em língua inglesa)
Thierry Groensteen, “Patchwork de estilos: o fim do dogma da homogeneidade gráfica” (em língua francesa)

11h30
Intervalo

11h50
1ª Parte das apresentações: O Artefacto Literário
Maria Cristina Álvares, “A figura do herói na bd franco-belga clássica”
Daniel Seabra Lopes, “Na margem da aventura: Pratt”
Alexandra Dias, “O Diário de K. e a Intertextualidade”

13h15
Pausa para almoço

15h00
2ª Parte das apresentações: Disciplina e Indisciplina
Cláudia Pinto, “Marvels e Kingdom Come: A Re-Mitificação da América”
José Marmeleira, “Vãs epifanias: rock e banda desenhada”

16h00
Intervalo

16h10
Mesa-redonda: Grupo de Investigação de Banda Desenhada

Dia 23 de Setembro, Sexta-Feira
10h30
3ª Parte das apresentações: Lógicas de Território
Sara Figueiredo Costa, “Castelao e o galeguismo”
Nuno Marques, “In The Shadow of No Towers e M-11 La Novela Grafica como momentos de silêncio entre o ruído da tragédia”
João Miguel Lameiras, “Era uma vez na Argentina: entre o esquecimento e a memória”

11h50
Intervalo

12h00
4ª Parte das apresentações: Ciência e Banda Desenhada
João Ramalho Santos, “Ciência e Banda Desenhada”
João Mascarenhas, “Tintin, a aventura na Lua, o conhecimento científico e a bd”

13h15
Pausa para almoço

15h00
5ª Parte das apresentações: Autores Portugueses
João Caetano, “Lugares de Fronteira: Carlos Alberto Santos”
Conceição Pereira, “Arte fragmentada (José Carlos Fernandes)”
Álvaro Matos, “Política e bd na I República”

16h20
Intervalo

16h30
6ª Parte das apresentações: Limites e Experimentação
Pedro Moura, “Elementos estéticos em The Cage, de Martin Vaughn-James”
Diniz Conefrey, “Percepção narrativa no advento da bd abstracta”
Domingos Isabelinho, “A banda desenhada portuguesa no campo alargado: do O Escritor a A História Dramática de um Ovo”

17h40
Encerramento das Conferências
Extra: projecção de curta de animação (a confirmar)

O Regresso de Wolverine

2011-09-18T11:59:00.000+01:00

Depois de ter sido a editora oficial da Marvel em Portugal em finais dos anos 90 e início da década de 200, a Devir volta finalmente a pegar no catálogo da "Casa das Ideias", com este, "Wolverine: Inimigo do Estado", primeiro volume (de 2) de uma movimentada e hiper-violenta história escrita por Mark Millar e ilustrada por John Romita Jr., em que um Wolverine mentalmente alterado enfrenta sozinho os maiores heróis da Marvel, do Quarteto Fantástico ao Demolidor, passando por Elektra e pelos X-Men.

Publicada originalmente em 2004, nos nºs 20 a 25 da revista “Wolverine”, “Inimigo do Estado” foi a primeira experiência de Millar com o popular mutante da Marvel, experiência que voltaria a repetir em 2009, ainda com mais sucesso, com a história “Old Man Logan”, desenhada por Steve McNiven. Argumentista de origem escocesa, Millar foi mais um dos vários escritores britânicos que, na senda de Alan Moore, Neil Gaiman e Grant Morrison, se estrearam no mundo dos comics através da Vertigo, a linha mais adulta da editora DC Comics. Uma estreia que, no caso de Millar, aconteceu em 1994, ao lado de Grant Morrison, na série “Swamp Thing”, no que foi o primeiro passo de uma carreira na indústria dos comics, feita de sucessos como “The Autorithy”, Superman: Red Son”, “Civil War” e “Wanted” e “Kick-Ass”, dois projectos independentes, de que já falei neste espaço, aquando da estreia em Portugal das respectivas adaptações cinematográficas.

Em “Wolverine: Inimigo do Estado” e na sua continuação, “Wolverine: agente da SHIELD”, que a Devir promete publicar até ao Natal, Millar mistura elementos de espionagem, como a SHIELD e a organização criminosa Hydra, com a mitologia oriental criada por Frank Miller, para a série “Daredevil”, da ninja Elektra (que tem um papel decisivo nesta história) à Mão, a seita criminosa que treinou Elektra e a transformou numa assassina letal, numa história que se lê de um fôlego e prende o leitor até à última página. Como refere o irlandês Garth Ennis (outro britânico que se estreou nos comics americanos, via Vertigo) no prefácio, Mark Millar: “corre pelo universo Marvel como um maníaco com uma espada samurai e uma misturadora, cortando um pouco daqui, misturando outro dali, transformando, criando algo novo e incrível”. E, passe algum exagero de Ennis, é o que acontece neste caso, em que Millar mistura todos estes ingredientes, com mestria, contando com o talento gráfico e narrativo de John Romita Jr, que se mostra tão à vontade nas complexas cenas de combate, como nas (poucas) cenas mais intimistas.Venha depressa a continuação!
Quanto à edição da Devir, bem impressa e competentemente traduzida, apenas fica a dúvida em relação à imagem da capa, da autoria de Joe Quesada, que não corresponde ao desenho do interior, quando havia várias capas bem conseguidas de Romita Jr. que podiam ter sido usadas com maior propriedade…
(“Wolverine: Inimigo do Estado”, volume 1 de Mark Millar e John Romita Jr., Devir Livraria, 144 pags, 15,00 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 17/09/2011

Corto Maltese em África

2011-09-11T10:42:00.000+01:00

É certo que podemos ter dificuldades em perceber a ordem pela qual a Asa está a publicar as aventuras de Corto Maltese, mas também não podemos deixar de reconhecer que o está a fazer a um bom ritmo, tendo publicado cinco volumes em pouco mais de um ano.
O mais recente desses volumes, “As Etiópicas”, afigurou-se como o pretexto ideal para voltar a falar da mais popular criação de Hugo Pratt, pois neste título, o criador de Corto Maltese apresenta-se em plena maturidade estética e literária, ao contrário de “Sob o Signo de Capricórnio”, em que Corto Maltese dava ainda os primeiros passos, ou de “Mu” em que os sinais de decadência, sobretudo gráfica, de Pratt são evidentes.

Com o marinheiro maltês a trocar os mares do Sul pelas areias do deserto, “As Etiópicas” relata a passagem de Corto pelo continente africano, durante o ano de 1918, num percurso que o leva do Iémen à Tanzânia, Passando pela Somália e pela Etiópia. Neste livro, Pratt mistura, tal como refere Marco Steiner no interessante prefácio, “cultura, natureza e aventura”, um trio de ingredientes temperados por um toque de fantástico, com que Pratt faz uma excelente receita. Das Suratas do Corão aos poemas de Rimbaud, passando por uma natureza desértica que funciona quase como uma personagem, aos tiroteios e violentos combates corpo-a-corpo, em que Corto mostra não ter medo de sujar as mãos, os três ingredientes estão lá, tal como estão as personagens carismáticas, como o feiticeiro abissínio Shamael, que volta a aparecer no livro “à l’Ouest de l’Edén” e, sobretudo, Cush, o guerreiro Danakil, cuja “química” com Corto é bem evidente.

Nestas quatro histórias, repletas de personagens inesquecíveis, encontramos vários momentos que mostram todo o talento narrativo de Pratt e a forma como joga com as convenções da Banda Desenhada, subvertendo-as. Veja-se como o poema de Rimbaud que fala de água dialoga de forma inesperada com as imagens áridas do deserto, na sequência inicial de “O Golpe de Misericórdia”, ou o efeito de zoom invertido que abre “Os Homens-Leopardo do Rufiji”, história que tem também uma belíssima sequência onírica, em que o fundo negro é usado com grande eficácia.
Mas estes são apenas pormenores, que não alteram o essencial, que é a grande qualidade deste punhado de histórias, bem desenhadas e melhor contadas, da passagem de Corto Maltese por África, num percurso que se cruza com o do próprio Hugo Pratt, que passou parte da sua juventude na Etiópia.
(“Corto Maltese: As Etiópicas”, de Hugo Pratt, Edições Asa, 112 pags, 24,50 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 10/09/2011

Relançamento do Universo DC

2011-09-08T23:17:00.002+01:00

Este mês de Setembro, a maioria das revistas do Universo DC (mais exactamente 52) recomeçam a partir do nº 1, em muitos casos, com novas versões dos personagens clássicos e novas equipas criativas, com destaque para Jim Lee e Geof Johns na Justice League e Grant Morrison como argumentista da revista Action Comics. Além disso, alguns personagens da Vertigo, como o Swamp Thing e Animal Man são incorporados no Universo DC.
À partida, esta poderá ser uma boa maneira de conquistar novos leitores, que têm uma óptima oportunidade de acompanhar as séries desde o início, sem estarem presos a uma continuidade complexa e por vezes contraditória. Confesso que ainda não vi nenhuma das novas revistas, nem é coisa que me tire o sono, mas se quiserem poderão facilmente saber mais, acompanhando a cobertura que o Bongop tem dado à coisa no seu blog, Leituras de BD.
Por enquanto, o esforço que a DC tem feito na divulgação das novas séries, com grande cobertura mediática e traillers para divulgar os títulos menos conhecidos, parece estar a resultar, com várias das revistas a esgotarem no primeiro dia em que são postas à venda.
Mas confesso que o que me levou a falar disto aqui, foi este divertido vídeo não oficial:

Tex na Patagónia

2011-09-04T22:08:00.000+01:00

Mais uma vez, a série “Tex”, verdadeiro fenómeno de popularidade em Itália, volta a ser objecto de referência nesta coluna, por via de um novo “Texone”, edições anuais em formato maior e com uma produção mais cuidada, que a Mythos Editora fez chegar aos quiosques portugueses na passada semana.

No caso deste “Tex Gigante” nº 23, escrito por Mauro Boselli e ilustrado pelo italiano Pasquale Frisenda, Tex e o seu filho Kit viajam até à Patagónia, nos confins da Argentina, para mediar um conflito entre o exército argentino e as tribos locais, naquela que é, de muito longe, a melhor história de Tex que já li.
Larga e justamente premiado em Itália, este “Patagónia” alia o exotismo de um cenário pouco habitual para um Western, como as Pampas argentinas, a um argumento muito bem construído por Mauro Boselli, o criador da série “Dampyr”, também já referida nesta coluna.

Uma história movimentada e cheia de acção, que aborda com realismo o genocídio das tribos índias, protagonizada por personagens caracterizadas com profundidade (a esse nível, a excepção acaba por ser o próprio Tex…), com destaque para o Coronel Ricardo Mendoza, um militar dividido entre a honra e o dever, cuja personalidade vai evoluindo ao longo da história.
Outro ponto muito forte deste “Patagónia” é o excelente trabalho de sombras de Frisenda, desenhador habitual da série “Mágico Vento”, que se revela aqui um verdadeiro mestre do preto e branco. Sem ser um virtuoso do desenho, Frisenda é um bom desenhador em geral e mesmo muito bom em termos narrativos e de planificação: veja-se a cena inicial do ataque dos índios Tehuelches a Três Arroyos, ou o sangrento combate final no desfiladeiro.

Para quem nunca leu uma história de Tex, este “Patagónia” pode ser um óptimo ponto de partida, pela grande qualidade da história e eficácia dos desenhos (ao contrário do que é habitual nestes “Texones”, onde o ênfase maior é geralmente para o trabalho superlativo do desenhador convidado, ao serviço de um argumento que muitas vezes é apenas funcional).
Além disso, estas edições gigantes têm uma óptima relação qualidade/preço, com uma história de 242 páginas em grande formato, por apenas nove euros, a justificar bem o trabalho de procurar este “Tex: Patagónia” no meio das revistas e das colecções de livros e DVDs que invadem os quiosques nacionais, deixando um espaço cada vez mais reduzido para a Banda Desenhada.
(“Tex Gigante nº 23: Patagónia”, de Mauro Boselli e Pasquale Frisenda, Mythos Editora, 242 pags, 9,00 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 3/09/2011

Sambre VI

2011-09-01T23:18:00.002+01:00

Oito anos depois de Maudit Soit le Fruit de vos Entrailles, Yslaire regressa finalmente à série Sambre como desenhador, com La Mer vue du Purgatoire, sexto álbum da série principal e segundo volume do ciclo dedicado à terceira geração da família Sambre, em que, morto Bernard Sambre na Comuna de Paris, seguimos o destino de Julie e de Bernard-Marie, o filho de ambos.
Obra maior de Yslaire, um dos mais elegantes desenhadores de expressão francesa, este drama hiper-romântico foi um notável sucesso em França, deixando um grande número de leitores completamente suspenso, durante anos a fio, dos amores contrariados de Bernard e Julie, dois amantes separados pela condição social, por ódios familiares e por uma série de trágicos incidentes. Uma história complexa, pensada em conjunto com Balac (nome que esconde o prolífico argumentista Yann, autor, por exemplo de Pin Up), mas que o próprio Yslaire se encarregou de contar sózinho a partir do 2º volume da série.

Nascido em Bruxelas em 1957, Bernard Hislaire estreou-se na BD no fanzine “Robidule”, enquanto frequentava a Escola de Saint-Luc em Bruxelas, por onde passaram outros grandes nomes da BD, como Schuiten, Berthet e Andreas. A sua afirmação como profissional de BD faz-se na revista Spirou, em 1978, com a série Bidouille e Violette, uma comédia romântica de que sairam 4 álbuns. Artista inquieto e irrequieto, Hislaire sentia-se, segundo as suas próprias palavras: “cansado da ditadura da linha clara que não permite qualquer tipo de sombra, nem em termos gráficos nem a nível do argumento. Cansado daquelas personagens cuja psicologia é de tal modo limpida, que são inexistentes. Eu precisava de contrastes da luz e da sombra, do dito e do não-dito. Há em todo o ser humano uma parte de mistério, de sombra e de morte, que não percebo porque é que a BD não tem em conta”.

A série Sambre, iniciada em 1985 traduz essa vontade de mudança, visível até na alteração da assinatura do autor, que passa a assinar Yslaire. Como ele próprio refere “queria contar uma história de amor, mas num registo diferente de “Bidouille e Violette”. Uma história sem humor, sem duplos sentidos e que seria tão romântica como trágica. Eu e Balac decidimos situar a acção no século XIX, porque é a grande época do romantismo e porque a juventude da época estava animada por grandes paixões; havia um forte empenhamento pela liberdade, as pessoas estavam dispostas a morrer nas barricadas pelos seus ideais”. E tirando o ambiente mais campestre da casa dos Sambre (inspirada na casa da família de uma antiga namorada de Yslaire) em que decorre o 1º volume, o resto da série vai ter precisamente como principal cenário o ambiente de revolução da Comuna de Paris, que pôs a capital de França a ferro e fogo em 1848.

Sambre é um grande fresco, épico, feito de dramas familiares, ódios ancestrais, amores loucos, passado numa época conturbada. Uma história maior do que a vida, de um romantismo desmesurado, em que o amor e a morte estão sempre presentes, como na cena fulcral do 1º álbum em que Bernard e Julie fazem amor no jazigo da família Sambre, sobre o túmulo de pai de Bernard. Uma saga que a paleta de Yslaire, limitada aqui aos vermelhos, cinzas e negros, trata como ninguém, acentuando precisamente esses jogos de sombras que faltavam à “linha clara”. E o trabalho de Yslaire é absolutamente deslumbrante em termos visuais, com o autor a libertar-se facilmente das características caricaturais ainda detectáveis no seu traço e a revelar um notável sentido cenográfico e de planificação, que irá melhorar de álbum para álbum.

Depois de ter desenhado os 4 primeiros volumes, Yslaire abandonou temporariamente Sambre para se dedicar às Memoires du XXeéme Ciel, uma revisitação da História do século XIX através dos e-mails trocados entre um anjo e uma psicanalista, mas acabou de voltar á série, com um quinto volume, publicado em 2003, que inicia um novo ciclo, passado dez anos depois, centrado em Julie e no seu filho, Bernard-Marie.
Se os 4 primeiros álbuns da série saíram em português, pela Witloof, o 5º álbum nunca teve edição nacional e muitos leitores portugueses pensaram que a série terminava com a morte de Bernard. Uma dúvida que assaltaria os leitores franceses após a publicação do 5º álbum, pois Yslaire trocou a série Sambre por outros projectos, como a reedição (com grandes alterações) de XXéme Ciel, o díptico Le Ciel au-dessus de Bruxelles e o projecto Le Ciel au-dessus du Louvre, um álbum encomendado pelo Museu do Louvre, em que Yslaire colabora com Jean-Claude Carriére, argumentista dos últimos filmes de Luis Buñuel, como Belle de Jour

O regresso a Sambre dá-se, não com a série principal, mas com La Guerre des Sambre, uma série paralela, constituída por vários ciclos de 3 álbuns, escrita e planificada por Yslaire, mas ilustrada por outros desenhadores, que desenvolve diferentes ramos da árvore genealógica da família Sambre. O primeiro ciclo, dedicado à paixão de Hugo Sambre, o pai de Bernard, por Iris, uma cantora de olhos vermelhos, magnificamente ilustrado por Bastide e Mèzil, dois jovens autores saídos da escola de Saint-Luc, foi publicado entre 2007 e 2009, tendo já saído o primeiro volume de um novo ciclo, Werner & Charlotte, ilustrado por Marc-Antoine Boidin, que ainda não tive ocasião de ler.
Mas o que interessa agora é o 6º volume da série principal, em que Julie dividida entre a memória de Bernard, que a persegue, e a vontade de viver, vê naufragar o barco que a levava desterrada para a Guiana, sendo salva por um faroleiro, que tambem ele tenta esquecer um amor infeliz.

Se em termos de história, tudo se mantém dentro do habitual, numa história trágica, carregada de simbolismo e de citações (e por falar nisso, dou um doce a quem identificar o quadro que Yslaire homenageia nesta imagem aqui ao lado), em termos gráficos, são claras as melhorias em relação ao tomo 5, em que o traço de Yslaire parecia apressado e longe do extraordinário virtuosismo que se lhe reconhece. Aliás, este é bem capaz de ser o álbum mais bem desenhado da série, com imagens belíssimas e páginas magníficas, em que Yslaire, que agora desenha directamente no computador, está ao seu melhor nível. E para apreciar devidamente a sua técnica de desenho, nada melhor do que este vídeo, em que Yslaire desenha ao vivo.

Sambre VI: La Mer vue du Purgatoire, de Yslaire, Glenat, 64 pags, 16,20 € na Livraria Dr. Kartoon

Poulet aux Prumes no cinema

2011-08-28T23:10:00.001+01:00

Depois do sucesso de Persepolis, Marjane Satrapi e Vincent Paronnaud regressam ao cinema com Poulet aux Prunes, mais uma adaptação de um livro de Satrapi, mas desta vez em imagem real. O filme, que estreia em França a 26 de Outubro, precisamente no mesmo dia do Tintin de Spielberg, conta com um elenco de peso, com nomes como Isabella Rosselinni, Mathieu Almaric, Jamel Debbouse e a nossa Maria de Medeiros. Para além da Festa do Cinema Francês, não é garantido que o filme estreie em Portugal, mas de qualquer maneira, aqui fica o trailler.

O Sonho Americano desenha-se em Português

2011-08-17T00:28:00.001+01:00

Como bem saberão os que o tentaram, para um autor que viva e publique em Portugal, é praticamente impossível conseguir viver exclusivamente da Banda Desenhada. A insipiência da indústria dos quadradinhos nacional, a dificuldade de encontrar jornais ou revistas onde publicar o seu trabalho (e que paguem aos colaboradores), obrigaram vários dos nossos melhores desenhadores, de E. T. Coelho a Victor Péon, passando por Carlos Roque, a imigrarem para poderem (sobre)viver da Banda Desenhada.

Actualmente, o grande sonho da maior parte dos jovens autores portugueses, que pretendem embarcar na arriscada aventura de (tentar) viver da Banda Desenhada, é conseguir fazer carreira no atraente e competitivo mercado norte-americano. E, embora tal não seja fácil, por vezes esse sonho transforma-se mesmo numa realidade, mais ou menos duradoura. Depois de uma primeira geração, composta por Eliseu Gouveia, Miguel Montenegro e Ana Freitas, que conseguiu publicar alguns trabalhos no mercado americano, em inícios da década de 2000, mas sem grande continuidade, surge agora uma nova geração de desenhadores, composta por nomes como João Lemos, Nuno Plati, Ricardo Tércio, Filipe Andrade e Jorge Coelho, com histórias publicadas regularmente em editoras como a Marvel, ou a Image.
Ao contrário dos autores das gerações anteriores, que tiveram que emigrar para conseguirem trabalho fora de Portugal, os autores referidos neste texto trabalham para o mercado americano a partir das suas casas em Portugal, beneficiando das actuais facilidades de comunicação proporcionadas pela Internet e do próprio sistema de funcionamento da indústria americana dos comics, em que o “editor” (termo que nos EUA tem um significado diferente do que lhe dado em Portugal, designando não o dono da editora – o Publisher – mas sim quem faz o editing da história, sugerindo as alterações que considera necessárias aos autores) assegura a ligação entre a Editora e as várias pessoas envolvidas no projecto, que não necessitam de estar fisicamente próximas e que, muitas vezes, nem sequer se conhecem pessoalmente.
Se alguns destes autores desenham a lápis, passam a tinta e dão cor aos trabalhos que publicam, não é assim que as coisas geralmente funcionam no mercado americano. Por via do sistema de publicação mensal e dos prazos rigorosos que isso implica em termos de produção, a indústria dos comics aposta na especialização e numa separação de tarefas em que o argumento, o desenho a lápis, a passagem a tinta (ou arte-final) e a coloração são geralmente realizados por pessoas diferentes, com o editor a servir de elo de ligação entre todas elas.

Um editor com um papel muito importante no facto de haver tantos desenhadores portugueses com trabalhos publicados na Marvel, foi C. B. Cebulski, actual vice-presidente da Marvel, argumentista e grande descobridor de talentos que depois de ter tido acesso ao port-folio de João Lemos, que este tinha entregue ao Presidente da Marvel, Joe Quesada, não hesitou em contactar Lemos, para trabalhar com ele num projecto chamado Shiki. Embora essa série, inicialmente anunciada para sair em 2007, continue a aguardar publicação, a verdade é que Cebulski ficou tão impressionado com o trabalho de Lemos, que disse numa entrevista que o desenhador português: “é um artista com um estilo nunca visto. Ele vai ser uma grande estrela dos comics e a sua arte vai ter um valor incalculável na indústria, deixando um impacto estilístico muito ao género de Mike Mignola e de Bruce Timm.”,
Tendo tomado contacto com o trabalho de outros desenhadores portugueses, via João Lemos, Cebulski usou a série Marvel Fairy Tales para os lançar. Primeiro foi Ricardo Tércio a desenhar a história de Cebulski que adapta a lenda do Capuchinho Vermelho ao Universo Marvel, seguindo-se na série Avengers Fairy Tales, os trabalhos de João Lemos, Nuno Plati e novamente Ricardo Tércio. Um conjunto de trabalhos posteriormente recolhidos no livro Marvel Fairy Tales que, nas suas 144 páginas, tem nada mais de 94 páginas feitas por desenhadores portugueses, em estilos completamente diferentes e personalizados, que vão do traço etéreo e estilizado de Lemos, ao desenho mais “cartoony” de Tércio, passando pela elegância mais europeia de Plati.

Se na versão desenhada por João Lemos da história de Peter Pan, a cor é da responsabilidade de Christina Strain, Nuno Plati na sua versão de Pinóquio, assegura também as cores e a capa, tal como Ricardo Tércio, na sua versão do Feiticeiro de Oz, embora neste último caso, a capa seja da responsabilidade da francesa Claire Wendling.
De todos estes autores, Nuno Plati é o que mais histórias tem publicado na Marvel, com uma história curta para as revista Iron Man: Titanium (tal como outro português, Filipe Andrade, que também desenha uma história curta em Iron Man Titanium e divide o desenho de X-23 com Plati) e o desenho completo dos comics Shanna, the She Devil e Marvel Girl, a que se seguiu mais uma história curta para a revista Amazing Spider-Man 657, que assinala a entrada do Homem-Aranha para o Quarteto Fantástico, na sequência da morte de Johnny Storm, o Tocha Humana.
Mas se Nuno Plati, é o português cujo nome já apareceu em mais revistas da Marvel, o português que mais páginas desenhou para a “Casa das Ideias” é, indiscutivelmente Filipe Andrade, que os leitores portugueses bem conhecem da série BRK.

Andrade, além das histórias já referidas para as revistas X-23 e Iron Man: Titanium, assinou também os desenhos de Wellcome Home e Underneath the Skin, duas aventuras de Nomad, publicadas em complemento da história principal, nos nºs 608 a 614 da revista Captain America, antes de assegurar a arte dos quatro números da mini-série Onslaught Unleashed, actualmente em publicação e que ficará na história como a primeira mini-série da Marvel desenhada e colorida por portugueses, pois além dos desenhos de Andrade, as cores são da responsabilidade de Ricardo Tércio. E já em Setembro começa a sair nos EUA a mini-série John Carter, the Princess of Mars, em que Filipe Andrade assegura o desenho e as capas alternativas da nova versão do personagem de Edgar Rice Burroughs, prestes a chegar ao cinema num filme da Disney.

Também João Lemos ficará na história, mas como o primeiro português a escrever uma história para a Marvel, pois o desenhador português foi o argumentista de Wolverine: the Dust from Above, uma história do mais popular mutante da Marvel, desenhada pela italiana Francesca Ciregia. Lemos, que voltou a Wolverine como desenhador com The Adamantium Diaries, uma história curta, escrita por Sarah Cross para a revista Wolverine 1000. E o trabalho de Lemos não se limita à Marvel, pois ele foi um dos autores convidados por David Peterson para colaborar na série Legends of the Mouse Guard, editada pela Archaia Press, assinando como autor completo (argumento, desenhos cor e legendagem) a história que funciona como epílogo à edição encadernada.
Referência ainda um novo projecto independente, ainda em fase de desenvolvimento, chamado Mia, Tales from the Lost Islands, que vai juntar Nuno Plati e João Lemos, de que esperamos voltar a ouvir falar e que, depois das colaborações entre Nuno Plati e Ricardo Tércio, confirma a tendência dos autores portugueses para trabalharem juntos.

Outro autor português que também tem publicado nos Estados Unidos, mas sem ser na Marvel, é Jorge Coelho, de quem a Image publicou Forgetless, uma mini-série escrita por Nick Spencer, em que Coelho divide os desenhos com W. Scott Forbes e Marley Zarcone. Coelho que se estreou no mercado americano como desenhador de Below the Fold, uma história curta, escrita e colorida por Eric Skillman, publicada na antologia de histórias policiais EGG, auto-editada por Skillman.
O mais recente trabalho de Coelho para a Image, The Weel Turns, uma história curta de D. K. Stockton, publicada no 2º volume de Outlaw Territory, uma antologia de histórias do Oeste, conta mais uma vez com cor de Skillman, numa parceria que se irá prolongar na novela gráfica Submerged Mary, escrita por Eric Skillman e ainda à procura de editor.

Mas estes não são os únicos portugueses a publicar BD nos EUA. Também Filipe Melo conseguiu levar o seu Dog Mendonça às páginas da revista Dark Horse Presents. Um título prestigiado, que inaugurou a actividade editorial da Dark Horse em 1986 e onde o Sin City de Frank Miller foi publicado pela primeira vez. Vinte e cinco anos depois, a editora lançou uma nova versão da revista, com 25 números previstos. Essa nova antologia, cujo primeiro número saiu em Maio nos EUA, terá participações, entre outros autores, de Frank Miller (com uma entrevista e uma preview da prequela de 300 intitulada Xerxes), Mike Mignola (Hellboy), Neal Adams, Richard Corben e Dave Gibbons (Watchmen), entre muitos outros.

É para esta revista que Filipe Melo e Juan Cavia contribuíram com uma história de 24 páginas, dividida em três capítulos de 8 páginas, que vai ser publicada nos nº 4, 5 e 6 e tem como objectivo apresentar Dog Mendonça e os restantes personagens ao público americano, preparando o terreno para a posterior publicação pela Dark Horse de As Incríveis Aventuras de Dog Mendonça e Pizzaboy nos EUA.
Uma excelente oportunidade que se deveu à intervenção decisiva de John Landis. O realizador americano, que assinou o prefácio do álbum, gostou tanto do livro que fez chegar Dog Mendonça às mãos do seu amigo Mike Richardson, o editor da Dark Horse, que se mostrou interessado na série e viu na revista Dark Horse Presents o local ideal para uma primeira divulgação das personagens junto dos leitores americanos.
Se a tudo isto acrescentarmos a biografia em BD de Angelina Jolie, editada em Janeiro de 2011 pela Editora americana Blue Water, especializada em biografias em Bd de personalidades célebres, de Obama a Oprah, que tem desenhos de Nuno Nobre, um arquitecto, designer e ilustrador português, a viver e trabalhar entre Madrid, Lisboa e Nova Iorque e que assim se estreia na BD, não há dúvidas que o sonho americano dos autores de BD se desenha cada vez mais em português.
Versão actualizada do texto publicado no nº 10 da revista Bang!, em Maio de 2011

Capitão América no cinema

2011-08-09T11:50:00.001+01:00

Confirmando que a Banda Desenhada marca a agenda cinematográfica deste Verão, uma semana depois de “Dylan Dog” eis que chega às salas de cinema o bastante mais aguardado “Capitão América: O Primeiro Vingador” filme que traz de volta ao grande ecrã o primeiro e um dos mais populares super-heróis da Marvel, preparando o caminho para o tão aguardado filme dos “Vingadores” (ou “Avengers” no original) dirigido por Joss Whedon, com estreia marcada para o Verão de 2012.
Primeiro super-herói a envolver-se directa e abertamente no esforço de guerra americano na 2ª Guerra Mundial, o Capitão América, criado em 1941 por Joe Simon e Jack Kirby, é o símbolo vivo do ideal americano, reflectindo o espírito da época e a vontade do povo americano de ajudar a combater Hitler e o nazismo. E era precisamente Hitler quem o Capitão América socava na mítica capa do nº 1 da revista Captain America Comics, que o filme recupera e que o cartaz em estilo "retro" de Paolo Rivera, homenageia.

Filho do seu tempo, o Capitão América surgiu porque Martin Goodman, o dono da Timely Comics, achou que, face à conjuntura da época, era altura de lançar um herói patriótico e encarregou Joe Simon, o seu editor e Jack Kirby, o seu director de arte de criarem esse herói. Como refere o próprio Kirby: “o Capitão América foi criado em função de um tempo que necessitava de figuras nobres. Ainda não tínhamos entrado na guerra, mas toda a gente pressentia que ela estava próxima. Foi por isso que nasceu o Capitão América; a América precisava de um super patriota.”
Depois de duas tentativas falhadas de levar o Capitão América ao cinema, nas décadas de 70 e 90, Joe Jhonston, que depois do subestimado “Rocketeer” volta aos filmes baseados em BDs, finalmente acerta no tom neste filme, passado quase todo durante a II Guerra Mundial. Um filme que, ao contar a origem do Capitão América, cumpre com eficácia a dupla função de criar uma versão credível do Capitão América e fazer a ponte entre os vários filmes da Marvel, como o “Thor” e o “Homem de Ferro 2”, que preparam o caminho para a estreia do filme dos Vingadores, com o personagem de Nick Fury, interpretado por Samuel L. Jackson a ter uma papel fundamental no estabelecer dessa continuidade.

Mais interessante como filme de época do que como filme de super-heróis (o número musical com o Capitão América a apelar ao público para participar no esforço de guerra, comprando Títulos do Tesouro, é dos melhores momentos do filme), “Capitão América” é um filme bastante sólido e que se vê muito bem, contando com um elenco sólido, com destaque para Chris Evans, que depois de ter sido o Tocha Humana nos filmes do Quarteto Fantástico, é um Capitão América com quem o público cria facilmente empatia, e para Hugo Weaving, perfeito como o maléfico Caveira Vermelha.
Como de costume nos filmes da Marvel, convém aguentar até ao fim da ficha técnica (o que neste caso, até nem é difícil, pois o genérico final reinventa de forma bastante bem conseguida os cartazes de propaganda americanos e soviéticos) para ter um primeiro vislumbre do filme dos “Vingadores”, num curto mas bem conseguido “teaser”, que mostra pela primeira vez juntos, todos esses super-heróis da Marvel.
(“Capitão América: O Primeiro Vingador”, de Joe Jhonston, com Chris Evans, Hugo Weaving e Tommy Lee Jones, Marvel Studios, 2011. Em exibição em Coimbra nos cinemas Zon /Lusomundo Dolce Vita e Fórum Coimbra)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 6/08/2011

Dylan Dog no cinema

2011-08-01T23:06:00.001+01:00

Num verão dominado pelas adaptações ao cinema de histórias e personagens de Banda Desenhada (já tivemos “Thor” e ainda vamos ter “Capitão América”, “Lanterna Verde” e “Cowboys vs Aliens”) eis que chega aos ecrãs portugueses, “Dylan Dog: Guardião da Noite”, filme de Kevin Munroe, inspirado na série de culto criada por Tiziano Sclavi para a editora Bonelli, que em Portugal foi distribuída em versão brasileira da Editora Mythos.
Já alvo de diversas referências neste espaço, a série Dylan Dog é, nos seus melhores momentos, um clássico incontornável da BD fantástica, misturando de forma sábia o terror, o humor e a melancolia, em histórias complexas e muito bem escritas, geralmente servidas por excelentes desenhadores, como Corrado Roy, Cláudio Villa, e Angelo Stano, entre muitos outros.

Realizado por Kevin Munroe, que já tinha dirigido o 4º e último filme das Tartarugas Ninja, em 2007, o filme conta com Brandon Routh no principal papel e Sam Huntington no do seu assistente Marcus. Um elenco muito habituado aos filmes inspirados na BD, pois Routh participou no divertidíssimo “Scott Pilgrim Vs the World” e foi o Super-Homem em “Superman Returns” de Bryan Singer, em que também participou Huntington, como Jimmy Olsen. Apesar da reconhecida experiência do elenco na transposição de BDs para o cinema, esta adaptação não prima pela fidelidade à BD original, bem pelo contrário, pois a acção foi transposta de Londres para New Orleans e, por questões de direitos, o ajudante de Dylan Dog na BD, inspirado no actor Groucho Marx teve que ser substituído por Marcus, o personagem de Hutington no filme, responsável pelos momentos mais divertidos, quando é transformado num zombie e tem que aprender a adaptar-se à sua nova condição de morto-vivo.

Mas o humor da personagem de Marcus e de alguns bons diálogos não salvam um filme com um argumento cheio de buracos, uma direcção pouco criativa, efeitos especiais bastante fracos e que não consegue preservar a originalidade de “Dylan Dog”, que distinguia a série de outras abordagens ao género do terror. Ignorado de forma igualmente vigorosa pelo público e pela crítica, nos vários países onde já estreou, não deixa de causar algum espanto que “Dylan Dog” tenha chegado às salas de cinema nacionais, em vez de ir directo para DVD, o destino mais natural para um filme divertido de série B, que se esquece mal se acabou de ver.
Resta a esperança de que graças ao filme, haja mais gente a querer descobrir a série original de BD, editada em inglês pela Dark Horse e fica a certeza de que “Dellamorte Dellamore”, realizado em 1994, por Michele Soavi, continua a ser, de muito longe, a melhor e mais fiel transposição do universo de Tiziano Sclavi para o grande ecrã.
(“Dylan Dog: Guardião da Noite”, de Kevin Munroe, com Brandon Routh, Sam Huntington e Anita Briem, Platinum Studios, 2011. Em exibição em Coimbra nos cinemas Zon /Lusomundo Dolce Vita)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 30/07/2011

Um punhado de imagens da exposição História com Humor

2011-07-28T00:58:00.000+01:00

Problemas com o computador não me deixaram faze-lo antes, mas aqui ficam finalmente algumas imagens da exposição "História com Humor", que inaugurou no dia 21 de Julho no CNBDI e que tive o o prazer de comissariar. Justa homenagem ao trabalho em conjunto de Artur Correia e António Gomes de Almeida, esta Exposição vai estar em exibição durante quase um ano (termina a 30 de Junho de 2012) pelo que não vos faltará tempo para apreciarem ao vivo, os excelentes originais, cheios de detalhe de Artur Correia, valorizados pelo fantástico (na sua simplicidade e eficácia) trabalho cenográfico de Catarina Pé-Curto e Amália Buisson.
Quanto às fotos, as da inauguração são da autoria de Dâmaso Afonso, enquanto que as restantes foram tiradas por mim.

A História com Humor no CNBDI

2011-07-18T22:27:00.000+01:00

Inaugura na próxima 5ª feira, dia 21 de Julho, pelas 19h, no Centro Nacional de Banda Desenhada e Imagem da Amadora, a exposição "A História com Humor", dedicada à obra de Artur Correia e António Gomes de Almeida nessa área. Uma exposição que tive o prazer de comissariar, sobre dois autores que admiro e que convido os frequentadores deste blog a visitar, quanto mais não seja, durante o próximo Festival da Amadora. Para aqueles que não forem à inauguração, eu cá postarei algumas fotos durante a próxima semana.

Batman prestes a regressar ao cinema e à TV

2011-07-14T18:24:00.009+01:00

Embora o filme só estreie daqui a um ano, já circula na Net o 1º poster de The Dark Knight Rises", o capítulo final da trilogia de filmes que Cristopher Nolan dedicou ao Batman. Depois do sucesso, a todos os níveis, do filme anterior, a espectativa é mais do muita, mas as imagens e as notícias disponibilizadas deixam antever que o filme vai estar à altura das espectativas.
Mas antes disso, a DC vai lançar directamente em DVD e Bluray a adaptação em animação do seminal "Batma, Ano Um", de Frank Miller e David Mazzucchelli, uma das melhores histórias do Batman de sempre e, para mim, o melhor trabalho de Frank Miller como argumentista. O DVD traz também uma curta protagonizada pela Catwoman, a mesma catwoman que também estará presente no filme The Dark Knight Rises", com a actriz Anne Hathaway a vestir a pele (ou melhor, o fato de latex) de Selina Kyle. Entretanto, o primeiro teaser foi lançado esta quinta-feira com o último filme da série Harry Potter,pelo que não deve tardar muito até a Warner, que mandou retirar todas as cópias do teaser que circulavam na Net, colocar on-line uma versão oficial e com qualidade do teaser. Até lá, podem ver o trailer de "Batman, Year One" já aqui:

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ACTUALIZAÇÂO - O teaser do "Dark Knight Rises", exibido com o último Harry Poter. Mesmo sem mostrar grande coisa de novo (a maior parte das imagens já apareciam nos filmes anteriores) este teaser já nos abre o apetite para o que aí vem e que, se Nolan conseguir igualar, ou até superar o que fez no filme anterior, será grandioso.

As publicações do Festival de Moura

2011-07-11T01:36:00.000+01:00

Apesar de uma existência já longa de 17 anos, o Festival de Banda Desenhada de Moura, é bastante menos conhecido do grande público do que o seu mais recente vizinho alentejano de Beja. Daí que as edições apoiadas e promovidas pelo Festival de Moura, passem despercebidas da maioria dos leitores que nunca visitaram o Festival, o que é uma pena, pois dentro da filosofia coerente de apostar nos autores nacionais mais clássicos, o Moura BD tem lançado uma série de publicações de interesse de e sobre BD.
Mais uma vez, foi o que aconteceu este ano, com a vantagem adicional para os leitores de Coimbra, de finalmente essas edições estarem à venda na Livraria Dr. Kartoon.

Comecemos pelos Cadernos Moura BD, cujo nº 8, lançado nesta edição de 2011, é dedicado a Victor Mesquita, que sucede aos autores Augusto Trigo, António Barata, Isabel Lobinho, Luís Afonso, José Antunes, José Baptista (Jobat), José Abrantes e Fernando Bento. Seguindo a filosofia habitual nesta colecção, além de uma série de inéditos (que permitem conhecer vários projectos de Mesquita que nunca viram a luz do dia) e de uma entrevista, recupera uma história representativa do autor, neste caso “O Sindroma de Babel”, história publicada em 1996 num álbum colectivo e que faz a ponte entre os dois volumes já publicados de “Eternus 9”

Referência também para “Lince Ibérico: a sua história em Portugal”, um álbum didáctico sobre uma espécie em vias de extinção, em que José Garcês ilustra um argumento do biólogo Bruno Pinto, também editado pela Câmara Municipal de Moura.
Mas, para mim, as publicações mais importantes saídas do Festival de Moura, são as monografias realizadas por Osvaldo Macedo de Sousa e Jorge Magalhães, dois dos nossos maiores especialistas em cartoon, caricatura e Banda Desenhada.
Osvaldo Macedo de Sousa, que este ano assina dois livrinhos, que funcionam como catálogo das exposições dedicadas a Agim Sulaj, um ilustrador e cartoonista albanês de grande qualidade e aos “Viajantes de Papel na Lusofonia Gráfica”, um impressionante levantamento das ligações artísticas entre Portugal e os países lusófonos, de Raphael Bordallo Pinheiro à actualidade, em que o formato reduzido da edição não deixa imaginar a quantidade e a riqueza da informação recolhida.

Quanto a Jorge Magalhães, no 3º volume da colecção JM, volta a um dos seus géneros favoritos, o Western, para analisar a carreira de Vitor Péon nesse registo, no excelente “Vítor Péon e o Western: de Denver Bill a Tomahawk Tom”, uma monografia de 46 páginas a cores em formato A4, muito bem escrita e melhor ilustrada.
Se às edições lançadas em 2011, juntarmos os títulos mais antigos que o Festival foi lançando ao longo dos anos, cujo catálogo de publicações disponível no site do Festival, não faltam propostas interessantes para os fãs da BD clássica nacional.
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 9/07/2011

Bons sonhos com Milo Manara

2011-07-05T00:28:00.003+01:00

A última incursão de Manara na publicidade (neste caso, a uma marca de almofadas) é este filme que mistura animação e imagem real e em que o próprio Manara aparece como actor. É ele o homem deitado na cama. A rapariga em quem a Miel se transforma depois de o beijar, não sei quem é, mas tenho pena...

Relvas, o regresso do filho pródigo

2011-07-02T01:22:00.002+01:00

Unanimemente considerado como um dos mais talentosos e personalizados autores portugueses de banda desenhada das últimas décadas, Fernando Relvas [Lisboa, 1954], apesar de já ter completado trinta anos de carreira, continua praticamente desaparecido das livrarias, com cinco livros publicados, que actualmente são quase impossíveis de encontrar. Uma situação que o regresso do autor a Portugal, poderá ajudar a mudar.

Tendo-se estreado nestas vidas ingratas da BD em 1974, na Gazeta da Semana. Relvas vai começar por dar nas vistas na revista Fungagá, para a qual realiza várias histórias que lhe servirão de cartão de apresentação para o próximo e decisivo passo da sua carreira, a publicação no Tintin português. Beneficiando do espírito de abertura em relação aos novos autores portugueses revelado por Dinis Machado e Vasco Granja, então responsáveis pela revista, Relvas vai-se estrear no Tintin em 1978, onde manterá uma presença ininterrupta até ao fim da revista.
A inserção no Tintin de um suplemento a preto e branco (por onde passou também o Corto Maltese de Hugo Pratt) veio diminuir substancialmente os custos da publicação de autores portugueses e o jovem autor aproveitou bem esta oportunidade de publicação para fazer nascer o Espião Acácio. Crónica humorística da Primeira Grande Guerra, inspirada pela leitura da Ilustracão Portuguesa, revista do princípio do século que funcionaria como principal fonte iconográfica e documental, a série cedo conquistaria os leitores do Tíntin, que aderiram sem reservas ao traço personalizado e ao humor de Relvas. Constituída por episódios de duas páginas, a série iria chegar quase à centena de páginas, apesar de ter terminado sem deixar muitas saudades... Relvas, talvez cansado deste tipo de humor, vai na fase final da série introduzir elementos de ficção científica perfeitamente estranhos à história que, quanto a mim, lhe retiraram todo o sentido e piada (isto apesar do próprio considerar estes últimos episódios como os seus preferidos). O mesmo se passa em termos gráficos, com a limpidez quase “linha clara” que caracterizava até então o seu traço, a dar lugar a experiências falhadas com o pincel.

Pouco depois do inicio da publicação de O Espião Acácio, Relvas deu os seus primeiros passos no sentido da internacionalização da sua carreira, deslocando-se a França e à Holanda, onde tentou, aparentemente sem grande convicção, mostrar o seu trabalho às grandes editoras. Uma oportunidade que acabaria por se gorar devido às dificuldades que Relvas revelou em se adaptar às regras do jogo dessas editoras.
O seu trabalho seguinte para o Tintin consistiu numa adaptação à banda desenhada da Viagem ao Centro da Terra, de Júlio Verne. Trabalho claramente de encomenda, sobre o qual o autor não quer nem ouvir falar, esta obra deixa bastante a desejar, tanto em termos de respeito pelo originai, como de fluência narrativa. Mesmo o tratamento apressado dos (quase inexistentes) cenários é sintomático do pouco empenho de Relvas nesta adaptação, a que falta «alma» e convicção.

A história seguinte, Rosa Delta Sem Saída, representa a sua primeira incursão no campo da ficção científica, género que, segundo o próprio refere, apenas lhe interessa como reflexão sobre o destino da humanidade.
Esta ficção pós-apocalíptica, eivada de um profundo pessimismo, vale sobretudo pelas experiências empreendidas no uso das sombras, pois em termos narrativos a história padece do mesmo mal de muitos outros trabalhos de Relvas, a ausência de um argumento estruturado de forma lógica e compreensível. Uma falha que se alastrou aos restantes projectos nesta área, como VAST, uma história publicada na V série de O Mosquito, em que usa pela primeira vez tramas mecânicas e 0-3-0, o Controlador Louco, uma «coboiada espacial», nas palavras do autor, publicada em 1980, no Mundo de Aventuras.
Segue-se L123, um dos seus melhores trabalhos de sempre. Mudando radicalmente de temática, Relvas volta-se agora para aquilo que conhece bem da sua vivência pessoal, o ambiente suburbano de Lisboa. Com efeito, o próprio título da série é uma referência ao passe integrado de transportes colectivos que cobre Lisboa e arredores. L123 é um “thriller” (sub)urbano centrado no confronto entre dois grupos de traficantes de droga, profundamente ancorado na realidade que cercava o autor, que recorre com frequência a documentação fotográfica, utilizando os locais que frequenta como cenários e emprestando o rosto dos amigos aos personagens da série. Esta sensação de grande realismo, alicerçada em diálogos extremamente coloquiais e credíveis, é sintomática de uma grande sintonia com a realidade quotidiana, até então praticamente inexistente em termos da banda desenhada portuguesa.

Isso deverá ter sido consequência da grande liberdade concedida a Relvas, liberto pela primeira vez do espartilho da história em 44 páginas, tão característico da BD franco-belga, com condições de fazer uma obra de grande fôlego na linha das que nasceram em redor da revista (A Suivre). Temos assim uma complexa e movimentada história de mais de 100 páginas, onde são introduzidos de forma hábil alguns elementos fantásticos, estruturada de forma quase orgânica, com as pranchas a serem entregues apenas três meses antes da publicação, o que lhe deu hipóteses de ir modificando a história à medida que ia vendo o seu trabalho impresso.
Denotando um enorme à vontade no desenho e planificação das cenas de acção, onde revela um dinamismo sem equivalente em termos da actual banda desenhada portuguesa, Relvas mostra também toda a sua apurada técnica do preto e branco, que vai evoluindo de forma sensível ao longo da história e em que são visíveis as influências de Pratt, Jijé e Munoz. Digna de realce é ainda a utilização dramática (e cinematográfica) da banda sonora, com estratos de canções de Lou Reed, Beatles, Duran Duran, Stepenwolf e Kim Wilde a pontuarem, de forma ajustada, diferentes momentos da acção.

Depois deste excelente trabalho, plenamente merecedor da edição em álbum, Relvas vai recuperar Eco e Artur, dois personagens de L123 para a história seguinte, Cevadilha Speed. Apesar da vida de Cevadilha dar um, ou mesmo vinte livros, a personagem mais interessante é Lena, ou Ganza, uma bela e misteriosa mulher que Relvas criou a partir de uma fotografia de Helmut Newton. Em contraste com a complexidade de L123, esta história é bastante simples, consistindo no divertido relato de umas férias no Algarve, onde não faltam algumas cenas oníricas, para além de alemães e “alemoas”, muita cerveja e bagaço e cenas de pancadaria para animar.
Os dois projectos seguintes para o Tintin, Slow Motion e Briz 3 representam o seu regresso à ficção científica e às histórias de escassa coerência narrativa, de tal modo que ninguém deve ter ficado muito triste com o facto de a falência da revista ter deixado incompleta a publicação de Kriz 3.

O fim do Tintin não significou o fim da carreira de Relvas, subitamente privado de um espaço fixo de publicação, onde podia experimentar e evoluir. Foi apenas o fechar de um primeiro ciclo. Outro mais longo e produtivo se seguiria. Relvas, para além de ter encontrado novo «poiso» e total liberdade criativa no jornal Se7e, onde entre 1982 e 1988, publicaria alguns dos seus melhores trabalhos, esteve ainda presente no Salão de Angoulême de 1984, a convite da organização. Viagem que, para além de o pôr em contacto com os grandes nomes da BD europeia, lhe valeu um convite de jean-Pierre Dionet para trabalhar na Metal Hurlant Aventures, tendo-lhe sido sugerido que fizesse histórias com sexo e violência passadas no bas-fond de Lisboa. Infelizmente, o fim prematuro da revista inviabilizou esta hipótese, confirmando o azar que sempre acompanhou Relvas nas diversas tentativas de internacionalização da sua carreira.
Concerto para Oito Infantes e um Bastardo e Niuiork, as suas duas primeiras histórias publicadas no Se7e são, quanto a mim, os seus melhores trabalhos a preto e branco. A história, uma intriga policial movimentada, planificada de forma dinâmica e inovadora, que em Niuiork evolui para uma mais prosaica história de desencontros amorosos, é servida por uma primorosa técnica de preto e branco, ao serviço de um estilo pessoal e inconfundível.

Também em termos de argumento estamos perante um dos melhores trabalhos de Relvas, com a linearidade do enredo a ajudar a uma melhor compreensão da história. Do mesmo modo, a naturalidade e musicalidade dos diálogos, que sempre foi uma das suas características, continua presente nestas histórias narradas na primeira pessoa, na melhor tradição do «policial negro» americano. Jacinto, ou Jaca, o «ribatejano, bastardo e futuro diplomata», protagonista destas duas histórias, aparece ainda num anúncio aos jeans Lee que Relvas fez em 1983, mas será substituído nas páginas do Se7e pela decidida Sabina, a heroína da história seguinte. Narrativa on the road das aventuras de uma rapariga que vai para o Algarve num carro roubado para conhecer um famoso artista rock, Sabina merece destaque pela caricatura certeira que Relvas faz das várias tribos urbanas, e pelas experiências com tramas a fazer lembrar Alberto Breccia, que não tiveram sequência em posteriores trabalhos.
A partir de Ai, este chavalo seria tão barilo, se... Relvas divide a autoria das histórias com Marlene, pseudónimo de uma sua colega do Se7e, que se torna ela própria personagem em Herbie de Best, história em que o tom de crónica da noite lisboeta do episódio anterior dá lugar a uma trama policial que (não) termina com um duelo ao vento em plena planície algarvia, na melhor tradição dos western spaghetti.

Com Sangue Violeta, história nada linear de uma jovem desajustada e anti-social transformada em estreIa rock, Fernando Relvas regressa à temática humorística em que se iniciou, adaptando o seu estilo ao novo tipo de histórias, tornando-o mais caricatural. Exemplo típico da forma como Relvas por vezes se dispersa, a intriga principal é cortada por flash backs perfeitamente surrealistas e por uma versão western da história do capuchinho vermelho. É também aqui que vai aparecer pela primeira vez Karlos Starkiller, jornalista de ponta, o único personagem constante ao longo de toda a sua obra. Starkiller ganhará o estatuto de protagonista em A Sombra de Xizhakt Rabin uma complexa história de espionagem internacional passada no Líbano, vagamente inspirada no caso Irangate, que evoluirá para uma comédia delirante, onde aparece um Mário Soares com cabeça de abóbora, alguns colegas de Relvas no jornal Se7e e até o verdadeiro super-herói do Terceiro Mundo, o Capitão Latino-América. A forma como a história reflecte a actualidade está bem patente na interrupção da intriga durante uma semana, para dar lugar a uma entrevista com o Presidente americano Ronald Reagan, de visita a Portugal em Maio de 1985. Uma tomada de posição que, segundo o que Relvas me disse, se deveu às pressões da sua namorada da altura, uma rapariga politicamente muito empenhada...
Com a gradual introdução da cor no jornal Se7e, a partir de Dezembro de 1985 o desenhador vai poder fazer experiências neste campo, bem reveladoras do seu talento inato. Nunca Beijes a Sombra do teu Destino, talvez um dos seus melhores trabalhos de sempre e a sua estreia a cores, é uma história de paixão e ciúmes, em que a complexa intriga policial se alia a um clima de tensão erótica muito bem conseguido. Tudo isto servido por uma excelente cor, que se tornou ainda melhor quando o autor descobriu os lápis de cera.

Desde as histórias vagamente de espionagem como A Noite das Estrelas (onde reaparece Mário Soares, agora na pele de um vendedor de tapetes, tipo Oliveira de Figueira), ou o intimista O Diabo à Beira da Piscina (inspirada numa muito curiosa canção alemã dos anos 20), até aos divertimentos mais ou menos inconsequentes como A Costa do Marisco (onde para além de um papagaio sexualmente hiperactivo, reaparece também Karlos Starkiller), Perversa Sobranceria do Hermetismo no Saber, O Atraente Estranho (protagonizado por um marreco e por uma osga chamada Heidegger) e A Missão, Relvas assumiu-se como o cronista atento do Portugal de 80 visto a partir do Bairro Alto. Possuidor de uma técnica apurada e de um excelente dominio da cor, Fernando Relvas revela-se um autor pouco acomodado, sempre em busca de novas experiências estéticas. Infelizmente, fá•lo de forma algo diletante e inconsequente, mudando de estilo a meio da história, esquecendo-se positivamente do que estava a contar, o que, obviamente, tem reflexos negativos em termos de compreensão dos argumentos que escreve, o que é por demais notório nestes seus últimos trabalhos para o Se7e.

Apesar do seu à vontade nas histórias urbanas, O Umbral Lumioso, o seu último trabalho para o Se7e é uma incursão pela BD de temática histórica, tal como acontece com O Rei dos Búzios, uma aventura passada na época dos Descobrimentos e que foi parcialmente publicada na revista Sábado durante o ano de 1989. Foi uma pena que esta história nunca tenha sido completada, pois em termos gráficos e sobretudo cromáticos (Relvas faz milagres com os lápis de cera) é do melhor Relvas de sempre, sendo notório que o artista, que estava a ser muito bem pago para fazer este trabalho, se empenhou, talvez como nunca o fez, de modo a realizar um trabalho perfeito. Anos mais tarde, a história, cujos originais foram comprados pela Bedeteca de Lisboa, foi editada em CD-Rom em 1999, com Relvas a arranjar um final circular, que lhe permitisse utilizar as imagens existentes de modo a dar um fim a uma história que ficou incompleta, embora eu confesso que preferia que Relvas tivesse aproveitado a ocasião para terminar a história, tal como estava inicialmente planeada…

Com o fim da publicação na Sábado. Relvas vê-se obrigado a aproveitar as pesquisas feitas para O Rei dos Búzios para criar uma história que lhe permitisse concorrer ao Concurso promovido pela Comissão Nacional dos Descobrimentos, cujo prémio, de 500 contos lhe permitiria, nas suas próprias palavras, «pagar as dívidas acumuladas em refeições e copos fiados». Assim nascia Em Desgraça, primeiro volume das aventuras de Vaz Taborda contrabandista condenado ao degredo, incorporado à força na armada de D. Francisco de Almeida, que conquistou Calecut, que assinala a estreia de Relvas em álbum em 1993. Apesar de optar por mostrar o outro lado da gesta dos Descobrimentos, escolhendo um anti-herói para protagonista e fio condutor da história. É perfeitamente visível que Relvas não se empenhou o suficiente neste trabalho.

Para além de um excessivo didactismo e da falta de ligação entre os diferentes episódios dispersos, o que torna a história confusa, em termos gráficos estamos perante um trabalho descuidado e apressado, com uma cor extremamente débil, aspecto em que a editora não está isenta de culpas. O insucesso comercial deste álbum, cuja carreira de vendas não podia ser mais adequada ao titulo, bem como o claro desinvestimento das Edições Asa na banda desenhada portuguesa a partir de 1993, levou ao congelamento de todos os projectos de Relvas, desde o segundo volume das aventuras de Vaz Taborda, a Karlos Starkiller, até à série Piri Lau.
Acabarão por ser os Livros Horizonte em 1995, de forma discreta e sem o enquadramento que Relvas justificava, a dar finalmente à estampa O Nosso Primo em Bruxelas, primeiro volume da série Piri Lau. Aventura urbana, com sexo e violência quanto baste, este álbum narra as peripécias por que passam dois amigos, Lau e Zé Peixoto, de alcunha o «Piri-Piri» (apesar de em todo o álbum nunca ninguém o tratar pela alcunha...) que tocam nos bares de Lisboa. A acção decorre entre Lisboa e Sintra, num ambiente que o autor bem conhece, mas tem ramificações que vão desde Angola a Bruxelas, onde está o primo de Zé «Piri-Piri» Peixoto que dá nome ao álbum, mas que nunca chega a aparecer... Esta história complexa de vinganças tendo por móbil o tráfico de diamantes foi projectada para dois álbuns. Dai que após a leitura do primeiro volume, os leitores saibam tanto quanto AI, o investigador que segue Zé Peixoto; isto é, quase nada! Mas apesar do argumento algo confuso, Relvas faz um bom trabalho em termos de planificação, com uma narração dinâmica e um traço nervoso e personalizado, apesar de, por vezes, demasiado sintético.

Estamos, mesmo assim, perante um trabalho mais à altura das enormes potencialidades de Fernando Relvas, um autor que, devido à sua maneira de ser e (falta de) método de trabalho, teria tudo a ganhar se trabalhasse com um editor (no sentido em que o termo é entendido nos EUA) que disciplinasse o seu talento inato... Infelizmente, os Livros Horizonte não chegaram a publicar o segundo álbum da série, e assim, Lau e Zé Peixoto foram juntar-se a Vaz Taborda, Gil Roiz (o herói de O Rei dos Búzios) e a Kriz 3 no vasto limbo onde estão as inúmeras personagens cuja história Relvas nunca acabou de contar.
Depois de um período em que fez cartoons para a revista TV Mais, Relvas volta à BD graças a O Inimigo, jornal dirigido por Júlio Pinto, o argumentista de «Filosofa de Ponta», série de grande sucesso, inicialmente pensada para o traço de Relvas que a recusou, gesto pelo qual Nuno Saraiva lhe deverá estar eternamente grato...

Nas páginas de O Inimigo regressa Karlos Starkiller em Testos Torres contra Cara Dread, uma história que seria objecto de diversas versões, primeiro no nº 2 da revista Quadrado e depois num fanzine montado em computador e auto-editado por Relvas. O Regresso do Hipopótamo, a sua história seguinte (que teve um fim brusco devido ao fecho do jornal O Inimigo), caracteriza-se por uma total ausência de lógica narrativa, tal como sucede com o ainda assim mais divertido Ananás que ri!, também auto-editado por Relvas. Mas para além destes divertimentos inconsequentes, em que a única coisa dignas de registo é a forma hábil como Relvas utiliza as mesmas imagens várias vezes trabalhando-as com o scanner, o autor preparava um projecto de maior fôlego, de que estiveram expostas algumas pranchas no Festival da Amadora de 1995.
Çufo, assim se chama o álbum lançado durante o Oitavo Salão do Porto, em 1995, aproveitando uma exposição comemorativa dos vinte anos de carreira de Relvas, foi um trabalho encomendado pelo Grupo de Trabalho do Ministério da Educação para as Comemorações dos Descobrimentos Portugueses, que lhe permitiu voltar outra vez à BD de temática histórica, mas agora com muito melhores resultados do que os conseguidos com Em Desgraça. Na origem de Çufo está a vontade do Grupo de Trabalho do Ministério da Educação para as Comemorações dos Descobrimentos Portugueses de contribuir para um melhor conhecimento da expansão portuguesa através do papel desempenhado pelos cidadãos anónimos, protagonistas muitas vezes forçados e involuntários da gesta dos Descobrimentos. Esta louvável opçâo de privilegiar a “arraia miúda” nesta série de biografias em BD, encontrou no traço de Relvas o suporte ideal. Relvas sempre preferiu para protagonistas das suas anti-epopeias, homens comuns que apenas se preocupam em sobreviver, como já era o caso de Vaz Taborda, o herói de Em Desgraça.

Quanto a Çufo, nascido em Braga com o nome de João Machado, também reúne todas as características dos (anti)heróis de Relvas. Embarcado para a costa oriental de África, para escapar a uma sentença de morte, João Machado nunca chegou a procurar o reino do Preste João, decidindo ir antes para a índia, onde fez carreira como mercenário ao serviço do Sultão de Bijapur. Tendo adoptado o nome árabe de Çufo, João Machado vê-se obrigado a enfrentar os seus compatriotas, quando como capitão do exército do Idalcão vai combater contra as tropas de Afonso de Albuquerque, que procuravam conquistar Goa. Dividido entre duas lealdades, vai funcionar como intermediário nas negociações com Afonso de Albuquerque, procurando ganhar aliados nos dois lados em disputa que lhe assegurassem a sobrevivência, qualquer que fosse o vencedor. Tomada Goa em 1510, Çufo espera ainda dois anos para voltar para junto dos seus compatriotas. Integrado no exército local e casado com uma goesa, João Machado sentia-se um estranho às duas culturas, olhado com desconfiança pelos portugueses que não esquecem o seu passado e consciente que a sua cor de pele nunca lhe permitiria ser um verdadeiro árabe. Vai morrer perto de Goa em 1517 num combate entre as tropas portuguesas e o exército do Idalcão, que tinha servido durante dez anos.

É a vida desta figura fascinante na sua humana ambiguidade, exemplo extremo da capacidade de adaptação dos portugueses, que Fernando Relvas vai contar em 56 páginas de banda desenhada. E fá-lo à boa maneira de Hugo Pratt, introduzindo bruscamente o leitor em plena acção, num acontecimento histórico concreto e bem documentado, de que o herói é espectador, mas que funciona apenas como um cenário, que é abandonado com a mesma brusquidão quando o herói sai de cena, sem que nos sejam fornecidos quaisquer dados sobre o que se passou a seguir.
O problema é que Relvas não tem o talento literário e narrativo de Pratt, e o resultado acaba por ser uma história feita de episódios desligados, o que retira fluidez à narração. De qualquer modo, em termos gráficos estamos perante um dos melhores trabalhos de Relvas, que desta vez se aplicou a fundo, conseguindo uma obra ao nível dos seus momentos mais altos na fase áurea do jornal Se7e. A forma dinâmica como trata as cenas de acção e o arrojo dos enquadramentos utilizados, provam que, neste aspecto, Relvas não tem quem se Ihe aproxime em Portugal, enquanto o excelente trabalho de cor revela um domínio perfeito das ecolines.
Está assim de parabéns o grupo de trabalho do Ministério da Educação que teve a visão e o arrojo de encomendar esta obra a Fernando Relvas, concedendo-lhe total liberdade criativa para a sua realização, em vez de, como era habitual neste tipo de obras, recorrer aos mesmos autores de sempre, que continuam ainda hoje a imitar (mal) o que E. T. Coelho fazia na década de 50.

Depois de durante alguns meses se ter dedicado à ilustração de livros escolares, Relvas voltou à BD através de um novo projecto para o grupo de trabalho do Ministério da Educação, que têm como protagonista a mítica Rainha Ginga. Pelo entusiasmo com que Relvas falava deste trabalho e tendo em conta o aturado trabalho de pesquisa que levou a cabo, este prometia ser um dos seus melhores trabalhos de sempre, com o aliciante em termos gráficos de assinalar o regresso de Relvas aos lápis de cera, e com excelentes resultados a avaliar pelos estudos preparatórios que tive ocasião de ver. Mas a verdade é que a Rainha Ginga nunca chegou a ser publicado e ainda não foi desta que Relvas teve a oportunidade de se afirmar decisivamente como um dos melhores desenhadores portugueses de sempre, que efectivamente é.

Depois de ter sido objecto de uma exposição individual em 1997, na Bedeteca de Lisboa, Relvas fez naturalmente parte dos 17 autores portugueses seleccionados para a exposição Perdidos no Oceano, presente no Festival de Angoulême de 1998, em que Portugal foi o país convidado. E Malabambu, a fantástica prancha original que Relvas fez para a exposição é um bom exemplo de todo o seu talento gráfico e narrativo. Uma grande página, a preto e branco, desenhada num traço fino com uns vestígios de aguada, dividida em 28 pequenos quadrados que, graças a uma montagem dinâmica, nos permite mergulhar no interior de um navio negreiro, que no final da página vemos desaparecer no alto mar.
A década seguinte, se não trouxe muitos trabalhos originais de Relvas, viu alguns dos seus trabalhos mais antigos serem recuperados para uma nova geração de leitores, primeiro com a edição em livro de Karlos Starkiller, pela BaleiAzul, depois com L123, pela ASIBDP, 18 anos depois da sua publicação inicial na revista Tintin e, dois anos depois, com a publicação de uma versão restaurada de Concerto para Oito Infantes e um Bastardo, a primeira história que fez para o jornal Se7e, na revista Comix, que o fim da revista em 2003 deixou incompleto. Mas a Comix não foi a única revista de BD nacional cujo fim deixou uma história de Relvas por publicar. O mesmo sucedeu dois anos antes com Iva Jau e Dr Manga, uma história (vagamente) de espionagem feita para a revista Selecções BD que só seria publicada através do site Lulu.com vários anos depois, numa nova versão, com novo título, Palmyra e grandes alterações a nível do argumento e diálogos.

Entretanto, Relvas decidiu emigrar em finais de 2002, primeiro para Espanha e depois para a Croácia e as poucas notícias que chegavam do seu trabalho, chegavam-nos via Internet, através de uma série de blogs que o autor ia criando e sucessivamente fechando e onde publicou um punhado de histórias, em que o desenho, assistido por computador, se misturava com a fotografia e com o simples texto. Não sendo a primeira experiência de Relvas na publicação directa em formato digital (em 2001, antes de emigrar, publicou uma série de cartoons no portal Tokaki.com) estes trabalhos dariam depois origem a um punhado de livros publicados em inglês no sistema de “print on demand” através do site Lulu.com, mas o preço elevado e os ainda mais elevados portes, levaram que mesmo os mais empedernidos fãs de Relvas pensassem duas vezes antes de adquirirem estes trabalhos…

E, como quem não aparece, esquece, o nome de Fernando Relvas foi gradualmente caindo no esquecimento, única justificação possível para a ausência da sua obra em projectos que se pretendiam representativos do que de mais importante se fez em Portugal em termos de BD, como a série Ver BD, ou a exposição Tinta nos Nervos, que assinalou a entrada da Banda Desenhada no Museu-Colecção Berardo, no Centro Cultural de Belém, ambos coordenados por Pedro Vieira de Moura.

O regresso de Relvas a Portugal, em Setembro de 2010, para trabalhar num projecto de animação, veio recordar o óbvio a muita gente do meio da Banda Desenhada nacional. Relvas está vivo e ainda mexe! Daí que as exposições que os dois maiores Festivais de BD nacionais, o Festival da Amadora e o Salão de Beja, lhe vão dedicar e o grande dossier que o BD Jornal lhe dedica neste número, traduzam o justo reconhecimento da importância do trabalho de Fernando Relvas. Ontem como hoje, um dos maiores nomes da BD portuguesa, que finalmente regressa a casa!
Texto publicado no BD Jornal nº 27, de Maio de 2011. Versão revista e largamente actualizada do texto publicado no catálogo da exposição “Relvas, à queima-roupa”, editado pela Bedeteca de Lisboa em 1997.

Corto Maltese na América Latina

2011-06-26T22:27:00.000+01:00

Depois de “Mu”, eis que as edições Asa lançam mais dois álbuns de Corto Maltese nas livrarias, 3 meses depois da edição em capa dura desses títulos ter estado à venda nas lojas da FNAC.”Sob a Bandeira dos Piratas” e Longínquas Ilhas do Vento” recolhem 6 das 11 histórias de 20 páginas passadas na América Latina que Hugo Pratt desenhou para a revista francesa “Pif” entre 1970 e 1973, em que Corto assume o papel de protagonista. Histórias essas, posteriormente recolhidas em dois álbuns, “Sous le Signe du Capricorne” e “Corto Toujours un peu plus Loin” (que em Portugal saiu com o título “Corto Maltese na Amazónia”, quando foi publicado pelas Edições 70, em inícios da década de 80).

Curiosamente, “Sob a Bandeira dos Piratas” recolhe as três últimas histórias de “Sous le Signe du Capricorne”, o que tem como consequência que, quem descubra a série pela primeira vez, fique sem saber muito quem são aquelas personagens (de Tristan Bantan a Boca Dorada, passando pelo Professor Steiner, ou Morgana) ou a que se refere a conversa entre Corto Maltese e Boca Dorada, nas páginas iniciais de “Uma Águia na Selva”… Até porque o volume seguinte, “Longínquas Ilhas do Vento” traz as primeiras 3 histórias do álbum seguinte, “Corto Toujours un Peu Plus Loin”, ficando as duas últimas histórias desse álbum por publicar.

Mas pondo de lado, o peculiar critério seguido pela Asa para a ordem pela qual edita a série, estes dois álbuns são altamente recomendáveis, sobretudo comparados com “Mu”, a última aventura de Corto Maltese. A qualidade dos diálogos, a elegância do traço de Pratt (que as cores suaves de Patrícia Zanotti não abafam) a riqueza das personagens, o sopro da aventura em cenários exóticos, tudo isso faz destas histórias verdadeiras pérolas. E, apesar de ainda estar a “apalpar terreno” em termos das aventuras de Corto Maltese, Pratt não tem medo de quebrar as convenções. Veja-se a primeira página de “Um Negócio de Bananas”em que Pratt utiliza os seus famosos “zooms”, dando a ideia que são os canos das armas que falam. Uma sequência que abre caminho a outras semelhantes em “As Etiópicas” e “Corto Maltese na Sibéria”.

Apesar destas reticências quanto à ordem de publicação da série, é bom não esquecer o mais importante. Aos poucos, as aventuras de Corto Maltese voltam a estar disponíveis em português, suprindo assim uma grave lacuna em termos da edição nacional de BD.
(“Corto Maltese: Sob a Bandeira dos Piratas”, de Hugo Pratt, Asa, 96 pags, 24,50 €
“Corto Maltese: As Longínquas Ilhas do Vento”, de Hugo Pratt, Asa, 96 pags, 24,50 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 25/06/2011

X_Men regressam às origens no cinema

2011-06-22T23:09:00.000+01:00

Estreou no dia 9 de Maio em todo o país, o filme “X-Men, O Início”, em que Matthew Vaughn reinicia o “franchise” X-Men no cinema, com excelentes resultados, criando aquele que já muitos consideram como o melhor filme de sempre baseado em personagens da Marvel.
Vaughn, que esteve quase para dirigir o filme “X-Men” 3 e que não é estranho ao universo dos super-heróis, género que abordou no filme “Kick Ass”, leva-nos até ao início da década de 60 do século XX, em plena crise dos mísseis de Cuba, que quase ia provocando a 3ª Guerra Mundial, para, através de uma intriga bem ancorada na realidade histórica, nos mostrar o primeiro encontro entre Magneto (cujo passado como prisioneiro em Auschwitz, já abordado no primeiro filme dos X-Men, é aqui desenvolvido) e o Professor Xavier e o nascimento dos X-Men.

Com a excepção de Hugh Jackman, numa tão curta como divertida aparição como Wolverine, todos os personagens da série são interpretados por novos actores. E, a esse nível, o casting foi certeiro, pois tanto Michael Fassbender, notável, como James MacAvoy estão perfeitos como Magneto e Professor Xavier, mesmo que este seja um Professor X muito diferente do que conhecemos da BD e dos outros filmes. Do lado dos vilões, Kevin Bacon como Sebastian Shaw e January Jones (que conhecemos da série “Mad Men”) como Ema Frost, também se revelaram escolhas acertadas.

Quanto ao argumento, que por vezes não respeita a continuidade dos filmes anteriores, nem da BD, é de uma eficácia surpreendente, sobretudo se nos lembrarmos que Vaughn e a sua colaboradora habitual Jane Goldman, tiveram pouco tempo para trabalhar com uma história que já tinha sido reescrita, pelo menos, por seis argumentistas diferentes…

Feliz cruzamento entre um filme de super-heróis e os filmes de James Bond da fase Sean Connery, “X-Men, O Inicio” é o perfeito recomeço para uma série que estava a começar a perder gás de uma forma preocupante e uma boa maneira de passar duas horas divertido numa sala de cinema. A ver sem reservas e, já agora, escusam de ficar até ao fim do longuíssimo genérico, porque desta vez não nenhuma daquelas cenas-extra a que a Marvel nos foi habituando nos seus filmes.
(“X-Men, O Início”, de Mathew Vaughn, com Michael Fassbender, James MacAvoy, Kevin Bacon, Jennifer Lawrence e January Jones, Twentieth Century Fox, 2011
Em exibição em Coimbra nos cinemas Zon Dolce Vita e Coimbra Fórum)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 18/06/2011

Transeforme, as metamorfoses de Moebius na Fundação Cartier

2011-06-16T12:28:00.000+01:00

Depois de ter exposto dois cadernos de croquis de Moebius, em 1999, no âmbito da exposição 1 Monde Reél, mostra que explorava as ligações entre a realidade, a ficção e a ficção científica, a Fondation Cartier pour l’Art Contemporain, regressou ao universo de Jean (Moebius) Giraud, com Transeforme, uma grande mostra que ocupou todo o espaço da Fundação entre 12 de Outubro de 2010 e 13 de Março de 2011.

Subordinada ao conceito da metamorfose, bem presente na obra de Moebius, a mostra da Fundação Cartier fez justiça ao impressionante universo visual de Moebius, através de uma grande exposição, com uma forte componente multimédia, que foi um sucesso junto do público e da crítica especializada. Espalhada por dois pisos do edifício da Fundação Cartier, a mostra estava dividida em duas partes. A primeira, correspondente ao piso térreo, está dividida em seis núcleos, correspondendo aos principais personagens que marcam a obra de Jean Giraud, incluindo o próprio Moebius, que abre o percurso expositivo com um núcleo de auto-retratos, centrado na série Inside Moebius. Segue-se Blueberry, Arzach, o Major Grubert, John Difool e Stel e Atan, os protagonistas da série Le Monde D’ Edena.

Em termos de exibição do material exposto, a exposição seguia aquela que deve ser a nova moda expositiva (pois já o novo Museu da BD em Angoulême segue esse mesmo esquema), com os quadros na parede a darem lugar a mesas-vitrine corridas, que permitem colocar lado a lado, pranchas originais, objectos e material impresso. Neste caso as mesas-vitrine tinham uma disposição que pretendia simular a forma do anel de Moebius, enquanto as fachadas de vidro do edíficio acolhiam grandes ampliações, com mais de três metros, de desenhos de Moebius. Do lado da entrada, a imagem a cores que foi usada no cartaz, do outro lado, reprodução de um desenho do port-fólio 40 Days dans le Desert B, numa demonstração evidente de como os desenhos de Moebius aguentam perfeitamente uma grande ampliação.

Ao ter, lado a lado com as versões impressas, os originais das principais obras de Moebius (a excepção é Les Yeux du Chat, cujos originais Moebius ofereceu como prenda de casamento a Jean-Pierre Dionet… e que este perdeu durante a lua de mel) um pormenor que realça imediatamente é que, ao contrário do que é habitual na maioria dos autores, os desenhos de Moebius muitas vezes são desenhados num formato inferior àquele em que vão ser publicados, algo evidente na série Arzach e nos cadernos do Major Grubert. Por outro lado, na série Blueberry, os formatos variam de álbum para álbum, embora a maioria seja desenhada em meias páginas em formato A3, como é o caso de Mister Blueberry, que podia ser lido num grande volume encadernado com as reproduções facsimiladas das pranchas originais.
Ainda no piso térreo, estava em exibição La Planète Encore, um filme de 8 minutos em 3D, baseado num episódio de Le Monde D’ Edena, e que, a seguir ao Avatar, de James Cameron, foi, de longe, a mais impressionante utilização da tecnologia 3D que tive ocasião de ver!

A segunda parte da exposição, que ocupava o piso subterrâneo, desenvolvia o tema da metamorfose na obra de Moebius, com uma das paredes, que a pintura transformou no Deserto B, a receber uma série de quadros de Moebius, enquanto a parede oposta estava ocupada por reproduções em muito grande escala dos desenhos de Le Chaseur Deprimé, a última aventura do Major Grubert, ficando a parede do fundo para outros trabalhos, como os desenhos sobre as faunas de Marte. Além disso, havia uma série de torres cúbicas que nasciam do chão e que tinham na face superior, reproduções de ilustrações de Moebius, iluminadas por trás, o que as tornava ainda mais espectaculares.

Nesta segunda parte da exposição, a componente multi-média ficava a cargo de Metamoebius, um filme documentário relativamente interessante, escrito e realizado por Damian Pettigraw, que tentava reproduzir, sem grande sucesso, o ambiente da série Inside Moebius e que estava à venda em DVD na loja da Fundação, no 2º piso. Uma loja onde, além dos livros de Moebius e do excelente catálogo, já esgotado, era possível comprar diverso mershandising moebiusiano, desde imãs para frigoríficos, lápis de cor, até livros para colorir, num bom exemplo de como a Fundação Cartier trabalha os diferentes públicos e explora comercialmente todas as potencialidades das exposições que promove.

Se em França, o facto de um autor de BD ter a sua obra exposta num museu com o prestígio da Fundação Cartier, já há muito que não é propriamente novidade (na altura em que visitei a exposição, em Dezembro, de 2010, só em Paris havia mais duas exposições de BD em Museus: a mostra Cent Pour Cent, em que participaram os portugueses António Jorge Gonçalves, Filipe Abranches e Luís Henriques, estava na Biblioteca Fornay; enquanto que a exposição Archi & BD: La Ville Dessinée, estava na Cité de l’Architecture et du Patrimoine), não deixa de ser verdade que esta exposição, até pelo impacto que teve em termos de comunicação social, ajudou a fazer chegar o fabuloso trabalho de Moebius junto de um público mais alargado do que o dos meros fãs da Banda Desenhada.
Texto originalmente publicado no BD Jornal nº 27, de Maio de 2011

Um punhado de imagens do VII Festival de Beja

2011-06-14T02:12:00.001+01:00

Terminou ontem mais uma edição, a 7ª, do Festival Internacional de BD de Beja. Momento portuno para um balanço desta edição e para aqui deixar um punhado de imagens do Festival, imagens essas tiradas com o Iphone, pois esqueci-me de levar a máquina fotográfica, e que, por isso, nem sempre terão a qualidade ideal...
Quanto ao Festival em si, continua a ser dos mais agradáveis em que já estive, pela convivência descontraída que permite entre o público e os autores.

Esse lado informal, evidente nas sessões de autógrafos, também tem o problema de não se conseguir identificar os autores menos conhecidos. Aconteceu-me isso com Bernardo Carvalho, o ilustrador que foi um dos fundadores da editora Planeta Tangerina, editora que publica os mais belos livros infantis feitos em Portugal, que acabei por não conseguir descobrir quem era e quase que me ia acontecendo o mesmo com Plabo Auladell, outro fantástico ilustrador de quem consegui um autógrafo mesmo á última da hora, graças à preciosa dica da Sara Figueiredo Costa (obrigado, Sara!) que mo descreveu como tendo um "(des)penteado à Nuno Markl"... O que só prova que os crachás que os autores trazem em Festivais como a Amadora, têm a sua utilidade!
De resto, tanto Loustal como Milazzo (os autores cujo trabalho mais me interessa e com quem mais contactei) estiveram à altura das expectivas, distribuindo autógrafos e simpatia.

Quanto à exposições, o facto da cenografia ser a mesma do ano passado,mostra que o tempo é de poupanças, mas a qualidade do material exposto compensava! Pela quantidade e qualidade do material exposto, destaque para as exposições de Fernando Relvas e Ivo Milazzo. No polo oposto, estavam as mostras dedicadas a Rui Lacas e aos Portugueses na Marvel, que mereciam um espaço maior que permitisse expor mais originais.
Referência ainda para os originais de Andrea Bruno, Loustal e Liam Sharp, para as páginas a preto e branco de Ricardo Cabral de "Evereste", que me fazem pensar que o livro teria ficado bem melhor a preto e branco e para o divertido vídeo que acompanhava a exposição dos 10 anos do Menino Triste, de João Mascarenhas.
Continuo a achar que a descentralização das exposições pela cidade não funciona e este ano, que não houve a tradicional visita das exposições ao fim do dia de sábado, confesso que a única exposição que vi fora da Casa da Cultura, foi a magnífica exposição de Bernardo Carvalho, na cave da Biblioteca Municipal José Saramago, mesmo em frente à Casa da Cultura.
Destaque para a evidente melhoria do Mercado do Livro, onde a oferta subiu exponencialmente em termos de quantidade e variedade. Uma boa notícia para os leitores e para os livreiros, pois pela parte que me toca, enquanto estive no Festival vi bastantes livros da Dr Kartoon a serem vendidos.
E aqui ficam então as imagens possíveis do 1º fim-de-semana, que me permitiu (re)encontrar inúmeros amigos e conhecidos da tribo da BD.

Pormenores da exposição de Fernando Relvas

Exposição de Ivo Milazzo

Exposição de Bernardo Carvalho na Biblioteca José Saramago

Portugueses na Marvel

Rui Lacas

Ricardo Cabral

Loustal

Pablo Auladell

O Elogio da dupla, a propósito de Ivo Milazzo

2011-06-09T20:26:00.000+01:00

De Pratt a Manara, de Battaglia a Toppi, de Giardino a Magnus, de Buzelli a Gianni de Luca, de Liberatore a Crepax, passando pelas dezenas de artistas que todos os meses produzem milhares de páginas para as revistas da editora Bonelli, Itália é um verdadeiro viveiro de grandes desenhadores de Banda Desenhada, tal como o foi, durante o Renascimento, de pintores, escultores e arquitectos.
Ivo Milazzo, o mestre italiano que o Festival de BD de Beja traz finalmente a Portugal, é um desses Mestre dos fumetti, nome dado à BD em Itália. Um desenhador com uma carreira de quarenta anos, marcada pela diversidade de géneros, numa fase inicial, que abarca desde histórias de Tarzan para o mercado francês, até coisas tão díspares, como o Pato Donald ou Tio Patinhas, até Diabolik, antes de se decidir definitivamente pelo estilo realista, patente nos seus trabalhos para as séries Nick Raider e Mágico Vento, para só falar nas séries da Bonelli em que colaborou.

Mas, para mim, o nome de Ivo Milazzo, evoca imediatamente outro nome, o do argumentista Giancarlo Berardi, com quem forma uma das mais sólidas duplas dos fumetti, responsável, entre (muitas) outras coisas, pela série Ken Parker, único título da dupla editado em Portugal, primeiro na revista Selecções BD e posteriormente pela Asa, em dois belos álbuns a cores.
Criado em 1974, Ken Parker chegaria às bancas italianas com revista própria em 1977, numa arriscada (mas bem sucedida) aposta do editor Sérgio Bonelli num western diferente do Tex que lhe deu fama e fortuna. Um Western mais intimista, mais próximo da natureza, protagonizado por pessoas vulgares, que vivem os seus dramas como qualquer mortal. Mais do que um cowboy, Parker é um caçador, na linha da personagem interpretado por Robert Redford no filme Jeremiah Johnson, de Sidney Polack (que passou em Portugal com o título As Brancas Montanhas da Morte) a quem aliás vai buscar os traços fisionómicos.

Num mercado como o italiano, em que as equipas criativas alternam bastante, Berardi e Milazzo constituem um caso à parte, assumindo Ken Parker como um projecto marcadamente pessoal, que traduz os gostos e as referências cinematográficas e literárias dos seus criadores, alimentadas numa infância e adolescência passadas em grande parte nos cinemas de Génova.
Depois de ter descoberto com Ken Parker, o traço personalizado de Milazzo, um desenho extremamente depurado, mas de grande força plástica e rigor de composição, com um enorme dinamismo, na linha de outro grande mestre italiano, Hugo Pratt, voltei a encontrá-lo em Sangue no Colorado, um “Texone” escrito por Claudio Nizzi, em que o desenhador prova que está tão à vontade nas aventuras cheias de acção do ranger Tex, como a desenhar as aventuras mais intimistas do caçador Ken Parker.

Graças às edições da Mythos e da Ópera Gráphica, importadas do Brasil, pude ir matando saudades da dupla Berardi/Milazzo, em aventuras de Ken Parker, ou em histórias curtas sem heróis, como as recolhidas nos álbuns Contrastes e Noturno, mas do que li, os momentos mais inspirados desta dupla em perfeita sintonia, são duas histórias de Ken Parker: A Terra dos Heróis, uma pérola de metalinguagem, em que os autores surgem com personagens e o herói dialoga com os leitores, repleta de homenagens cinematográficas e Um Príncipe para Norma, em que o traço depurado de Milazzo dialoga com o desenho carregado de Giorgio Trevisan, numa belíssima homenagem a Marilyn Monroe.

Mais recentemente, voltei a encontrar o desenho de Milazzo, agora enriquecido pela cor directa, em Impeesa, uma biografia em BD de Baden Powell, o fundador do escutismo, escrita por Paolo Fizzarotti, mas, apesar da eficácia do argumento de Fizzarotti, confesso que senti alguma estranheza quando me apercebi que, na capa, ao lado do de Milazzo, estava outro nome que não o de Berardi…
Texto originalmente publicado no nº 7 da revista Splaft!, em Maio de 2011

Marini regressa com As Águias de Roma

2011-06-07T00:28:00.000+01:00

Num mercado, como o da BD nacional, em que os números de vendas são tratados como segredos de Estado, a única maneira de atestar o sucesso de uma série, ou autor, é ver se a editora continua a apostar nele, lançando com regularidade os seus livros.

Por esse prisma, o desenhador suíço Enrico Marini, de quem a Asa já publicou em Portugal as séries “Rapaces”, “Gipsy” e “O Escorpião”, tem certamente leitores fieis em Portugal, como o prova a saída, com apenas um mês de diferença dos dois volumes disponíveis de “As Águias de Roma”, série que assinala a estreia de Marini, como autor completo, assinando simultaneamente o texto e os desenhos desta série ambientada no Império Romano na época do Imperador Augusto.

Protagonizada por dois jovens, Marcus, filho de um oficial romano e Ermanamer, filho de um príncipe da Germânia, levado para Roma como refém e rebaptizado Caius Julius Arminius, que são criados juntos como irmãos, a história de “As Águias de Roma” segue esses dois personagens que, é fácil de perceber desde o começo, o destino vai colocar em confronto, tendo como pano de fundo a história de Roma, reconstituída com rigor e detalhe por Marini, aqui ao seu melhor nível em termos gráficos, tanto do desenho, sempre magnífico, como da aplicação da cor.
Apesar do evidente rigor da pesquisa histórica e da reconstituição da Roma Imperial, o ambiente histórico funciona sobretudo como pano de fundo, para uma história de amizade, onde não falta a acção e o sexo.

Ao contrário de uma série como “Murena”, de Dufaux e Delaby, que procura trazer a história de Roma para primeiro plano, Marini dá primazia à acção. E a verdade é que não se sai nada mal, fazendo um trabalho eficiente como argumentista e superlativo como desenhador.
Claro que podemos sempre pensar que esta história poderia ter outra dimensão, se tivesse sido escrita por Dufaux ou Desberg, dois argumentistas com quem Marini já trabalhou (respectivamente, nas séries “Rapaces” e “O Escorpião”) mas, a verdade é que, mesmo sem surpreender, ou muito menos deslumbrar, Marini é bem capaz de contar uma história em BD, sem necessitar de um argumentista.
(“As Águias de Roma I”, de Marini, Asa, 64 pags, 16,50 €
“As Águias de Roma II”, de Marini, Asa, 64 pags, 16,50 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 4/06/2011

Evocando Paul Gillon (1926 -2011)

2011-05-30T23:56:00.000+01:00

Decididamente, este mês de Maio de 2011 está ser particularmente nefasto para os autores de BD. Depois do argumentista argentino Carlos Trillo, e do desenhador e ilustrador norte-americano Jeff Jones, eis que chegou a vez do desenhador francês Paul Gillon nos deixar.

Desaparecido no passado sábado, 21 de Maio, dez dias depois de ter completado 85 anos, Gillon mantinha-se ainda em actividade, estando a desenhar o quarto e último álbum da série “L’Ordre de Ciceron”, um triller judiciário escrito pelo advogado Richard Malka, que deverá ser terminado por François Boucq.
Nascido em 1926, Gillon teve uma carreira tão longa como produtiva, começando a trabalhar como ilustrador aos 17 anos, para nunca mais parar. A sua carreira está ligada às principais revistas e jornais franceses, como Le France Soir, onde publicou durante 13 anos, entre 1959 e 1972 a tira diária "13, Rue de L’espoir", um drama romântico que teve um sucesso estrondoso e revelou o seu talento para o desenho da figura feminina, na linha de Alex Raymond e Stan Drake.

Esteve ligado também às revistas Vaillant, onde se estreou na BD, em séries como “Le Lynx Blanc” e “Fils de Chine”, Pif Gadget, Metal Hurlant e Echo des Savanes, onde publicou “La Survivante”, uma série de ficção científica sobre a última mulher num mundo povoado por robots, que foi recentemente reeditada em França em edição integral e “Jehanne”, uma controversa biografia em BD de Joana D’Arc, que desfaz a imagem da guerreira virgem.

Mas a sua obra mais marcante, é “Les Naufrages du Temps”, uma série de ficção científica, a meias com Jean-Claude Forrest, o criador de Barbarella, de que apenas foram publicados em Portugal os 3 primeiros álbuns, pela Agência Portuguesa de Revistas, nos finais dos anos 70 do século XX.
Finalmente, em 2004, os leitores portugueses tiveram um último contacto com a obra de Gillon, através da série “O Decálogo”, a saga criada por Frank Giroud, cujo oitavo volume, “Os Conjurados”, é desenhado precisamente por Gillon. Mais um mestre clássico do desenho realista, tão à vontade na ficção científica, como na BD histórica, que nos deixa, deixando mais pobre a BD franco-belga.
Versão integral do texto publicado no "Diário As Beiras" de 28/05/2011

VII Festival de BD de Beja começa este sábado

2011-05-27T00:21:00.002+01:00

É já este sábado, dia 28 de Maio que começa mais uma edição do Festival Internacional de Banda Desenhada de Beja. Como já é hábito, o primeiro fim de semana é o mais animado, pois é aquele em que estão presentes os convidados. Eu Vou lá estar. Apareçam também!
Para vos abrir o apetite, aqui fica a lista das exposições e dos autores presentes. è só clicar na imagem para ver mais em pormenor:

Jorge Miguel regressa à BD com o Fado Ilustrado

2011-05-21T15:57:00.001+01:00

Depois de uma estreia fulgurante com “Camões, De Vós não Conhecido nem Sonhado”, em 2008, Jorge Miguel regressa à Banda Desenhada com este “O Fado Ilustrado”, lançado pela Plátano Editora, no passado mês de Abril.

O livro, segundo trabalho em BD do pintor, ilustrador e desenhador publicitário nascido na Amadora, foi inicialmente pensado para sair em 2010, com o título “Res Pública”, aproveitando as comemorações do Centenário da República, mas acabou por sofrer alguns percalços, devido a desentendimentos entre o desenhador e a argumentista com quem trabalhou, que obrigaram Jorge Miguel a reformular a história. Assim, este “O Fado Ilustrado”, na prática é um outro álbum, mas que mantém o pano de fundo dos acontecimentos que levaram à queda da República, e encontra no quadro “O Fado”, de Malhoa, o fio condutor para esta história onde se cruzam Eça de Queirós, Ramalho Ortigão, José Malhoa, Joshua Benoliel, e o Rei D. Carlos, com os membros da Carbonária, organização terrorista que tentou depor a monarquia à bomba, e o submundo de Alfama, onde nasceram grandes fadistas, como a Severa, ou Adelaide, “a órfã do fado”, personagem fictícia que vai ser a grande protagonista desta história, onde não faltam “piscadelas de olho”, ao leitor, como a presença do actor Vasco Santana no papel de taberneiro.

Misturando, de forma equilibrada, a História com as pequenas estórias e com a ficção, Jorge Miguel consegue um relato equilibrado e de leitura agradável, bem servido por um traço semi-caricatural, de grande eficácia, complementado por um bom sentido narrativo e de planificação, que mostram que estamos perante um autor que sabe perfeitamente contar uma história através da linguagem da Banda Desenhada.
Ao contrário do que aconteceu em “Camões…”, onde assegurou desenho e cor, desta vez Miguel entregou as cores nas mãos (e no computador) de João Amaral e, embora o resultado seja eficaz, depois de ver as pinturas que Jorge Miguel tem no seu site, confesso que gostaria de ver um álbum seu inteiramente realizado em cor directa.

Referência ainda para a capa do livro. uma capa pouco convencional, branca e com um arranjo gráfico de texto e imagens que simula um jornal da época, ou um número da revista “Ilustração Portuguesa” (incluindo um anúncio à Fábrica de Cerâmica das Caldas de Raphael Bordallo Pinheiro), com o texto das notícias a ser substituído por excertos de “Os Maias” de Eça de Queirós. Ou seja, uma capa diferente que, até por isso, não passará certamente despercebida nas prateleiras das livrarias.

(“O Fado Ilustrado”, de Jorge Miguel, Plátano Editora, 48 pags, 12,0 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 21/05/2011

Tintin no cinema

2011-05-19T17:03:00.000+01:00

Depois das imagens que foram sendo libertadas de forma parcimoniosa ao longo dos meses, eis que chega finalmente o primeiro trailler de Tintin e le Secret de la Licorne, o primeiro filme de Tintin produzido por Steven Spielberg e Peter Jackson, com realização do primeiro.

O filme vai estrear primeiro na Europa, onde a personagem é bem mais conhecida, em finais de Outubro, seguindo-se a estreia americana a 23 de Dezembro, a tempo do Natal. Apesar do detalhe e da qualidade da animação digital, confesso que não fico muito convencido com o resultado visível neste trailler, mas vai ser preciso esperar pela estreia do filme, para se ter a certeza se o herói de Hergé funciona tão bem em cinema como em Banda Desenhada.

Evocando Carlos Trillo

2011-05-15T02:28:00.001+01:00

Carlos Trillo, o mais importante argumentista argentino da actualidade faleceu no passado domingo, dia 8 de Maio, a uma semana de completar 68 anos, em Londres, onde se encontrava de férias com a mulher, deixando bem mais pobre o mundo da Banda Desenhada.
Nascido em Buenos Aires em 1943, Trillo é um nome incontornável da BD mundial, não só pelo seu trabalho como argumentista (incontornável, tanto em termos de quantidade como de qualidade, como o provam os prémios que ganhou em Lucca e Angoulême) mas por toda uma vida ligada à Banda Desenhada, quer como chefe de redacção das revistas “Satiricon” e “Mengano” quer ainda como autor de uma “História da BD Argentina”, escrita em colaboração com Guillermo Saccomanno.

O mesmo Saccomano com quem realizou aquela que seria a última entrevista a Hector G. Oesterheld, o célebre argumentista argentino, (colaborador habitual de Alberto Breccia e Hugo Pratt) “desaparecido” às mãos da ditadura militar, em 1978. Essa notável entrevista, publicada entre nós no Tintin português, em inícios dos anos 80, pode ser vista quase como uma passagem de testemunho de Oesterheld ao escritor que iria ocupar o seu espaço. E a verdade é que, tal como Oesterheld é uma referência incontornável da BD argentina, não é possível fazer a história da BD de língua espanhola, sem falar do argumentista Carlos Trillo.

A obra de Carlos Trillo é vastíssima, e incluí colaborações com os maiores desenhadores desse inesgotável filão que é a Argentina: de Alberto e Enrique Breccia, a Altuna e Juan Gimenez, passando por Carlos Meglia, Mandrafina, Eduardo Risso, Juan Bobillo, Lucas Varela e pelos espanhóis Fernando Fernandez e Jordi Bernet. E, embora nem todos os seus trabalhos atinjam o nível do magnífico “El Ultimo Recreo”, que escreveu para Altuna, ou do premiado “A Grande Farsa”, que Mandrafina ilustrou, a verdade é que, mesmo quando não é brilhante, Trillo consegue ser, no mínimo, tremendamente eficaz.

Em Portugal apenas saiu uma pequena parcela da sua obra, ainda assim representativa do seu talento e versatilidade. É o caso de “Vídeo Inferno”, uma eficaz colaboração com Eduardo Risso e, sobretudo, de “A Grande Farsa”, com desenhos de Mandrafina. Parábola inspirada às ditaduras militares, que o argumentista argentino sentiu bem na pele, esta história, que poderia muito bem ter saído da caneta de um Gabriel Garcia Marquéz, alia a crítica social a um toque de realismo mágico tipicamente sul-americano, numa narrativa assumidamente teatral, em que as personagens se dirigem ao leitor, comentando a acção, como num coro grego. Justamente galardoado com o Prémio para o Melhor Álbum estrangeiro, no Festival de Angoulême de 1998, este álbum é um belíssimo exemplo do talento literário de Carlos Trillo.
Imperdível é igualmente, “Buscavidas”, em que Trillo escreve uma história por medida para o talento de Alberto Breccia, o mesmo já não se podendo dizer de “Bird”, uma série em 3 volumes, desenhada por Juan Bobillo, em que o argumentista inspirado, dá lugar ao narrador apenas eficaz.

Maior do que a lista de títulos de Trillo publicados no nosso país, é a das séries começadas, mas que ficaram incompletas. Desde a série “Fulú”, de que só saíram os dois primeiros álbuns, ou “Eu, Vampiro”, outra série escrita para Eduardo Risso, de que falta publicar o último volume, até “Alvar Mayor”, série desenhada por Enrique Breccia, de que apenas foram publicados os primeiros episódios, na revista “Selecções BD”, os exemplos não faltam.
E, além do já citado “El Último Recreo”, com Altuna, com quem fez também o excelente “Las Puertitas del Senõr Lopez”, nunca tivemos oprtunidade de ler em português, outras pérolas como “Chicanos”, a sua melhor colaboração com Eduardo Risso, o monumental “Spaghetti Brothers, com Mandrafina, e “Custer”, com Jordi Bernet, que antecipa, em mais de 20 anos, os fenómenos televisivos, como o “Big Brother”.

Tive o privilégio de conhecer pessoalmente Trillo aquando da sua passagem por Portugal, na companhia de Eduardo Risso, em 2003, a convite do Festival da Amadora e recordo alguém extremamente simpático, culto e com um genuíno interesse pela BD que se fazia em Portugal, tendo mesmo trocado alguns mails com ele, a propósito, entre outras coisas, da Pior Banda do Mundo, de José Carlos Fernandes, que ele descobriu através da edição espanhola e de que ficou fã incondicional.
Digno sucessor de Oesterheld, no exigente cargo de melhor argumentista argentino em actividade, Trillo junta-se demasiado cedo ao seu mestre, deixando ainda muitas histórias por contar, mas muitas mais publicadas, que nos permitem sempre recordar o seu imenso talento.
Versão alargada do texto publicado no Diário As Beiras de 14/05/2011

50 Anos de Astérix em Portugal

2011-05-10T12:22:00.001+01:00

Passaram esta quarta-feira, 4 de Maio, precisamente 50 anos sobre a estreia de Astérix em Portugal, nas páginas da revista “Foguetão”, publicação de curta vida dirigida por Adolfo Simões Muller, apenas ano e meio depois da sua publicação original em França, na revista “Pilote”. Uma estreia discreta, a preto e branco, ou apenas a uma cor, que não deixava antever o futuro sucesso no nosso país do irredutível gaulês criado por Goscinny e Uderzo.

Apesar da excelência do material que publicava, que Incluía as séries “Tintin”, publicada a cores nas páginas centrais, “Gaston Lagaffe” (rebaptizado Zacarias), “Michel Vaillant” (transformado no mais português Miguel Gusmão…), “Blake e Mortimer”, Vallardi, de Jijé, e “Dan Dare” (Capitão Marte, na versão portuguesa), de Frank Hampson, o “Foguetão” apenas voou durante 13 números, e as melhores séries, entre as quais, “Astérix” passaram para a revista “Cavaleiro Andante”, outro título também dirigido por Simões Muller.

Embora tenha passado por vários outros títulos, foi na versão portuguesa da revista “Tintin”, onde se estreou com “Astérix e Cleópatra”, que Astérix viu publicadas a maioria das suas aventuras, com um formato, papel e impressão, finalmente à altura das edições originais.
Em álbum, o percurso da série também foi movimentado, desde a estreia em 1967, com o lançamento simultâneo de “Astérix, o Gaulês” e “Astérix entre os Bretões”, numa coedição entre a Editorial Ibis e a livraria Bertrand, a que se seguiram edições da Verbo, Círculo de Leitores, Meribérica, Salvat e Asa, a actual detentora dos direitos da série que, desde 2005 tem vindo a publicar as aventuras de Astérix, com uma nova tradução, que tomou a opção (bastante discutível) de aportuguesar os nomes da maioria das personagens.

E, para comemorar condignamenteo cinquentenário português de “Astérix”, a Asa procedeu este ano à impressão de 32 álbuns de Astérix: 22 reimpressões e 10 novidades.
A primeira dessas novidades que não é propriamente Banda Desenhada, “À Procura de… Astérix” é um livro na linha da série “Onde Está o Wally”, dedicado aos mais novos leitores das aventuras deste herói e foi lançada em finais de Fevereiro. Até ao final do ano serão lançados 9 livros de uma nova colecção de pequeno formato, que versa os principais personagens da série, sendo que os 3 primeiros livros desta nova colecção estarão disponíveis no mercado já em Maio.

E, para aproximar ainda mais os leitores portugueses dos irredutíveis gauleses, a ASA está a preparar a tradução de conteúdos e o lançamento do site Astérix em Português, o qual se prevê esteja on-line já no início de Junho.
Notícias que deverão agradar a Uderzo, o único dos criadores de Astérix que ainda está vivo e que ultimamente, desde disputas familiares sobre a sua decisão de vender parte dos direitos da série à editora Hachette, que assim poderá continuar a série após a morte de Uderzo, até aos problemas com o Fisco francês, que não o reconhece como autor de pleno direito dos álbuns escritos por Goscinny, não tem tido propriamente vida fácil.
(versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 7/05/2011

Le Chat du Rabin chega ao cinema

2011-05-05T23:34:00.000+01:00

Depois do sucesso de Gainsbourg, Vie Heroique, o autor de BD Joann Sfar, tem um novo filme pronto a estrear. Desta vez, é a versão em animação de Le Chat du Rabin (série de que a Asa lançou os três primeiros volumes com o jornal Público. O filme, que chega às Salas de cinema francesas já no próximo dia 1 de Junho, foi realizado por Sfar e Deslesvaux produzido pelo estúdio Autochenille Productions, de Sfar, Clément Oubrerie e Antoine Delesvaux, com um orçamento estimado em 12,5 milhões de euros.
Além de Sfar e de Oubriere, outros actores de BD, como Christophe Blain (Isac, o Pirata) e Gradimir Smudja (Vincent e Van Gogh)participaram também no filme, só possível graças ao sucesso de "Persepolis#, que mostrou que havia um público para este tipo de adaptações. Agora é esperar para ver se o filme de Sfar chega a Portugal, nem que seja em DVD, ou na próxima Festa do Cinema Francês. Até lá, aqui fica o trailer.

Pop Rock português regressa em BD

2011-05-02T22:59:00.000+01:00

Quando decidiu associar a música à Banda Desenhada, numa colecção que juntava em cada volume, um ou dois CDs com uma selecção dos melhores temas de um músico, ou cantor, com a biografia em Banda Desenhada desse mesmo artista, a editora francesa Nocturne teve uma excelente ideia. Um conceito que foi aplicado primeiro ao jazz, mas que, face ao sucesso conseguido, rapidamente se alargou à World Music, à musica dos filmes e ao rock e à música clássica.
Inicialmente disponíveis em Portugal apenas nas lojas da cadeia FNAC, alguns títulos desta colecção tiveram mais tarde direito a uma edição especial com o jornal “Diário de Notícias”, adaptada ao mercado nacional, em que algumas das BDs originais francesas foram substituídas por histórias de autores portugueses, escritas por João Paulo Cotrim e desenhadas por João Fazenda, Pedro Nora, Fernando Martins e João Moreno, para além de Pedro Zamith, o único desenhador português a participar na colecção original, com um volume dedicado a Frank Sinatra.
Em 2008, a editora Tuga Land decidiu ir um pouco mais longe e utilizar o conceito da Nocturne para o Pop/Rock nacional, para o fado e para a música clássica. Se as colecções dedicadas ao fado e à música clássica se ficaram pelo primeiro volume, do Pop-rock saíram quatro volumes entre 2008 e 2009, dedicados aos maiores nomes da moderna música portuguesa.

Com coordenação editorial de João Paulo Cotrim, a colecção abriu com o volume dedicado aos Xutos & Pontapés, que foi apresentado no Festival de Amadora de 2008, antes de chegar às lojas FNAC, em inícios do mês de Dezembro desse ano.
Assinado por Alex Gozblau, este primeiro volume foi também o escolhido para dar início à colecção que vai ser distribuída com o jornal “Diário de Notícias nas próximas 15 semanas e que, além de alguns dos volumes inicialmente, publicados, como o dedicado aos Trovante por Maria João Worm, ou de Jorge Palma, de Susa Monteiro (o volume sobre José Cid, da autoria de Pedro Zamith, ficou de fora deste novo alinhamento), traz mais 12 volumes inéditos dedicados aos nomes mais representativos do pop rock nacional das décadas de 80 e 90 do século XX.

Em relação a este primeiro volume, o resultado é muito interessante, não só pelo excelente trabalho gráfico habitual a Gozblau, mas pela forma como este não se limita a traçar a biografia dos Xutos, mas cria uma história (autobiográfica?), que mostra como a música dos Xutos marcou toda uma geração (que foi também a minha) de adolescentes que descobriu a música no início da década de 80.
Mas se em termos de BD, esta colecção parece estar à altura das expectativas, vamos a ver em termos de música, pois quando foram lançados inicialmente os volumes trazem álbuns isolados que nem sequer são muito representativos da carreira dos autores, como era o caso do disco “Dados Viciados” em relação aos Xutos, desta vez, substituído, e bem, pelo seminal disco “Cerco”.

Depois desta estreia em beleza com os Xutos (embora me pareça que fazia mais sentido começar a colecção com um volume inédito) há que estar atento ao resto da colecção, pois de Nuno Saraiva (já na próxima semana com os GNR) até Rui Lacas (Sétima Legião), passando pelos restantes grupos e autores de BD, o melhor do Pop-Rock e da BD portuguesa passam mesmo por aqui.
(“Xutos & Pontapés”, de Alex Gozblau, Tuga Land/Diário de Notícias, 38 pags + CD, 8,99 €, todas as sextas-feiras com o Diário de Notícias e o Jornal de Notícias)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 30/04/2011

O Museu, 12 anos depois de Abril

2011-04-26T00:43:00.002+01:00

Ao contrário do Parlamento português, não quis deixar passar em claro mais um aniversário do 25 de Abril de 1974. E, por isso, lembrei-me de recuperar aqui "O Museu", uma Banda Desenhada ilustrada pelo Miguel Rocha e escrita por mim e pelo João Ramalho Santos e que saiu em 1999 no jornal "Público", no âmbito de um projecto, coordenado pelo Nuno Saraiva, que a propósito dos 25 anos do 25 de Abril, publicou 25 BDs de autores portugueses, posteriormente expostas (de forma bastante discreta) na grande Exposição sobre os 25 anos do 25 de Abril, que esteve na Cordoaria Nacional.

Lembro-me que entrámos neste projecto à última da hora, a substituir o Filipe Abranches, mas foi uma história muito fácil de fazer e o único dos nossos projectos Abrileiros (além desta história, nesse ano de 1999 houve também a exposição "Uma Revolução Desenhada" e respectivo catálogo, feita com o João P. Boléo, para o Centro de Documentação 25 de Abril e a BD, "A Revolução Interior", editada pela Afrontamento, que o José Carlos Fernandes ilustrou) que não foi feito por mail. Neste caso, aproveitando uma curta vinda do João Ramalho, que na altura estava a morar nos EUA, a história foi escrita e planificada (podem ver uma página com a planificação das 3 primeiras tiras, que mostra bem o meu grande talento gráfico) numa noite, em minha casa, depois de um jantar bem regado.
O resto coube ao talento do Miguel Rocha, que desenhou uma bela história, integrando perfeitamente as imagens que lhe fornecemos, com os seus desenhos, a que a reprodução no jornal não faz obviamente justiça. Deixo-vos com a história e com a descrição feita pelo Miguel Rocha ao jornal Público, no dia em que saiu a 1ª tira: "A história desta BD, que nem é bem uma história, mas mais um percurso iconográfico através do fascismo e do periodo pós-revolucionário, foi construída pelos dois Joões. Eu só tive que ilustrar esse texto, criando uma linha narrativa que tem como fio condutor um personagem - o guarda do museu".

Projecto Zona regressa com Zona Monstra

2011-04-23T16:32:00.000+01:00

Aproveitando a “boleia” do Monstra, o Festival de Animação de Lisboa, o projecto “Zona” acaba de lançar mais uma revista, a “Zona Monstra”, a sexta desde a publicação de “Zona Zero”, em 2009.
Se o “Zona Negra 2”, lançado após alguns percalços com a impressão, em finais de 2010, já revelava grandes progressos em relação ao primeiro “Zona Negra”, este “Zona Monstra”, servido por uma excelente capa de Filipe Andrade, que é entrevistado no interior (tal como Joana Afonso) é claramente o título mais consistente saído do projecto “Zona.

Depois de “Zona Zero”, dos dois “Zona Negra”, de “Zona Fantástica” e dos dois “Zona Gráfica”, este “Zona Monstra” mostra que o projecto coordenado por Fil e André Oliveira e publicado pela Associação Tentáculo, tem sabido crescer de forma sustentada, dando oportunidade a um número cada vez mais alargado de autores nacionais (e alguns estrangeiros, como os brasileiros Bruno Bispo e Victor Freund e os argentinos Locato e Rodolfo Buscaglia) de exercitarem as suas capacidades gráficas e narrativas em histórias curtas.

E, mais uma vez, é precisamente a nível das histórias que esta “Zona Monstra” apresenta maiores debilidades, bem visíveis, por exemplo, em “Parasitóide”, em que o excelente trabalho gráfico e de cor de André Lima Araújo e de Daniel “Pez” Lopez está ao serviço de uma história indigente. Se alguns, como André Caetano, que depois de uma história de 2 páginas no "Zona Gráfica" tenta agora uma narrativa de maior Fôlego, conseguem contornar bem o facto de não terem verdadeiramente uma história para contar, a maioria consegue, na melhor das hipóteses, criar argumentos apenas funcionais, que servem de mero pretexto à parte gráfica.

A grande excepção é o delicioso “Animália: Paris Je t’Aime”, de André Oliveira e Pedro Carvalho, uma delirante paródia aos filmes de monstros, em que Amália Rodrigues, transformada numa espécie de King Kong pelo efeito da lua cheia vai destruir a cidade de Paris e combater o Godzavour, o cantor Charles Aznavour transformado em Godzila… Uma história divertidíssima, que não recua perante nenhum cliché (os aviões franceses disparam baguettes…) e que, para mim, fica como o ponto mais alto desta “Zona Monstra”.
(“Zona Monstra”, Vários Autores, Associação Tentáculo, 92 pags, cor, 13,00 €”
Mais informações aqui )
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 22/04/2011

Homenagem a Manuel Caldas, a propósito dos 25 anos do fanzine Nemo

2011-04-19T19:42:00.001+01:00

Há homenagens a que nunca poderia deixar de me associar e a que Manuel Espírito Santo, promoveu a propósito dos 25 anos do fanzine Nemo, a melhor publicação nacional sobre Banda Desenhada, editada por Manuel Caldas, é uma delas. Tendo descoberto o Nemo já na sua segunda série, que se iniciou em 1989, fui dele leitor fiel desde o nº 1, e colaborador regular, desde o nº 14 até ao último número, o nº 30.
Aqui fica então o texto que escrevi para esta homenagem e que está igualmente disponível aqui, juntamente com os contributos de todos aqueles que Manuel Santo convidou para se associarem a esta homenagem a um editor cuja paixão soube contagiar leitores e colaboradores e que vemos acima retratado numa caricatura publicada no nº 9 da 2ª série do "Nemo".

A minha admiração pelo trabalho de Manuel Caldas já vem de longa data. Primeiro apenas como leitor e, mais tarde, como seu colaborador, pois foi nas páginas do saudoso fanzine" Nemo", dirigido pelo Manuel Caldas, que me estreei em 1993, a escrever com um mínimo de profundidade sobre Banda Desenhada. Para além de editor do melhor fanzine sobre Banda Desenhada alguma vez publicado em Portugal, por cujas páginas passaram também, além do próprio Caldas, João P. Boléo, João Ramalho Santos, Domingos Isabelinho, A. Dias de Deus e Jorge Magalhães, Manuel Caldas já nesse tempo se dedicava à reedição de clássicos da Banda Desenhada, restaurados com imenso rigor e paciência, na colecção “Nemo Booklets of Classic Comics”.
São edições artesanais, impressas em fotocópia, de tiragens mais do que limitadas, lançadas com o selo das edições eMeCê, mas que permitiram a Manuel Caldas divulgar as suas paixões a um pequeno grupo de leitores interessados. E, não por acaso, alguns destes títulos publicados pelas Edições eMeCê, como "Lance", de Warren Tuffs, "Dot & Dash" de Cliff Steret e "Foster e Val", o incontornável estudo de Manuel caldas sobre o criador do Príncipe Valente, tiveram mais tarde direito a novas edições, com distribuição comercial, nas chancelas Livros de Papel, ou Librimpressi.
Escolher as duas edições de Manuel Caldas que prefiro, não é fácil. A escolha é complicada face à excelência do seu "Principe Valente", ou à bela ideia de juntar as ilustrações de Doré, com o texto de Edgar Alan Poe e a tradução de Fernando Pessoa, numa magnífica edição de "O Corvo", mas vou optar por duas edições completamente diferentes.

A primeira é uma edição da eMeCê, datada de 2000, fotocopiada e encadernada de forma artesanal, com uma tiragem de apenas 25 exemplares, que recolhe os dozes episódios do melhor Western da BD europeia (Blueberry e Comanche que me perdoem), o magnífico "Sunday", de Victor Mora e Victor de la Fuente. Uma edição em formato "novela gráfica", enriquecida pelo excelente ensaio de Juan António de Blás, que pessoalmente prefiro à reedição "oficial" da Glenat, feita com meios incomensuravelmente superiores.
A segunda, é o mais recente lançamento da Librimpressi, "O Livro do Buraco", de Peter Newell, autor do inicio do século XX (a edição original é de 1908) que ainda hoje surpreende pela originalidade do seu trabalho e que finalmente está a ser (re)descoberto em Portugal, onde também já saiu outro título seu incontornável, "O Livro Inclinado", que a Editora Orfeu lançou em 2010, coincidindo com o centenário da sua publicação inicial.

À (re)descoberta do Quim e Manecas

2011-04-17T01:56:00.000+01:00

Ilustrador, caricaturista e pintor de génio, Stuart Carvalhais é também um nome maior da arte portuguesa da 1ª metade do século XX no que se refere à Banda Desenhada, muito por força da criação da dupla Quim e Manecas, os dois mais populares heróis da história da BD nacional.
É a fase inicial (e a mais interessante) dessa BD mítica, publicada no "Século Cómico", entre 1915 e 1918, que agora se recupera, numa excelente edição da Tinta da China, coordenada por João P. Boléo, tornada possível pelas comemorações do Centenário da Implantação da República, que se cumpriu em 2010.

Quase um século depois da sua criação inicial, as aventuras de Quim e Manecas continuam a surpreender pela sua modernidade e pelo carácter pioneiro do trabalho de Stuart, em termos europeus, utilizando os balões de forma regular, 10 anos antes de Alan Saint-Ogan fazer o mesmo na série “Zig e Puce”. E, se o começo da série mostra apenas dois rapazes traquinas, muito na linha de “Max and Moritz”, de Wilhelm Busch ou dos “Katzenjammer Kids”, de Rudolph Dirks, rapidamente as aventuras do Quim e o Manecas passam a ter uma relação directa com a actualidade do seu tempo, com os dois jovens heróis a terem uma participação activa na I Guerra Mundial, então em curso, ganha pelos aliados muito graças às delirantes invenções do Manecas.
Além disso, Stuart aproveita a série para satirizar artistas e correntes estéticas da época, de Almada Negreiros ao Futurismo, numa série de referências ao seu tempo que a introdução e o útil glossário de João P. Boléo ajuda a descodificar para os leitores do século XXI.

Edição incontornável, que permite ler pela primeira vez na totalidade a fase mais interessante desta pérola da BD nacional, a edição da Tinta da China, servida por um arranjo gráfico superlativo na linha do que Vera Tavares nos habituou, apenas peca pela deficiente reprodução de algumas páginas, que necessitavam de um trabalho de restauro maior do que o efectuado.
Não existindo um único original, a reprodução teve que ser feita a partir dos jornais existentes, dispersos por diversas bibliotecas e colecções, nem sempre bem impressos e muitas vezes encadernados, o que dificulta a digitalização. Além disso, os timings da edição, que tinha forçosamente que sair durante o centenário da República, não permitiram um trabalho mais extenso de restauro das imagens, pelo que, não sendo a edição ideal, esta é a edição possível, e ainda assim, uma bela edição. Edição mais do que necessária de uma obra indispensável, que graças a esta conjugação de esforços, pode finalmente ser descoberta, ou redescoberta, pelas novas gerações de leitores.
(“Quim e Manecas”, de Stuart Carvalhais (Organização, introdução e notas de João Paulo Paiva Boléo), Tinta da China Edições, 240 pags, 44 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 16/04/2011

Sean Philips publica BD na LA Times

2011-04-08T18:23:00.001+01:00

Colaborador habitual de Ed Brubaker, em séries como "Criminal", "Sleeper" e "Incognito", Sean Philips é um desenhador cujo nome se associa imediatamente ao policial negro, género que a série "Criminal veio renovar. Por isso, não estranha que no seu nº de Abril, dedicado ao "noir" a LA Times Magazine traga uma Banda Desenhada de 8 páginas de Sean Philips, a partir de uma história do escritor de romances policiais Dan Wislow. História essa, de que reproduzo acima a 1ª página e que pode ser lida na integra, aqui

E esta não é a primeira vez que Philips é chamado para emprestar o seu traço a projectos deste género. Já em 2008, a famosa editora Criterion, ao lançar em DVD o filme Blast of Silence, de Allen Baron, um clássico do "film noir" de 1961, recorreu aos serviços de Sean Philips, qua além da ilustração e do arranjo gráfico da capa, adapta o início do filme numa BD de 4 páginas, oferecida com o DVD.

Bórgia: o fim de um Império

2011-04-04T11:16:00.000+01:00

Com a publicação de “Tudo é Vaidade”, 4º volume da série “Bórgia”, chega ao fim a viagem de Jodorowsky pela história de uma das mais importantes famílias do Renascimento Italiano, os Bórgia, cujos métodos de actuação fizeram dela uma Máfia “avant la lettre”. Resta agora esperar que a Asa, que editou estes dois últimos álbuns numa boa cadência, reedite agora o 1º volume, entretanto esgotado.
Depois da ascensão, narrada nos três álbuns anteriores, Este "Tudo é Vaidade" incide mais na queda da família Bórgia, cujo poder passará para as mãos do Cardeal Giulliano Della Rovere, futuro Papa Júlio II, cujo papado está a ser objecto de outra série de Jodorowsky, “Le Pape Terrible”, com desenhos de Theo.

Com Lucrécia mais em segundo plano, este último álbum centra-se sobretudo nas relações conturbadas entre Rodrigo, o papa Alexandre VI e o seu filho César, que serviu de modelo a Maquiavel para o famoso tratado “O Príncipe”. Misturando História e lenda, numa intriga com uma base histórica, mas muito ficcionada, protagonizada por personagens reais, como os Bórgia, Maquiavel, Savonarola e Leonardo Da Vinci, Jodorowsky cria um conto moral sobre a corrupção do poder e os meandros da religião e da política na Itália do século XVI, em que tudo era permitido.

A morte de Lucrécia, quase no início do livro, devido a problemas durante uma gravidez, é um de vários exemplos em como Jodorowsky manipula a cronologia e a realidade histórica por necessidades da intriga, pois na realidade Lucrécia morreu em 1519, enquanto o seu pai, Rodrigo Bórgia, tinha falecido em 1503.
Não poupando detalhes em termos de violência e devassidão, a história escrita por Jodorowsky não é, decididamente, para estômagos delicados, mas a elegância e o rigor do traço sensual de Manara, que não se poupa a pormenores nas cenas de conjunto e consegue equilibrar bem o erotismo e o “gore”, ajudam a tornar não só suportável, mas até atraente uma história que, vista friamente, é de puro horror.

Lidos em sequência, estes quatro álbuns formam um políptico fascinante da ascensão e queda da família Bórgia, embora se note um nítido acelerar da narrativa na parte final da história, contada através de um longo flash-back. Apesar dos seus excessos e desequilíbrios, a série “Bórgia” está entre os melhores trabalhos dos seus autores, muito por via do trabalho superlativo de Milo Manara, que não esconde o grande prazer que sente ao desenhar a Itália do Renascimento.
(“Bórgia Vol 4: Tudo é Vaidade”, de Manara e Jodorowsky, Edições Asa, 48 pags, 16,20 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 2 de Abril de 2011

Os Lost Buildings de Chris Ware

2011-04-01T13:35:00.001+01:00

A partir de uma entrevista feita por Ira Glass a Chris Ware para o programa "This American Life", e de uma centena de desenhos de Ware, foi feita esta história sobre um rapazinho que gostava de prédios antigos e que eu descobri no altamente recomendável blog do Monsieur Bandit e que aqui vos deixo.

PS - Não se assustem se o ecrã aparecer negro no início. As primeiras imagens demoram algum tempo a aparecer

Adèle Blanc-Sec no cinema

2011-03-27T19:22:00.000+01:00

Depois da estreia no último FantasPorto, onde arrebatou o Prémio do Público, já chegou às salas de cinema nacionais a adaptação cinematográfica feita por Luc Besson da série “Adèle Blanc-Sec”, de Jacques Tardi. Rebaptizada (vá lá saber-se porquê) “A Maldição do Faraó” no mercado português, o filme adapta elementos dos 2 primeiros e do 4º álbum da série, numa história original, que bebe tanto da obra de Tardi, como da série “Indiana Jones”.

Um dos mais populares cineastas franceses da actualidade, responsável por grandes sucessos como “Leon, O Profissional” (que lançou Natalie Portman) e “O Quinto Elemento”, obras que em termos de meios, filosofia e linguagem, estão mais próximas dos filmes de Hollywood do que do cinema europeu, Besson estreia-se aqui na adaptação de uma Banda Desenhada, mesmo que “O Quinto Elemento”, em que trabalharam autores como Jean-Claude Mèzieres e Moebius, vá beber muito à série “Incal” de Moebius e Jodorowsky.

Filme movimentado e divertido, “As Aventuras de Adèle Blanc-Sec” tem o seu ponto mais forte no trabalho de produção, dos efeitos especiais à maquilhagem, havendo uma grande preocupação de dar aos actores um aspecto que os aproxime o mais possível dos desenhos de Tardi. E, com a excepção da própria Adèle (Louise Bourgoin é bastante mais bonita do que a heroína desenhada por Tardi) a caracterização dos actores que interpretam os papeis de Dieuleveult, Saint-Hubert, Esperandieu e do Inspector Caponi, faz deles cópias vivas das personagens desenhadas por Tardi, que têm uma pequena participação no final do filme, ao lado da sua mulher, a cantora Dominique Granje, como um casal que embarca no Titanic à frente de Adèle.

Carregando mais no humor do que a Banda Desenhada que lhe deu origem, o filme vive muito do excelente desempenho de Louise Bourgoin, que revela um excelente timing para comédia. Veja-se a delirante sequência (que não vem nos livros e mais parece tirada de um desenho animado dos Looney Toons) em que Adèle usa vários disfarces para ajudar Esperandieu a escapar da prisão da Santé.
Mesmo sem ter sido um sucesso estrondoso, o filme vendeu suficientemente bem para que se fale numa trilogia. Com nove álbuns de Adèle Blanc-Sec publicados em França, não falta material para adaptar e, tendo em conta que estes filmes ajudam sempre a puxar as vendas dos livros que lhe servem de inspiração, pode ser que a Asa, que acabou de lançar o 3º volume da série com o jornal "Público", se lembre de lançar os álbuns que faltam em português.
(“A Maldição do Faráo: As Aventuras de Adèle Blanc-Sec”, de Luc Besson, com Louise Bourgoin e Mathieu Almaric, Europa Corp, 2010. Em exibição em Coimbra nos cinemas Zon /Lusomundo Fórum Coimbra)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 26/03/2011

O regresso do Gambuzine

2011-03-21T17:34:00.001Z

Prova viva de que há edição independente de autores portugueses, fora do círculo de influência da distribuidora Chili com Carne, o fanzine/revista “Gambuzine” regressou com o 2º número desta segunda série, distribuído em finais de 2010.
Articulando os autores portugueses, com uma forte presença de autores do norte da Europa, fruto dos contactos que a editora Teresa Câmara Pestana criou durante o tempo que viveu na Alemanha, este novo “Gambuzine” tem como destaque principal o alemão Wittek, objecto de uma entrevista e da publicação de cinco histórias, que mostram bem a grande versatilidade do seu traço, tão à vontade no realismo, como na caricatura. Na 1ª história, “A Ilha da Cura”, um conto fantástico na linha das histórias da E.C: Comics, ambientado no Japão medieval, Wittek vai beber à gravura japonesa, com excelente resultados, enquanto que nas histórias de temática autobiográfica, opta por um registo mais caricatural, muito expressivo e divertido.

Dos mais de 20 artistas cujos trabalhos enchem as 100 páginas deste “Gambuzine”, um pouco menos de metade são portugueses, com destaque para Teresa Câmara Pestana, que assina 4 histórias (uma delas a partir de um texto do seu primo, Vasco Câmara Pestana) e parece ter criado escola, a avaliar pela influência do seu traço, detectável nos trabalhos de Fruzzie e Schmicko. Além desse núcleo duro que colabora habitualmente com Teresa Câmara Pestana, há também autores nacionais vindos de outros lados, como Pedro Rocha Nogueira, que já tem trabalhos editados pelas Bedetecas de Lisboa e Beja, e Álvaro, presença habitual no catálogo da Pedranocharco, que se estreia no “Gambuzine” com “Aula de Educação Sexual”, uma divertida história protagonizada por uma professora, cujas semelhanças fisionómicas com a anterior Ministra da Educação, devem ser mais do que mera coincidência…

Para além de dar a conhecer autores alemães e austríacos pouco conhecidos em Portugal, como Ulli Lust, vencedora de um dos Prémios do último Festival de Angoulême, que foi publicada em Portugal pela primeira vez no “Gambuzine”, o fanzine de Teresa Câmara Pestana é também um espaço de liberdade para os autores portugueses, que é importante manter. Cabe aos leitores, através da compra do “Gambuzine”, que em Coimbra se encontra à venda na Livraria Dr. Kartoon, contribuir para a sobrevivência deste belo projecto, só possível graças ao grande dinamismo da sua responsável.
(“Gambuzine” nº 2, Vários Autores, ed. Teresa Câmara Pestana, 100 pags, 8,0 €. Mais informações aqui)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 19/03/2011

O Gato de Sfar

2011-03-16T17:37:00.000Z

Tal como aqui referi na semana passada, há que estar atento à colecção “Os Incontornáveis da Banda Desenhada”, actualmente em distribuição nos quiosques. A prová-lo está este 2º volume, que recolhe 3 álbuns da série “O Gato do Rabino”, de Joann Sfar.
Um dos mais prolíficos criadores da BD europeia, Sfar tem uma produtividade inacreditável, acumulando uma vasta actividade como argumentista e desenhador, com incursões ocasionais noutras áreas, como o cinema, onde se estreou com o magnífico “Gainsbourg, Vie Heroique”, uma biografia em tom de fábula do cantor francês Serge Gainsbourg, que passou de forma discreta nos cinemas portugueses (em Coimbra, passou apenas durante a Festa do Cinema Francês), estando a trabalhar neste momento num filme de animação baseado precisamente nesta série “O Gato do Rabino”, de que já circulam algumas imagens.

Com excepção da série “Donjon”, escrita a meias entre Sfar e Trondheim, e dos álbuns “O Principezinho” e “A Filha do Professor”, não há muita coisa de Sfar editada em Portugal, o que dá uma importância ainda maior a esta edição, que recolhe os 3 primeiros álbuns de uma das séries mais emblemáticas de Joann Sfar, que se devia chamar, não o gato do rabino, mas “o Gato da Filha do Rabino”, pois a dona do gato é a bela Zlabya, filha do Rabino.

Ambientada na comunidade judia sefardita da Argélia dos inícios do século XX e protagonizada por um gato que ganha o dom da palavra depois de comer um papagaio, a série é uma divertida e sensível análise às questões da religião, servida por diálogos deliciosos (veja-se a conversa entre o gato, que quer fazer o “Bar-Mitzvá”, e o rabino do rabino). Sfar desenha tão depressa como escreve, mas o seu traço, mais caligráfico do que ilustrativo, é de uma eficácia surpreendente, sendo excelente em termos de criação de ambientes e na forma como retrata as poses do gato (o que nem deve ter sido difícil, pois foi um dos gatos de Sfar que serviu de modelo para o gato do Rabino).

O único problema desta edição, é que deixa de fora, os 2 últimos álbuns da série: “Le Paradis Terrestre” e “Jerusalém d’Afrique”, em que, depois de uma viagem a Paris, que não entusiasmou o Rabino, a família regressa a África. O que, não havendo garantias de que a Asa prossiga a série, deixa os leitores que queiram saber o que acontece a seguir, condenados a recorrer às edições de língua francesa ou inglesa.
(“Os Incontornáveis de Banda Desenhada 2: O Gato do Rabino”, de Joann Sfar, Edições Asa/Público, 144 pags, 7,40 €)
Versão integral do texto publicado no Diário As Beiras de 12/03/2011